Por que as Pinturas em Grade de Stanley Whitney Importam

As recentes pinturas do pintor abstrato americano Stanley Whitney têm uma qualidade distinta de grade. Elas são pilhas arquitetônicas de cores, evocativas das barras de cores da televisão neoplástica. E seus desenhos recentes expõem ainda mais sua atração pela grade, compreendendo composições simples de linhas pretas grossas que se assemelham a um tabuleiro de xadrez rudimentar ou uma rede de pesca. Mas Whitney nem sempre foi um pintor de grade. A grade foi algo para o qual ele levou décadas para se gravitar. Na verdade, ao olhar para as cinco décadas de suas pinturas, não se pode deixar de atribuir uma espécie de narrativa progressiva ao trabalho, uma que se estendeu muito além de suas origens e se tornou tanto mais simples quanto mais profunda ao longo do caminho. Isso é irônico porque Whitney uma vez disse no Modern Art News Podcast que a razão pela qual adotou uma linguagem visual abstrata foi porque, “Eu realmente não queria ser um contador de histórias.” Mas sua evolução estética realmente conta uma história. Não é uma história típica, heróica, do tipo começo-meio-fim. É mais como uma cronologia, ou uma série de reportagens da linha de frente de uma batalha em andamento. Essa batalha, que Stanley Whitney vem travando desde antes de se voltar para a abstração no final da década de 1960, é com os meios da pintura e do desenho, e seu papel na expressão de cor e espaço.

Uma Juventude Colorida

Não é surpresa que Stanley Whitney se tornou conhecido por seu exame da cor. Agora na casa dos 70 anos, ele conta uma linda história sobre ser uma criança de dez anos que frequentava sua primeira aula de pintura em uma escola do bairro em sua cidade natal, Bryn Mawr, Pennsylvania. O professor instruiu as crianças da classe a pintarem autorretratos. Enquanto os outros alunos faziam tentativas de capturar seus vários rostos realistas, Whitney se sentiu mais atraído pela cor do que por assuntos representacionais.

Em vez de tentar misturar uma paleta de cores que se relacionasse com sua aparência real, ele fez um autorretrato que incluía todas as cores que conseguia imaginar. Whitney diz que o professor gostou da pintura, mas seus pais não a entenderam. Eles nunca o mandaram de volta para a aula. Mas isso não impediu Whitney de se sentir atraído pelas possibilidades da pintura e da cor. Na verdade, não é exagero dizer que, desde aquele dia, aos dez anos, em sua primeira aula de pintura, Stanley Whitney permaneceu comprometido em buscar a maneira ideal de fazer da cor seu tema.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, photo credits of Galerie Nordenhake

Encontrando espaço

Além de sua atração pela cor, Stanley Whitney também se sentia atraído, na juventude, pelo processo de desenhar. Seus desenhos em preto e branco pareciam, à primeira vista, não ter relação com seu amor pela cor, mas havia uma conexão sutil entre os dois que levou muitos anos para ele perceber. A conexão tem a ver com o espaço. Ao fazer seus desenhos em preto e branco, ele descobriu que a distribuição do espaço poderia ocorrer de inúmeras maneiras, à medida que as linhas negociavam sua relação com o espaço branco na composição. No entanto, à medida que se tornava mais habilidoso na pintura, ele ficava perplexo sobre como alcançar essa mesma negociação de espaço com a cor.

Em suas primeiras obras figurativas, as cores parecem claustrofóbicas e apertadas. Em suas primeiras incursões na abstração, que eram variações sobre a Pintura de Campo de Cor com marcas gestuais adicionadas, as cores parecem soltas demais. Ele disse: “Eu quero muito ar na obra. Eu quero muito espaço na obra.” Mas ele parecia sobrecarregado exatamente sobre como criar leveza em cima do espaço da tela. Sua revelação veio na década de 1970 em uma viagem ao Mediterrâneo. Ao visitar o Egito e Roma, ele viu a resposta na arquitetura e na luz. A arquitetura antiga expressava estrutura, controle e o potencial democrático de elementos empilhados. As sombras e a luz do Mediterrâneo mostraram-lhe que cor e luz são a mesma coisa, e que cores frias e quentes, como luz fria e quente, expressam espaço. Isso desbloqueou um mistério da pintura que, como ele diz, “O ar e o espaço poderiam estar na cor, não que a cor estivesse no espaço."

Stanley Whitney - Untitled, 2013, graphite on paper, photo credits of Galerie Nordenhake

Um Processo Metódico

“Esse foi o começo das coisas se juntando,” diz Whitney. A partir desse ponto, ele tem evoluído lentamente em direção às pinturas em grade que faz hoje. Ele explorou o uso de gestos semelhantes a graffiti para determinar como a cor pode ser expressa por linhas, semelhante ao trabalho de Mondrian. Ele examinou maneiras de abordar a grade, desde formas empilhadas até fileiras de pontos e faixas de cores. Ele sabia que queria uma estrutura esquelética para conter suas cores de maneira equitativa, mas que também não queria que a regra da grade forçasse suas peças em uma direção particular. Ele queria encontrar a mistura perfeita de estrutura e liberdade, como o Jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, oil on linen, photo credits of Galerie Nordenhake

As obras de grelha maduras que Stanley Whitney agora faz são puras e estáveis. Elas até parecem, à primeira vista, carecer de um pouco da garra e angústia que faziam seus esforços anteriores parecerem tão vivos. Mas, ao examinar mais de perto, as marcas pictóricas da mão humana são evidentes, e a complexidade das composições revela a profundidade com a qual Whitney ainda luta com seu enigma. Ele encontrou uma maneira de fazer da cor seu assunto. Ele descobriu o segredo de que cor e luz são a mesma coisa, e são ambas manifestações do espaço. E através dessas descobertas, ele criou um corpo de trabalho que é rico e indiscutivelmente cheio de significado. Mas, apesar de suas descobertas, ele permaneceu na beira da navalha, nunca revelando, ou talvez nunca sabendo ou se importando em saber, precisamente qual é esse significado.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, oil on canvas, photo credits of Galerie Nordenhake

Imagem em destaque: Stanley Whitney - Sem Título, 2016, óleo sobre linho, créditos fotográficos da Galerie Nordenhake
Todas as imagens © o artista e Galerie Nordenhake;
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park