Por que as Pinturas em Grade de Stanley Whitney Importam

As pinturas recentes do pintor abstrato americano Stanley Whitney têm uma qualidade distinta semelhante a uma grade. São pilhas arquitetônicas de cores, evocativas das barras de cores da televisão neoplástica. E seus desenhos recentes revelam ainda mais sua atração pela grade, consistindo em composições simples de linhas pretas grossas que lembram um tabuleiro de damas rudimentar ou uma rede de pesca. Mas Whitney nem sempre foi um pintor de grades. A grade foi algo para o qual ele levou décadas para se aproximar. De fato, ao observar as pinturas dos últimos cinquenta anos, não se pode deixar de associar uma espécie de narrativa progressiva à obra, que se estendeu muito além de suas origens, tornando-se ao mesmo tempo mais simples e mais profunda ao longo do caminho. Isso é irônico porque Whitney disse uma vez no Podcast Modern Art News que o motivo pelo qual adotou uma linguagem visual abstrata foi porque, “eu realmente não queria ser um contador de histórias.” Mas sua evolução estética conta uma história. Não é uma história típica, heroica, com começo, meio e fim. É mais como uma cronologia, ou uma série de reportagens das linhas de frente de uma batalha contínua. Essa batalha, que Stanley Whitney vem travando desde antes mesmo de se voltar para a abstração no final dos anos 1960, é com os meios da pintura e do desenho, e seu papel na expressão da cor e do espaço.

Uma Juventude Colorida

Não é surpresa que Stanley Whitney tenha se tornado conhecido por seu exame da cor. Agora na casa dos 70 anos, ele conta uma história encantadora sobre ser uma criança de dez anos frequentando sua primeira aula de pintura em uma escola do bairro em sua cidade natal, Bryn Mawr, Pensilvânia. O professor instruiu as crianças da classe a pintarem autorretratos. Enquanto os outros alunos tentavam capturar seus diversos rostos realistas, Whitney sentiu-se mais atraído pela cor do que pelo assunto representacional.

Em vez de tentar misturar uma paleta de cores que se relacionasse com sua aparência real, ele fez um autorretrato que incluía todas as cores que conseguiu imaginar. Whitney diz que o professor gostou da pintura, mas seus pais não entenderam. Eles nunca o mandaram de volta para a aula. Mas isso não impediu Whitney de se sentir atraído pelas possibilidades da pintura e da cor. De fato, não é exagero dizer que desde aquele dia, quando tinha dez anos em sua primeira aula de pintura, Stanley Whitney permaneceu comprometido em buscar a maneira ideal de fazer da cor seu tema.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, créditos fotográficos da Galerie Nordenhake

Encontrando Espaço

Além de sua atração pela cor, Stanley Whitney também foi atraído na juventude pelo processo do desenho. Seus desenhos em preto e branco pareciam a princípio não ter relação com seu amor pela cor, mas havia uma conexão sutil entre os dois que ele levou muitos anos para perceber. A conexão tem a ver com o espaço. Ao fazer seus desenhos em preto e branco, ele descobriu que a distribuição do espaço poderia ocorrer de inúmeras maneiras, à medida que as linhas negociam sua relação com o espaço branco na composição. À medida que se tornou mais habilidoso na pintura, no entanto, ele ficou perplexo sobre como alcançar essa mesma negociação do espaço com a cor.

Em suas primeiras obras figurativas, as cores parecem claustrofóbicas e apertadas. Em suas primeiras investidas na abstração, que eram variações da Pintura de Campo de Cor com marcas gestuais adicionadas, as cores pareciam soltas demais. Ele disse, “Quero muito ar na obra. Quero muito espaço na obra.” Mas parecia preso exatamente em como criar leveza sobre o espaço da tela. Sua revelação veio na década de 1970, em uma viagem ao Mediterrâneo. Ao visitar o Egito e Roma, ele viu a resposta na arquitetura e na luz. A arquitetura antiga expressava estrutura, controle e o potencial democrático dos elementos empilhados. As sombras e a luz do Mediterrâneo mostraram-lhe que cor e luz são a mesma coisa, e que cores frias e quentes, como luz fria e quente, expressam espaço. Isso desbloqueou um mistério da pintura que, como ele diz, “O ar e o espaço poderiam estar na cor, não que a cor estivesse sobre o espaço.”

Stanley Whitney - Sem título, 2013, grafite sobre papel, créditos fotográficos da Galerie Nordenhake

Um Processo Metódico

“Esse foi o começo das coisas se encaixando,” diz Whitney. A partir desse ponto, ele tem evoluído lentamente em direção às pinturas em grade que faz hoje. Ele explorou o uso de gestos semelhantes a grafite para determinar como a cor pode ser expressa pela linha, semelhante ao trabalho de Mondrian. Ele examinou maneiras de abordar a grade, desde formas empilhadas até fileiras de pontos e faixas de cores. Sabia que queria uma estrutura esquelética para conter suas cores de forma equitativa, mas também não queria que a regra da grade forçasse suas peças em uma direção particular. Queria encontrar a mistura perfeita de estrutura e liberdade, como o Jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, óleo sobre linho, créditos fotográficos da Galerie Nordenhake

As obras maduras em grade que Stanley Whitney faz agora são puras e estáveis. Elas até parecem à primeira vista faltar um pouco da aspereza e angústia que tornavam seus esforços anteriores tão vivos. Mas, ao examinar mais de perto, as marcas pictóricas da mão humana são evidentes, e a complexidade das composições revela a profundidade com que Whitney ainda luta com seu enigma. Ele encontrou uma maneira de fazer da cor seu tema. Descobriu o segredo de que cor e luz são a mesma coisa, e são ambas manifestações do espaço. E por meio dessas descobertas, criou um conjunto de obras rico e inegavelmente cheio de significado. Mas, apesar de suas descobertas, ele permaneceu na beira da navalha, nunca revelando, ou talvez nunca sabendo ou se importando em saber, precisamente qual é esse significado.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, óleo sobre tela, créditos fotográficos da Galerie Nordenhake

Imagem em destaque: Stanley Whitney - Sem título, 2016, óleo sobre linho, créditos fotográficos da Galerie Nordenhake
Todas as imagens © o artista e Galerie Nordenhake;
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio