18 современных абстрактных художников рассказывают о своем наследии

Опасно и невозможно преподавать искусство. Тем не менее, это также необходимо. Чтобы искусство существовало, художники должны научиться становиться тем, кем они собираются стать, и как создавать то, что они собираются создать. Некоторые будут учиться в школе, у других несовершенных людей, таких же, как они сами, которые по тем или иным причинам взяли на себя опасную, невозможную, необходимую задачу делиться с другими тем, что они узнали. Другие художники найдут учителей вне класса. Они могут узнать, что значит быть художником, общаясь с другими художниками на открытых выставках или в барах. Они могут узнать, что значит создавать искусство, смотря видео в интернете или разбирая искусство, которое они видят в музеях или книгах. Некоторые художники могут научиться сами тому, кем они являются, следуя вдохновению, которое они получают от архитектуры и дизайна, просто реагируя на мысли и чувства, которые они испытывают, взаимодействуя с повседневной построенной средой и ее бесчисленными продуктами и пространствами. Другие могут научиться быть художниками, просто приняв — а затем взрастив — свое внутреннее стремление к творчеству. Процесс создания может научить нас, как создавать. Процесс бытия может научить нас тому, кем мы хотим быть. В конце концов, каждый, кто пройдет через процесс обучения до момента, когда сможет сказать фразу: "Я художник", не чувствуя, что это ложь, будет иметь историю, которую можно рассказать о своих учителях. Сегодня мы представляем вам коллекцию таких историй от художников, смелых достаточно, чтобы поделиться своими линиями обучения. Они смелы, потому что объявить о своем эстетическом или концептуальном наследии подвергает их ужасной угрозе. Вы, читатель, можете понять, что один художник был учеником другого художника или был вдохновлен тем или иным, и ошибочно принять это за краткий путь. Вы можете сказать: "Ага! Теперь я вижу, кого они копируют", или: "Теперь я понимаю их искусство!" Вместо этого, читая эти анекдоты о том, как эти 18 художников стали тем, кем они являются, позвольте информации расширить ваше восприятие. Следуйте за каждой нитью и копайте глубже. Вы можете увидеть опасную, невозможную, необходимую красоту того, что на самом деле значит преподавать и учиться искусству.

Anya Spielman

Spielman была студенткой Уэйна Тиболда в Университете Калифорнии в Дэвисе. О своих других учителях она говорит:

"Большое влияние на меня оказало увиденное триптих Иеронима Босха "Сад земных наслаждений" в Прадо, когда я был подростком. Я был поражен иконографией, а также насыщенными цветами и сложными композициями его работ. Я сразу же откликнулся на двойственность в творчестве Босха: его резкая и яркая палитра: оттенки черного чернил, умбры, бледно-розового, кости, вермиллиона и азурита; изгибы его прозрачных "плодов наслаждения" в Эдеме, контрастирующие с пронзительным психологическим и физическим падением в галлюцинаторный ад. Визионерский гений Босха изображал человеческую природу во всех ее формах с прямой близостью и силой, которые я нахожу невероятно редкими даже сегодня."

Anya Spielman - Ультрафиолет, 2015. Масло на панели. 15.3 x 15.3 см

Deanna Sirlin

Sirlin училась у Луиса Финкельштейна, будучи аспиранткой в Куинс-колледже, Городском университете Нью-Йорка. В том же учебном заведении она училась у Бенни Эндрюса, который обучался абстрактному экспрессионизму в Школе Института искусств Чикаго в 1950-х годах; Клинтона Хилла, который был помощником студии Марка Ротко; арт-критика и ассоциированного редактора Artforum Роберта Пинкус-Уиттена, который, по ее словам, "помог развить мой критический взгляд"; и Чарльза Каджори, который был учеником Ханса Хофмана. Сирлин говорит:

"[Lineage] действительно является сложным вопросом. Связи с художниками тоже идут вбок. Anne Труит была важна для меня, когда я был молодым художником в Яддо. Melissa Meyer тоже была там этим летом [1983]. Эрин Лоулер была моей соседкой по студии в Центре Ротко в Латвии. Хосе Хиркинс был в Центре Ротко в то же время, что и мы [2016]. Кара Уокер была студенткой, когда я преподавал в Атлантском колледже искусств, и Кара и я выставлялись на одной Атлантской биеннале в 1992 году. Затем есть и другие художники — писатели и драматурги. Хейден Херрера [биограф Фриды Кало и Аршила Горького] был моим наставником как арт-писатель. Крис Краус [Я люблю Дика] и я были в Яддо вместе... Я был близким другом драматурга Рональда Тавела [Театр абсурда]. Он был сценаристом для Уорхола... Надеюсь, я не запутал вас в этом дополнительном ответе."

Deanna Sirlin - Чудо, 2015. Смешанная техника на холсте. 127 x 106.7 см

Бренда Заппителл

"Когда я только начал рисовать, на меня больше всего повлиял Пикассо. Меня привлекло его использование цвета и техники нанесения мазков, особенно в "Девушка перед зеркалом" (1932). Позже, когда я начал рисовать больше в абстрактно-экспрессионистском стиле, меня больше привлекли Джоан Митчелл и Виллем де Кунинг. Однако я действительно начал смотреть на их работы только после того, как начал рисовать в этом стиле, а не до."

Бренда Заппителл - На данный момент, 2017. Флаш и акрил с холодным воском на панели. 127 x 127 см

Daniel Göttin

В интервью 2006 года для Minus Space NY художник Крис Эшли спросил Göttin, с чего он начинает как художник. Göttin ответил:

"История искусства иногда делает вид, что конкретное художественное движение является завершенной сущностью. Использование термина "конкретное" не обязательно совпадает с идеологическим фоном Конкретного Искусства, которое также основывалось на идеях о обществе и политике. Меня беспокоит сущность, которая может также включать противоречия — да и нет, а может быть и что-то среднее. Моя отправная точка — это синтез различных взглядов или позиций одновременно, что для меня является пространственным взглядом. Это может быть очевидным или тонким, симметричным или асимметричным, или тем и другим вместе, с противоречием или без него. Это может быть правило и отклонение вместе. Некоторые из ранних работ, которые я создал, были коллажами, связанными с работой Курта Швиттерса (Merz), любые найденные материалы грубо наклеенные на кусок картона — физические, прямые, импровизированные, случайные, цветные, даже дадаистские. Позже я заинтересовался Минималистским Искусством, где произведение искусства часто точно спланировано и идеально и четко сконструировано с определенным использованием материалов и вниманием к деталям. Оба движения важны для меня, и иногда я вижу, как моя работа несет в себе части обоих, соответствуя между этими двумя арт-историческими позициями."

Daniel Göttin - Без названия 2 (Розовый), 1992. Акрил на паватексе. 97 x 58.5 x 3 см

Гэри Паллер

"Понять свои влияния довольно сложно, по крайней мере для меня, так как я в основном работаю интуитивно, а не осознанно. Я действительно думаю, что мои формативные годы как студента искусства в UCLA (BA 74, MFA 77) составили большую часть того, кто я есть. В те дни UCLA была довольно художественной школой с европейским/модернистским уклоном. На мой первый курс живописи я был записан на вводный курс живописи с Ричардом Дибенкорном (я не имел ни малейшего представления, кто он), но у него и руководства факультета возникли некоторые проблемы, и его должность была прекращена до начала курса. Поэтому я учился у Ричарда Джозефа, нового реалиста, который заложил мне прочный фундамент. Лишь через шесть месяцев, работая на более продвинутом курсе живописи с Чарльзом Гарабедианом, я начал экспериментировать с абстракцией. На протяжении многих лет, профессор, который, вероятно, оказал на меня наибольшее влияние, был Уильям Брайс. Билл был очень красноречивым, достойным, щедрым, вдумчивым, смешным учителем и другом. Как трудолюбивый плодовитый художник, он часто говорил о необходимости проводить время в студии, прорабатывая идеи, и все остальное менее важно. Я часто думаю о нем и чувствую себя очень счастливым, что знал его долгое время. Мне потребовалось несколько лет, чтобы отделить себя от идеи быть студентом и от звуков моих старых профессоров в моей голове, когда я рисовал, но со временем я достиг ясного понимания того, кто я есть, и ответственности, которую я несу за создание работ, которые соответствуют моему видению. Я часто вижу аспекты других художников в своей работе, иногда чувствуя, что действительно существует связь через одни и те же идеи, а в другие разы кажется, что любое сходство просто поверхностно. В конце концов, пусть писатели об искусстве говорят о влияниях."

Гэри Паллер - 9 (2015), 2015. Чернила на бумаге. 37.8 x 29 см

Tracey Adams

"Майкл Мазур (1935-2009) был моим преподавателем по гравюре 25 лет назад. Мы впервые встретились, когда я останавливался в Центре изобразительных искусств в Провинстауне, где Майкл проводил недельный семинар по гравюре. Так много вещей выделяются в нашем первоначальном взаимодействии: Майкл был невероятно эмпатичным и социально сознательным человеком, не только в своем выбранном предмете (рисунки и гравюры страдающих пациентов психиатрической больницы и животных за решеткой в зоопарке), но и в наших личных беседах о жизни. Он научил меня быть щедрым на примере, как способе сбалансировать эгоизм студии. Не было ничего в его технике или стремлении к карьере художника, чем бы Майкл не поделился. Майкл провел время в Китае в конце 80-х, и именно через его любовь к азиатскому пейзажу я научился упрощать свои жесты, рисовать с экономией выражения, что я очень ценю. Я никогда не забуду его чувство юмора, когда он говорил мне: "Трейси, это ungepatchke!", что на идише означает слишком занято и украшено."

Tracey Adams - Балансировка 2, 2016. Гуашь, графит и чернила на риве. 66 x 50.8 см

Kyong Lee

Lee называет своим первым вдохновением акварель, которую она увидела в 11 лет, созданную Полем Сезанном, которая оставила "незабываемое впечатление". Она продолжает:

"Мой профессор, Клаус Штумпель, был настолько близок к природе, что его почти прозвали 'фермером'. Он рекомендовал мне изучить Франтишека Купку. Я изучал его процесс абстракции и его космическую и мистическую перспективу. Прежде всего, я узнал больше всего о его любви к жизни и его стремлении сохранить свои мысли. Когда я вернулся в Корею, я снова подумал о Кандинском. Я думаю, что его желание найти объективную, универсальную истину в искусстве — это невозможная задача. Я считаю, что искусство субъективно и личностно, а не что-то другое. Когда я ищу свою глубочайшую внутреннюю сторону, я могу общаться с внутренним миром других. Я думаю, что искусство может быть средством, соединяющим микрокосм (человека) и макрокосм (мир). Особенно цвет является предметом моего исследования. Я ищу цвет как прилагательное. Мне нравится отношение Рихтера к работе, его страсть к живописи и дух эксперимента. Может быть, Он Кавара? Мне нравится его работа, которую он хотел доказать, что она жива, и я хочу доказать себе, работая каждый день, что я все еще жив, эмоционально и чувствительно. Мои мысли о Василии Кандинском и многих других минималистах очень отличаются от общего взгляда. Я не согласен с их художественной точкой зрения."

Kyong Lee - Картина с белым, 2008. Акрил на холсте, 150 x 200 см

Joanne Freeman

Freeman упоминает влияния, которые включают художников (Элсворт Келли, Карла Аккардии, Анри Матисса, Пол Фили, Моррис Луис, Барнетт Newman и Энди Уорхол), дизайнеров (Сол Бас и Рой Кулман) и архитекторов (Ле Корбюзье). Но она также говорит о личных способах, которыми культура повлияла на её искусство, как в следующем анекдоте:

"Бизнес моего отца был связан с вывесками. Как и большинство городских детей в Америке, я вырос на заднем сиденье автомобиля, остро осознавая рекламные щиты и неоновый свет. Привлечение внимания с помощью прямых визуальных стимулов стало частью моей психики. Совсем недавно я посетил Музей современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке и снова был поражен картиной Барнетта Ньюмана "Vir Heroicus Sublimis" (Человек, Герой и Сублимный) (1950-51). Моя физическая реакция на ее силу, непосредственность и простоту была подавляющей, подтверждая мое собственное визуальное прошлое и идентичность."

Joanne Freeman - Обложки 13-фиолетовая, 2014. Гуашь на ручной бумаге Кхади. 33.1 x 33.1 см

Brent Hallard

"Для меня это был Мондриан. Абстрактные художники того времени работали более концептуально с абстракцией, то есть им нравилась сама идея, в то время как Мондриан работал наоборот, через механику и выходил на другой конец, переосмысляя плоскость картины. С тех пор не многие сделали это. Я тогда задумался, что должно быть больше способов войти в это странное пространство, которое Мондриан так четко понимал. [Ellsworth] Келли и [Robert] Мангольд показали другие способы выразить это 'другое' пространство. Опыт этих художников дал мне возможность по-настоящему оценить усилия моих сверстников и стремиться к тому, чтобы пройти через следующее конвертирование."

Brent Hallard - Облака, 2013. Акрил на бумаге. 25.4 x 35.6 см

Одри Стоун

"Я часто любил и думал о работах Виджи Челминс. Ее интенсивное наблюдение и спокойное исполнение очень вдохновляют меня. Луиза Буржуа всегда вдохновляла меня своей решимостью выражать себя в наилучшем медиуме для своих идей. Более очевидным источником вдохновения была бы Агнес Мартин, я люблю ее уверенное сдерживание, и Марк Ротко за эмоциональный заряд, который может передать его работа."

Одри Стоун -№ 61, 2011. Нить, чернила и графит на бумаге. 43,2 x 35,6 см

Pierre Auville

Auville упоминает немецкие блокхаусы времен Второй мировой войны, которые выстраиваются вдоль французского атлантического побережья. Он говорит: "Большинство людей считает их уродливыми шрамами. В моих глазах их сущность была частью ландшафта, время слило их с песком, дюнами и морем или с картинами, которые уличные художники наносили на них." Кроме того, Auville был затронут этим опытом из своего детства:

"В возрасте шести или семи лет мне посчастливилось посетить пещеру Ласко на юго-западе Франции. Это было для меня шоком. Мои родители купили несколько факсимиле в качестве сувениров, и я проводил часы, рассматривая их в подвале нашего дома, задаваясь вопросом, что делает разницу между картинками и настоящими произведениями искусства. Разница была очевидна, но я пытался понять ее суть. Я включал и выключал свет, наклеивал песок на картинки в попытке воспроизвести суть картин Ласко, но так и не достиг того, что, как мне казалось, было их душой."

Pierre Auville - 4 Квадрата, 2014. Пигментированный цемент на пенопластовых панелях. Структурная и подвесная рама сзади. 120 x 120 x 6 см

Люук де Хаан

De Haan упоминает влияния, начиная от художников (Пит Мондриан, Казимир Малевич, Эль Лисицкий, Энди Уорхол, Элсворт Келли) до дизайнеров альбомов (Hipgnosis, Peter Сэвилл), до музыкантов (Стив Райх, Терри Райли, Мортон Фельдман, Брайан Ино). Он говорит:

"В годы до моей половой зрелости визуальный язык Пита Мондриана привлекал много внимания в Нидерландах. Я был слишком молод, чтобы думать в терминах искусства, но Мондриан просто был там, и это было интригующе. И до сих пор интригует! Немного позже я познакомился с супрематистами, которые, как и я, брали геометрические формы за отправную точку. Поскольку мои сестры на пять лет старше меня, я рано в подростковом возрасте открыл для себя (через их парней) «прогрессивную» музыку и соответствующий дизайн обложек. Неудивительно, что я хотел стать дизайнером обложек. Если бы мне пришлось выбрать одного визуального художника, который изменил мой взгляд на вещи, это был бы Элсворт Келли. В середине 80-х годов Стеделик музей в Амстердаме приобрел "Синюю кривую VI" (1982). Я регулярно приходил посмотреть на нее и изучал визуальный язык. Но сейчас, возможно, более важно, что я также руководствуюсь своей собственной реакцией на искусство... Я начал думать об искусстве... о цели, о значении, о, боже мой."

Luuk De Haan - Диффузный Танец 9, 2013. Ультрахром HD чернила на бумаге Ханнемюле. 29.7 x 21 см

Бренда Блонд

"Учения Йозефа Альберса влияют на то, как я думаю о размещении цветов в разных контекстах. А небесные пространства Джеймса Туррелла повлияли на то, как я думаю о размещении атмосферного цвета в разных контекстах. В общем, общая эстетика моих серий "Бумажные Небеса" и "Движущиеся Картины" сильно influenced современными американскими художниками, такими как Джорджия О'Киф, Марк Ротко, Барнетт Newman, Элсворт Келли, Фрэнк Стелла и др."

Бренда Биондо - Paper Sky no. 21 (Large), 2015. Печать на алюминии методом сублимации красителя (матовая/глянцевая отделка). 83.8 x 96.5 см

Pierre Muckensturm

"Более 20 лет назад я открыл часовню Роншамп, позднюю работу архитектора Шарля-Эдварда Жаннере, известного как Ле Корбюзье. Я не чувствовал, ни до, ни после, такой восприятия правильности возможностей между массивностью и высотой. Тогда для меня начался этот долгий поиск, который до сих пор питает меня, стремясь приблизиться к наиболее подходящему соотношению между полным и пустым."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Карборунд и сухая точка на меди. Печать на бумаге BFK Rives 250 г. 56 x 56 см

Jessica Snow

"Я хотел бы поговорить об художнике, который вдохновлял меня на протяжении десятилетий, больше, чем любой другой художник: Матисс, художник, которого можно изучать всю жизнь. Его работа прошла через множество путей благодаря его экспериментам и поискам новых возможностей в живописи. Они прекрасны, вдохновляющи, сложны, временами милы и спокойны, временами трудны и вызывающи — отражение того, какова жизнь."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Акварель на бумаге. 31.8 x 31.8 см

Susan Cantrick

Вместо того чтобы перечислять свои влияния, Cantrick называет художников, чьи работы её больше всего интересуют, независимо от того, есть ли у них прямая связь с её собственным творчеством. Её короткий список современных и современных художников:

"Ширли Джаффе, Томас Носковски, Эми Силлман, Шарлен фон Хейл, Ричард Дибенкорн, Хуан Услé и Пер Киркеби. Это эклектичный и не исчерпывающий список, но то, что их объединяет, это ясность, сложность и жизненная сила — что является моими собственными заботами — выраженные через яркий цвет и структуру, четкие формы и мелкое живописное пространство. Что касается предмодерна, Вермеер, Дега и Мане находятся на вершине моего списка, снова из-за этой тройки атрибутов: ясности, сложности, жизненной силы. Кроме того: натянутость в солидном изображении Вермеера передает невероятно ощутимую неподвижность — приостановку времени. Особый способ Дега подчеркивать свое пространство "безмолвными", неанимированными областями и/или сильным вертикальным элементом способствует продолжительному, ритмичному восприятию. И в Мане есть непосредственность и свежесть, которые, помимо всего остального мастерства, в своем наилучшем проявлении захватывают внимание."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Акрил на льне. 100 x 100 см

Anne Russinof

"В моем случае я не был под влиянием какого-то одного художника, а скорее художественного сообщества, в котором я вырос в Чикаго. В моем районе, который называется Линкольн Парк или Старый Город, было много художников, и когда я проявил интерес к рисованию в подростковом возрасте, меня поощрили пойти в школу, связанную с замечательным Художественным институтом Чикаго, для изучения фигуры. Там мне приходилось проходить прямо через музей с его знаменитой коллекцией импрессионистов, чтобы попасть в школу. Я думаю, что это в основном и сформировало мой интерес к линии, жесту и цвету."

Anne Russinof - Look See, 2014. Масло на холсте. 76 x 76 см

Macyn Bolt

"Моя художественная линия прослеживается у художников, которые сочетают "редуктивный" подход к созданию изображения/объекта с вниманием к поверхности и тонким деталям. На ум приходят Брайс Марден, Ими Кноэбель, Дэвид Новрос и Сол Левитт. Кроме того, скульптурные работы Ричарда Серра, Карла Андре и Фреда Сэндбэка, с их особым использованием трехмерного пространства, продолжают вдохновлять мой подход к живописи."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Акрил на холсте. 122 x 96.9 см