18 современных абстрактных художников рассказывают о своем наследии

Обучать искусству опасно и невозможно. Но это также необходимо. Чтобы искусство существовало, художники должны научиться становиться тем, кем они собираются стать, и создавать то, что они собираются создать. Некоторые учатся в школе, у других несовершенных людей, подобных им самим, которые по каким-то причинам взяли на себя опасную, невозможную и необходимую задачу делиться с другими тем, чему они научились. Другие художники находят учителей вне класса. Они могут узнать, что значит быть художником, общаясь с другими художниками на открытиях выставок или в барах. Они могут понять, что значит создавать искусство, смотря видео в интернете или разбирая искусство, которое видят в музеях или книгах. Некоторые художники могут учиться сами, следуя вдохновению, которое получают от архитектуры и дизайна, просто реагируя на мысли и чувства, возникающие при взаимодействии с повседневной городской средой и её бесчисленными продуктами и пространствами. Другие могут научиться быть художниками, просто принимая и затем развивая внутреннее стремление к творчеству. Процесс создания может научить нас создавать. Процесс бытия может научить нас тому, кем мы хотим быть. В конце концов, каждый, кто пройдет через процесс обучения до момента, когда сможет сказать фразу «Я художник», не чувствуя, что это ложь, будет иметь историю о своих учителях. Сегодня мы представляем вам коллекцию таких историй от художников, достаточно смелых, чтобы поделиться своими линиями обучения. Они смелы, потому что объявление о своем эстетическом или концептуальном наследии подвергает их ужасной угрозе. Вы, читатель, можете понять, что один художник был учеником другого, или вдохновлялся тем или иным, и принять это за короткий путь. Вы можете сказать: «Ага! Теперь я вижу, кого они копируют», или «Теперь я понимаю их искусство!» Вместо этого, читая эти анекдоты о том, как эти 18 художников стали тем, кем они являются, позвольте информации расширить ваше восприятие. Следуйте за каждой ниточкой и копайте глубже. Вы можете увидеть опасную, невозможную, необходимую красоту того, что на самом деле значит учить и учиться искусству.

Anya Spielman

Spielman была студенткой Уэйна Тиболда в Университете Калифорнии в Дэвисе. О своих других учителях она говорит:

"Большое влияние на меня оказало увиденное триптих Hieronymus Bosch «The Garden of Earthly Delights» в Prado, когда я был подростком. Меня поразила иконография, а также насыщенные цвета и сложные композиции его работ. Я сразу откликнулся на двойственность в творчестве Bosh: его резкую и освещённую палитру: оттенки чернил, умбры, бледно-розового, кости, киновари и азурита; изгибы его прозрачных «капсул удовольствия» в Эдеме, противопоставленные пронизывающему психологическому и физическому спуску в галлюцинаторный ад. Визионерский гений Bosch изобразил человеческую природу во всех её формах с прямой интимностью и силой, которые я считаю невероятно редкими даже сегодня."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Масло на панели. 15.3 x 15.3 см

Deanna Sirlin

Sirlin училась у Louis Finkelstein, будучи аспиранткой в Queens College, City University of New York. В той же школе она училась у Benny Andrews, который обучался как абстрактный экспрессионист в School of the Art Institute of Chicago в 1950-х; Clinton Hill, который был помощником в студии у Mark Rothko; арт-критика и заместителя редактора Artforum Robert Pincus-Witten, который, по её словам, «помог моему критическому взгляду»; и Charles Cajori, который был учеником Hans Hoffman. Sirlin говорит:

"[Lineage] действительно сложный вопрос. Связи с художниками тоже идут вразнобой. Anne Truitt была важна для меня, когда я был молодым художником в Yaddo. Melissa Meyer тоже была там тем летом [1983]. Erin Lawlor была моей соседкой по студии в Rothko Centre в Латвии. Jose Heerkins был в Rothko Centre в то же время с нами [2016]. Kara Walker была студенткой, когда я преподавал в Atlanta College of Art, и Kara и я выставлялись на той же Atlanta Biennial в 1992 году. Затем есть другие художники — писатели и драматурги. Hayden Herrera [биограф Frieda Kahlo и Arshile Gorky] была моим наставником как арт-критик. Chris Kraus [I Love Dick] и я были вместе в Yaddo... Я был близким другом драматурга Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Он был сценаристом у Warhol... Надеюсь, я не запутал вас в этом дополнительном ответе."

Deanna Sirlin - Чудо, 2015. Смешанная техника на холсте. 127 x 106.7 см

Бренда Заппителл

"Когда я только начал рисовать, наибольшее влияние на меня оказал Пикассо. Меня привлекало его использование цвета и манера нанесения мазков, особенно в «Девушка перед зеркалом» (1932). Позже, когда я начал больше рисовать в стиле абстрактного экспрессионизма, меня больше привлекали Джоан Митчелл и Виллем де Кунинг. Однако я действительно начал изучать их работы уже после того, как стал рисовать в этом стиле, а не до."

Brenda Zappitell - В данный момент, 2017. Флэш и акрил с холодным воском на панели. 127 x 127 см

Daniel Göttin

В интервью 2006 года для Minus Space NY художник Крис Эшли спросил Göttin, с чего он начинает как художник. Göttin ответил:

"История искусства иногда притворяется, что определённое художественное движение — это целостная сущность. Использование термина «конкретное» не обязательно совпадает с идеологическим фоном Konkrete Kunst, который также основывался на идеях о обществе и политике. Меня интересует сущность, которая может включать противоречия — да и нет, и даже возможно. Моя отправная точка — синтез разных взглядов или позиций одновременно, что для меня является пространственным взглядом. Он может быть очевидным или тонким, симметричным или асимметричным, или и тем, и другим вместе, с противоречием или без него. Это может быть одновременно правило и отклонение. Некоторые из ранних моих работ были коллажами, связанными с творчеством Курта Швиттерса (Merz), любой найденный материал грубо приклеенный к картону — физический, прямой, импровизированный, случайный, красочный, даже дадаистский. Позже меня заинтересовало минималистское искусство, где произведение часто точно спланировано, идеально и чётко сконструировано с определённым использованием материалов и вниманием к деталям. Оба направления важны для меня, и иногда я вижу в своей работе части обоих, находящиеся между этими двумя художественно-историческими позициями."

Daniel Göttin - Без названия 2 (Розовый), 1992. Акрил на паватексе. 97 x 58.5 x 3 см

Гэри Паллер

«Довольно сложно понять свои влияния, по крайней мере для меня, так как я в основном работаю интуитивно, а не сознательно. Я действительно считаю, что мои формативные годы как студента искусства в UCLA (бакалавр 74, магистр 77) сформировали большую часть того, кто я есть. В те дни UCLA была в основном школой живописи с европейским/модернистским уклоном. На мой первый урок живописи меня записали на вводный курс живописи с Richard Diebenkorn (я не имел понятия, кто он), но у него и руководства факультета были разногласия, и его должность была прекращена до начала курса. Поэтому я учился у Richard Joseph, нового реалиста, который дал мне прочную основу. Только через шесть месяцев, работая на более продвинутом курсе живописи с Charles Garabedian, я начал экспериментировать с абстракцией. За эти годы профессор, который, вероятно, оказал на меня наибольшее влияние, был William Brice. Билл был очень красноречивым, достойным, щедрым, вдумчивым, забавным учителем и другом. Как трудолюбивый и плодовитый художник, он часто говорил о необходимости проводить время в студии, оттачивая свои работы, а все остальное менее важно. Я часто думаю о нем и считаю себя счастливым, что знал его долгое время. Потребовалось несколько лет, чтобы отделить себя от идеи быть студентом и от звуков моих старых профессоров в голове, когда я рисовал, но со временем я достиг ясного понимания того, кто я есть, и ответственности создавать работы, которые соответствуют моему видению. Я часто вижу в своей работе черты других художников, иногда чувствуя, что существует настоящая связь через одни и те же идеи, а иногда кажется, что любое сходство поверхностно. В конце концов, пусть искусствоведы говорят о влияниях.»

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Чернила на бумаге. 37.8 x 29 см

Tracey Adams

Майкл Мазур (1935-2009) был моим учителем печатной графики 25 лет назад. Мы впервые встретились, когда я жил в Fine Arts Work Center в Провинстауне, где Майкл проводил недельный мастер-класс по печатной графике. Многое запомнилось в нашей первой встрече: Майкл был невероятно эмпатичным и социально сознательным человеком, не только в выбранной им теме (рисунки и гравюры страдающих пациентов психиатрической больницы и животных за решеткой в зоопарке), но и в наших личных разговорах о жизни. Он учил меня быть щедрым на примере, как способ сбалансировать эгоцентризм студии. Майкл не скрывал ничего о своей технике или о карьере художника. Он провел время в Китае в конце 80-х, и именно через его любовь к азиатскому пейзажу я научился упрощать свои жесты, писать с экономией выражения, что я очень ценю. Я никогда не забуду его чувство юмора, когда он говорил мне: «Tracey, это ungepatchke!», что на идише означает слишком занято и украшено.

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Гуашь, графит и тушь на бумаге rives. 66 x 50.8 см

Kyong Lee

Lee называет своим первым вдохновением акварель Пола Сезанна, которую она увидела в 11 лет и которая оставила «незабываемое впечатление». Она продолжает:

"Мой профессор, Klaus Stümpel, был настолько близок к природе, что его почти прозвали «фермером». Он рекомендовал мне изучать Frantisek Kupka. Я изучала его процесс абстрагирования и его космическую и мистическую перспективу. Прежде всего, я больше всего узнала о его любви к жизни и его воле сохранять свои мысли. Когда я вернулась в Корею, я снова подумала о Кандинском. Я считаю, что его стремление найти объективную, универсальную истину в искусстве — невозможный вызов. Я думаю, что искусство субъективно и лично, а не что-то иное. Когда я ищу свою глубочайшую внутреннюю сторону, я могу общаться с внутренним миром других. Я считаю, что искусство может быть средством, соединяющим микрокосм (человека) и макрокосм (мир). Особенно цвет — это предмет моего исследования. Я ищу цвет как прилагательное. Мне нравится отношение Рихтера к работе, его страсть к живописи и дух эксперимента. Может быть, On Kawara? Мне нравится его работа, в которой он хотел доказать, что жив, и я хочу доказать себе, работая каждый день, что я всё ещё жива эмоционально и чувствительно. Мои мысли о Wassily Kandinsky и многих других минималистах сильно отличаются от общего взгляда. Я не согласна с их художественной точкой зрения."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Акрил на холсте, 150 x 200 см

Joanne Freeman

Freeman называет в числе своих влияний художников (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman и Andy Warhol), дизайнеров (Saul Bass и Roy Kuhlman) и архитекторов (Le Corbusier). Но она также рассказывает о личных способах, которыми культура повлияла на её искусство, как в следующем анекдоте:

"Бизнес моего отца был связан с вывесками. Как и большинство городских детей в Америке, я выросла на заднем сиденье машины, остро осознавая билборды и неон. Привлекающий внимание прямой визуальный стимул стал частью моей психики. Совсем недавно я посетила MoMA в Нью-Йорке и снова была поражена картиной Барнетта Ньюмана «Vir Heroicus Sublimis» (Человек, героический и возвышенный) (1950-51). Моя интуитивная реакция на её силу, непосредственность и простоту была ошеломляющей, подтверждая моё собственное визуальное прошлое и идентичность."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Гуашь на бумаге ручной работы Khadi. 33.1 x 33.1 см

Brent Hallard

"Для меня это был Mondrian. Абстрактные художники того времени работали более концептуально с абстракцией, то есть им нравилась сама идея, в то время как Mondrian шел в обратном направлении через механику и в итоге заново изобрел плоскость картины. С тех пор немногие это сделали. Затем я задумался, что должно быть больше способов попасть в это странное пространство, которым Mondrian так ясно владел. [Ellsworth] Kelly и [Robert] Mangold показали другие способы выразить это ‘другое’ пространство. Опыт этих художников дал мне возможность по-настоящему оценить усилия моих сверстников и стремиться преодолеть следующий рубеж."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Акрил на бумаге. 25.4 x 35.6 см

Audrey Stone

"Я часто любила и думала о работах Vija Celmins. Её интенсивное наблюдение и спокойное исполнение очень вдохновляют меня. Louise Bourgeois всегда вдохновляла меня своей решимостью выразить себя в лучшем для своих идей материале. Более очевидным вдохновением была Agnes Martin, я люблю её уверенное сдерживание, и Mark Rothko за эмоциональный удар, который может нанести его работа."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Нитки, тушь и графит на бумаге. 43.2 x 35.6 см

Pierre Auville

Auville упоминает немецкие блокгаузы времен Второй мировой войны, которые выстроены вдоль французского Атлантического побережья. Он говорит: «Большинство людей считают их уродливыми шрамами. В моих глазах их сущность была частью ландшафта, время слило их с песком, дюнами и морем или с картинами, которые уличные художники наносили на них.» Кроме того, Auville был затронут этим опытом из своей юности:

"В шесть или семь лет мне посчастливилось посетить пещеру Ласко на юго-западе Франции. Это было для меня шоком. Мои родители купили несколько факсимиле в качестве сувениров, и я часами рассматривал их в подвале нашего дома, пытаясь понять, что отличает эти изображения от настоящих произведений искусства. Разница была очевидна, но я пытался понять её суть. Я включал и выключал свет, наносил песок на изображения в попытке воспроизвести материальность картин Ласко, но так и не достиг того, что считал их душой."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Пигментированный цемент на пенопластовых панелях. Структурная и подвесная рама сзади. 120 x 120 x 6 см

Luuk de Haan

De Haan упоминает влияния, варьирующиеся от художников (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) до дизайнеров альбомов (Hipgnosis, Peter Saville), до музыкантов (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Он говорит:

"В годы до моего полового созревания визуальный язык Piet Mondriaan привлекал много внимания в Нидерландах. Я был слишком молод, чтобы думать в терминах искусства, но Mondriaan был просто там, и это было интересно. И до сих пор интересно! Немного позже я познакомился с супрематистами, которые, как и я, брали геометрические формы за отправную точку. Поскольку мои сестры примерно на пять лет старше меня, я открыл (через их парней) в ранние подростковые годы «прогрессивную» музыку и сопутствующий дизайн обложек. Неудивительно, что я хотел стать дизайнером обложек. Если бы мне пришлось выбрать одного визуального художника, который изменил мой взгляд на вещи, это был бы Ellsworth Kelly. В середине 80-х Стаделийк Музей в Амстердаме приобрел «Blue Curve VI» (1982). Я регулярно ходил смотреть на нее и изучал визуальный язык. Но теперь, возможно, более важно, что мной руководит также моя собственная реакция на искусство... Я начал думать об искусстве... о цели, о смысле, о боже."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Чернила Ultrachrome HD на бумаге Hannemuhle. 29.7 x 21 см

Brenda Biondo

"Учения Йозефа Альберса влияют на то, как я думаю о размещении цветов в разных контекстах. А небесные пространства Джеймса Террелла повлияли на то, как я думаю о размещении атмосферного цвета в разных контекстах. В целом, общая эстетика моих серий Paper Skies и Moving Pictures сильно вдохновлена современными американскими художниками, такими как Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella и др."

Brenda Biondo - Paper Sky № 21 (Большой), 2015. Печать сублимацией красителя на алюминии (матовое/глянцевое покрытие). 83.8 x 96.5 см

Pierre Muckensturm

"Более 20 лет назад я открыл для себя часовню Роншана, позднее произведение архитектора Шарля Эдуара Жаннере, известного как Le Corbusier. Ни до, ни после я не испытывал такого восприятия правильности возможностей между массивностью и возвышением. Тогда для меня начался этот долгий поиск, который до сих пор меня питает, стремясь приблизиться к наиболее подходящему соотношению между заполненным и пустым."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Карборунд и сухая игла на меди. Печать на бумаге bfk rives 250 г. 56 x 56 см

Jessica Snow

"Я хотел бы поговорить об художнике, который вдохновляет меня десятилетиями больше, чем любой другой: Матиссе, художнике, которого можно изучать всю жизнь. Его работы шли по многим направлениям благодаря его экспериментам и поискам новых возможностей в живописи. Они прекрасны, воодушевляют, сложны, порой прекрасны и спокойны, порой трудны и вызывают — отражая то, какой бывает жизнь."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Акварель на бумаге. 31.8 x 31.8 см

Susan Cantrick

Вместо перечисления своих влияний Cantrick называет художников, чьи работы её больше всего интересуют, независимо от того, есть ли прямое отношение к её собственным работам. Её короткий список для современного и современного искусства:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé и Per Kirkeby. Это эклектичный и не исчерпывающий список, но то, что их объединяет — ясность, сложность и жизненность — мои собственные увлечения — выраженные через сильный цвет и структуру, чёткие формы и неглубокое пространство живописи. Среди предмодернистов на вершине моего списка Vermeer, Degas и Manet, опять же за ту же тройку качеств: ясность, сложность, жизненность. Кроме того: напряжённость в твёрдом исполнении Vermeer передаёт невероятно ощутимое спокойствие — приостановку времени. Особый способ Degas выделять своё пространство «тихими», неподвижными зонами и/или сильным вертикальным элементом способствует длительному, ритмичному просмотру. А у Manet есть непосредственность и свежесть, которые, помимо всего мастерства, в лучшем виде захватывают."

Susan Cantrick - sbc 141, 2012. Акрил на льняном холсте. 100 x 100 см

Anne Russinof

"В моём случае меня не повлиял какой-то один художник, а скорее художественное сообщество, в котором я выросла в Чикаго. В моём районе, называемом Lincoln Park или Old Town, было много художников, и когда я проявила интерес к рисованию в подростковом возрасте, меня поощрили пойти в школу, связанную с замечательным Институтом Искусств Чикаго, для занятий рисованием фигуры. Там мне приходилось проходить прямо через Музей с его знаменитой коллекцией импрессионистов, чтобы попасть в школу. Думаю, именно это сформировало мой интерес к линии, жесту и цвету."

Anne Russinof - Посмотри, 2014. Масло на холсте. 76 x 76 см

Macyn Bolt

"Моя художественная линия восходит к художникам, которые сочетают «редуктивный» подход к созданию образа/объекта с вниманием к поверхности и тонким деталям. Вспоминаются Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros и Sol Lewitt. Кроме того, скульптурные работы Richard Serra, Carl Andre и Fred Sandback с их особым использованием трёхмерного пространства продолжают вдохновлять мой подход к живописи."

Macyn Bolt - Теневой боксёр (B.2), 2015. Акрил на холсте. 122 x 96.9 см