Получение максимума в самой простой форме - Anne Труитт в Мэтью Маркс

Редкая выставка картин Anne Truitt сейчас проходит в галерее Matthew Marks в Нью-Йорке. Truitt (1921 – 2004) в основном известна своими скульптурами, или структурами, как их чаще называют. Это первая крупная американская выставка её картин с 1970-х годов — только две из 11 представленных работ ранее показывались публике. Это огромная возможность для современных зрителей заново взглянуть на Truitt — её структуры, рисунки и картины. Тонкие, нарисованные вручную линии в этих двухмерных работах вызывают противоречивые чувства одиночества и надежды. Неточные, живописные формы, чуть-чуть неуравновешенные, кажутся странно человечными: несовершенными, но уверенными, совсем не такими, какими они были бы, если бы она сделала их чисто геометрическими фигурами с чёткими краями. Цветовые сочетания в этих картинах кажутся особенно важными, побуждая меня вновь взглянуть на цветовые отношения в её структурах. Между тем, формы поверхностей — некоторые высокие и вертикальные, другие горизонтальные и длинные, третьи идеально квадратные — придают композициям богатое разнообразие характера. Полные индивидуальности и эмоций, эти картины напоминают мне, что слишком часто Truitt и её творчество понимали неправильно. В 1960-х её называли протоминмалисткой в арт-мире Нью-Йорка, представленном клубом мальчиков, в который входили Клемент Гринберг и Дональд Джадд. Но Truitt не воспринимала своё творчество так. Она видела в нём путь к экспрессионизму. Она говорила: «Всю жизнь я боролась за максимальный смысл в самой простой форме». После того как в 1961 году она увидела работы Эда Райнхарта и Барнетта Ньюмана в Гуггенхайме, у неё случилось озарение: она могла вложить достаточно цвета и пространства в произведение искусства, чтобы, возможно, наконец выразить необъятность и глубину своих самых сокровенных чувств. Переведя это откровение в материальную форму, она описала «острое наслаждение от наблюдения, как то, что было внутри самого интимного себя, материализуется и становится видимым».

История непонимания

История того, как критики неправильно понимали Truitt, начинается с её первой персональной выставки, которая состоялась в феврале 1963 года в галерее Андре Эммериха в Нью-Йорке. Там было представлено шесть ручной работы прямоугольных структур из тополя. Каждая структура была спроектирована Truitt, а затем изготовлена из необработанной древесины столяром. Truitt наносила краску, создавая абстрактные узоры на формах и обязательно оставляя видимые мазки кисти. Для Truitt отношения между формами, цветами и материальными качествами должны были вызывать эмоции и побуждать к поиску смысла. Но расположение работ на выставке нарушало эти намерения. Очевидно, что расстановка была сделана не Truitt, а Кеннетом Ноландом, который тоже был представлен в галерее, и Клементом Гринбергом. Якобы они не спросили Truitt о её мнении при планировании выставки и даже предложили убрать её имя с рекламы, чтобы люди не знали её пола.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Акрил на холсте. 96 x 8 1/2 дюймов. 244 x 22 см. © Anne Truitt. Предоставлено галереей Matthew Marks, Нью-Йорк

На фотографиях структуры выглядят внушительно и тесно, собранные вместе в комнате с низким потолком, в некоторых случаях поставлены у стены. Они больше напоминают части мышиного лабиринта, чем уникальные произведения искусства. Если бы было меньше работ или они были бы расставлены в большем пространстве, каждая структура могла бы полностью раскрыть свои особенности. Вместо этого работы интерпретировали как бессмысленные и анонимные всплески минимализма. Именно так этого хотел клуб мальчиков. Джадд показал свои первые минималистские структуры всего за несколько месяцев до этого на групповой выставке в той же галерее. И именно в его эссе о выставке Truitt Клемент Гринберг впервые ошибочно заявил, что её работы «предвосхищают минимализм». Как и почти всё, что говорили и делали эти мужчины, это было не о Truitt, а о них самих. Они загнали Truitt в ложную критическую рамку, чтобы позиционировать себя как главных толкователей линейного развития истории искусства, доминирующей белыми мужчинами. С тех пор зрители путались в понимании Truitt и замыслов её творчества.

Anne Truitt - Druid, 1992. Акрил на холсте. 20 x 120 дюймов. 51 x 305 см. © Anne Truitt. Предоставлено галереей Matthew Marks, Нью-Йорк

Откройте настоящую Truitt

К сожалению, многие арт-критики и сегодня не лучше. Эта выставка картин Truitt в галерее Matthew Marks проходит сразу после другой крупной выставки под названием In The Tower: Anne Truitt, которая закрылась в апреле 2018 года в Национальной галерее искусства в Вашингтоне, округ Колумбия. Там были представлены работы Truitt, недавно приобретённые музеем. Среди них — завораживающая жёлто-белая вертикальная структура «Mary’s Light» (1962) и потусторонняя, горизонтальная, двухтональная синяя «Parva XII» (1977). Эти работы особенно наполнены нюансами и визуальной поэзией. Краска подражает голосам форм; цветовые отношения то сотрудничают с гравитацией, то противостоят ей. Внимательный зритель легко может прослезиться от их эмоциональной силы — это начинается в глазах, но быстро переходит в разум и сердце.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Акрил на холсте. 48 1/4 x 48 1/8 дюймов. 123 x 122 см. © Anne Truitt. Предоставлено галереей Matthew Marks, Нью-Йорк

Но, как и во времена Гринберга и Джадда, самый влиятельный автор, освещавший ту выставку — Филипп Кенникотт из Washington Post, обладатель Пулитцеровской премии — приуменьшил значение Truitt, не оценив её творчество по достоинству. Кенникотт в основном сосредоточился на частной жизни Truitt. Он делал мелкие замечания о социальных кругах, в которых она вращалась, и сплетнях, которые их окружали. Он едва упоминал искусство, и когда упоминал, то не критически: например, его возмутительное и явно оскорбительное замечание, что подборка скульптур Truitt «выделяется друг от друга с некоторой протестантской сдержанностью». Что это вообще значит? В любом случае, это больше говорит о самом авторе, чем об искусстве. Выставка Anne Truitt: Paintings в галерее Matthew Marks — это шанс начать заново с важным творчеством этой недооценённой художницы. Она открывает путь к нюансам и тонкостям, которые лежат в основе всего её творчества. Если у вас будет возможность её увидеть, примите только один совет: игнорируйте критиков и позвольте работам говорить самим за себя. Картины Anne Truitt выставлены в галерее Matthew Marks в Нью-Йорке до 27 октября 2018 года.

Изображение на обложке: Anne Truitt - Brunt, 1974. Акрил на холсте. 19 x 92 дюйма. 48 x 234 см. © Anne Truitt. Предоставлено галереей Matthew Marks, Нью-Йорк
Фотография Phillip Barcio