Цвет, Фокус и Поле в картинах Кеннета Ноланда

Случайный наблюдатель может принять Кеннета Ноланда за художника, рисующего узоры. Действительно, самые запоминающиеся картины Кеннета Ноланда выражают ограниченный набор форм и узоров: круги, шевроны, ромбы, полосы и клетки. Но вопреки такому взгляду, Ноланд вовсе не интересовался формой и дизайном. Причина, по которой он возвращался к одним и тем же образам снова и снова, заключалась в том, что он верил: повторение заставит зрителей не обращать внимания на формы и узоры, а сосредоточиться на его истинной области интереса — бесконечном потенциале цвета и поля.

Путь к стилю

Помимо того, что Кеннет Ноланд был выдающимся художником, он также является отличным примером ценности закона G.I. Bill — программы правительства США, которая позволяет уволенным из армии солдатам бесплатно учиться в университете. В 1942 году Ноланд вступил в ВВС США в возрасте 18 лет. Вернувшись домой в Северную Каролину после Второй мировой войны, он воспользовался привилегиями по закону G.I. Bill и поступил в местную художественную школу. Этой школой оказался знаменитый колледж Блэк Маунтин, куда переехали многие влиятельные преподаватели Баухауса после закрытия их академии в ответ на вмешательство нацистов.

В колледже Блэк Маунтин Ноланд учился у Ильи Болотовского, который был учеником Пита Мондриана, основателя нео-пластицизма. В традициях нео-пластицизма Болотовский пропагандировал простые геометрические узоры и чистые цвета. Ноланд также учился у Йозефа Альберса, ведущего теоретика и художника-модерниста, страстного исследователя цветовых отношений. Ноланд впитал наставления своих учителей и развил их идеи, сформировав пожизненный интерес к выразительным возможностям простых композиций из ярких цветов.

Кеннет Ноланд — Globe, 1956. Акрил на холсте. 60 x 60 дюймов. Коллекция Корнелии Ноланд Рейс. © Кеннет Ноланд

Пост-живописная абстракция

Вместе с Моррисом Луисом, Хелен Франкенталер, Клифордом Стиллом, Марком Ротко и Жюлем Олицки, Кеннет Ноланд вскоре стал ассоциироваться с движением Цветного поля, одной из художественных тенденций, относящихся к тому, что называется Пост-живописной абстракцией. Термин «Пост-живописная абстракция» был введён в 1964 году Клементом Гринбергом для выставки, которую он курировал в Музее округа Лос-Анджелес. Он обозначает тенденцию в живописи, уходящую от живописных, густо нанесённых мазков и направленную к плоским поверхностям и отсутствию видимых мазков кисти.

Хотя термин «Живопись цветного поля» имеет несколько неясное определение, Кеннет Ноланд был квинтэссенцией Пост-живописной абстракции. Его картины отвергали личную драму абстрактного экспрессионизма. Они упрощали средства живописи, отвергая коллаж, ассамбляж, найденные предметы и другие сложности, полагаясь на самые простые ингредиенты: краску и холст. Его цвета были яркими и чистыми, композиции — прямыми и простыми, а изображения сливались с их основой.

Кеннет Ноланд — Lapse, 1976. Акрил на холсте. 75 x 141 дюйм. © Кеннет Ноланд

Слияние цвета с полем

Ноланд создал свои первые так называемые картины Цветного поля около 1956 года. Они состояли из концентрических колец цветных кругов. Можно предположить, что эти картины каким-то образом связаны с его военным опытом, так как они напоминают мишени. Но в различных интервью Ноланд говорил, что выбрал мотив круга, потому что это была не-изображение, которое могло позволить глазу погрузиться в восприятие цвета. Но цвет был не единственным, о чём говорили его картины. Они также касались преодоления разделения между картиной и её поверхностью.

На протяжении большей части истории искусства картины воспринимались как изображения, нанесённые на подготовленные поверхности. Поле, на котором существует картина, то есть холст, был предварительно обработан, натянут и загрунтован. Он ожидал картину, поддерживал её и был отделён от изображения. В сознании таких художников, как Ноланд, это разделение было недостатком. Вместо свободного, неограниченного выражения художник был ограничен или направлен заранее подготовленной основой, несмотря на то, что последующее изображение могло ещё не быть придумано. Ноланд хотел объединить изображение с основой, сочетая цвет с полем в едином эстетическом высказывании.

Кеннет Ноланд — Morning Span, 1963. Акрил на холсте. 103,7 x 142,5 дюйма. © Кеннет Ноланд

Единый выразительный объект

Откровение Ноланд получил в 1953 году во время визита в студию художницы Хелен Франкенталер. В своей студии в Нью-Йорке Франкенталер разработала технику впитывания краски. Вместо того чтобы грунтовать заранее подготовленный холст для нанесения изображения, она раскладывала необработанные куски холста на полу и затем лила краску прямо на не загрунтованную поверхность. Краска сливалась с поверхностью, органично растекаясь по ткани. Краска и основа становились единым целым.

Кеннет Ноланд — Mach II, 1964. Акриловая смола на холсте. 98 x 208 дюймов. © Кеннет Ноланд

Ноланд сразу же принял технику впитывания Франкенталер. Она дала ему возможность создать единый объект, в котором цвет был встроен. Это также позволило ему устранить видимость мазков кисти, которые считались отпечатком личности художника. Вместе эти два новшества позволили ему начать создавать картины, которые не изображали что-то конкретное, а были посвящены основным элементам, которые его занимали: цвету, поверхности, текстуре, симметрии и масштабу.

Кеннет Ноланд — Interlock Color, 1973. Акрил на холсте. © Кеннет Ноланд

Обрезка

Хорошо известно, что Ноланд, как и его современник Моррис Луис, перенял технику впитывания у Хелен Франкенталер. Но есть ещё одна техника, которую Кеннет Ноланд освоил позже в своей карьере и которая, возможно, тоже была вдохновлена Франкенталер. Это практика обрезки. В фотографии обрезать изображение означает выбрать только ту часть снимка, которую вы хотите напечатать, показывая лишь то, что вам нравится. Многие фотографии Франкенталер в её студии показывают, как она работает с огромными не натянутыми холстами. Она обрезала и оформляла свои холсты после их раскрашивания, что позволяло ей развивать изображение с минимальными ограничениями, а затем выбирать ту область, которая, по её мнению, давала самый выразительный объект. Это была практика, которую Кеннет Ноланд широко использовал, особенно когда начал создавать холсты нестандартной формы. Он работал на огромном холсте на полу и создавал цветовые композиции без пространственных ограничений. Это позволяло ему свободно исследовать цветовые отношения, не беспокоясь о конечном результате. После завершения процесса создания и открытия он мог «вырезать» окончательную картину, выбирая область, которую хотел оформить, из бесконечных возможных вариантов в процессе, по сути, редактирования. Ноланд говорил о красоте этого процесса в интервью 1977 года с Дианой Уолдман для журнала Art in America, говоря: «Цвет мог находиться на краю картины или внутри пространства картины: вопрос верх-низ, лево-право становился полностью гибким, как и вопрос параллельности, вертикали или горизонтали».

Кеннет Ноланд — Summer Plain, 1967. Акрил на холсте. © Кеннет Ноланд

Глубина простоты

Кеннет Ноланд периодически обращался к скульпторам, чтобы исследовать абстрактную природу цвета. Особенно его вдохновлял скульптор Дэвид Смит, а иногда Ноланд даже сотрудничал со скульптором Тони Каро, раскрашивая его скульптуры после их создания. Он делал это из чистого любопытства и в духе эксперимента. Он не мог точно выразить, что именно надеялся найти или что должны были означать такие эксперименты. Он говорил: «Мы склонны недооценивать множество значений, которые происходят в жизни и не выражаются словами. Цвет может передавать весь спектр настроений и выражений, жизненного опыта, не прибегая к описательным или литературным качествам.»

Кеннет Ноланд — Cadmium Radiance. © Кеннет Ноланд

Людям, склонным к изысканности, может показаться легким отвергнуть карьеру, основанную полностью на простоте и любопытстве. Картины Кеннета Ноланда действительно кажутся лишёнными всякой драмы. И всё же они выразительны. Они похожи на плач ребёнка, звон колокола или крик сирены. Мы сразу узнаём их такими, какие они есть. Мы понимаем, что они призывают нас к реакции, хотя можем не понять их точной цели или того, какой именно должна быть наша реакция. Но, возможно, как и с колоколами, криками и сиренами, реакция каждого не обязательна.

Изображение на обложке: Кеннет Ноланд — April (деталь), 1960. Акрил на холсте. 16 x 16 дюймов. © Кеннет Ноланд
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор: Филлип Барцио