Цвет, Фокус и Поле в картинах Кеннета Ноланда

Обычный наблюдатель может перепутать Кеннета Ноланда с художником, создающим дизайны. Действительно, самые запоминающиеся картины Кеннета Ноланда выражают ограниченный диапазон форм и узоров: круги, шевроны, ромбы, полосы и клетку. Но, вопреки этой точке зрения, Ноланд вовсе не интересовался такими вещами, как форма и дизайн. Причина, по которой он снова и снова возвращался к одному и тому же изображению, заключалась в том, что он считал, что повторение пригласит зрителей игнорировать формы и дизайны и сосредоточиться вместо этого на его истинной области интересов: бесконечном потенциале цвета и поля.

Путешествие к стилю

В дополнение к тому, что он является отличным художником, Кеннет Ноланд также является отличным примером ценности Закона о ветеранах (G.I. Bill); программы правительства США, которая позволяет уволенным солдатам учиться в университете без оплаты обучения. В 1942 году Ноланд поступил на службу в ВВС США в возрасте 18 лет. Вернувшись домой в Северную Каролину в конце Второй мировой войны, он воспользовался привилегиями Закона о ветеранах, чтобы поступить в местную художественную школу. Эта школа оказалась знаменитым Черным горным колледжем, куда переехали многие влиятельные преподаватели из Баухауса, когда их академия закрылась в ответ на вмешательство нацистов.

Во время учебы в Черной горе Ноланд учился у Ильи Болотовского, который был протеже Пита Мондриана, основателя неопластицизма. В традициях неопластицистов Болотовский отстаивал простые геометрические узоры и чистые цвета. Ноланд также учился у Йозефа Альберса, ведущего теоретика и художника-современника, а также увлеченного студента цветовых отношений. Ноланд впитал наставничество своих учителей и развил их идеи, сформировав на всю жизнь интерес к выразительным возможностям простых композиций, созданных из ярких цветов.

Кеннет Ноланд - Глобус, 1956. Акрил на холсте. 60 x 60 дюймов. Коллекция Корнелии Ноланд Рейс. © Кеннет Ноланд

Пост-живописная абстракция

Вместе с Моррисом Луисом, Хелен Франкенталер, Клифордом Стиллом, Марком Ротко и Джулсом Олитски, Кеннет Ноланд вскоре стал ассоциироваться с движением Color Field, одной из художественных тенденций, связанных с тем, что называется Пост-живописной абстракцией. Термин Пост-живописная абстракция был введен в 1964 году Клементом Гринбергом для выставки, которую он курировал в Музее искусств округа Лос-Анджелес, и относится к тенденции в живописи, уходящей от живописных, пастозных работ и к плоским поверхностям и отсутствию видимых мазков кисти.

Хотя термин «Цветное поле» страдает от несколько неясного определения, Кеннет Ноланд был квинтэссенцией постживописной абстракции. Его картины отвергали личную драму абстрактного экспрессионизма. Они упрощали средства живописи, отвергая коллаж, ассамбляж, найденные объекты и другие сложности, полагаясь вместо этого на самые простые ингредиенты: краску и холст. Его цвета были яркими и чистыми, его композиции были прямыми и простыми, а его образы становились едиными со своими носителями.

Кеннет Ноланд - Лапс, 1976. Акрил на холсте. 75 x 141 дюйм. © Кеннет Ноланд

Слияние цвета с полем

Ноланд создал свои первые так называемые «Цветные Полотна» около 1956 года. Они состояли из концентрических колец цветных кругов. Искушение предположить, что эти картины как-то связаны с его опытом на войне, велико, поскольку они напоминали мишени. Но в различных интервью Ноланд говорил, что выбрал мотив круга, потому что это был не образ, который мог бы позволить глазу погрузиться в опыт цвета. Но цвет был не единственным, о чем говорили его картины. Они также касались противостояния между картиной и ее поверхностью.

На протяжении большей части истории искусства картины рассматривались как изображения, написанные на подготовленных поверхностях. Полотно, на котором существует картина, т.е. холст, было предварительно обработано, натянуто и загрунтовано. Оно ожидало картину, поддерживало её и было отделено от изображения. В сознании таких художников, как Ноланд, это разделение было вредным. Вместо того чтобы наслаждаться свободным, неограниченным самовыражением, художник был ограничен или направлен заранее определенной основой, несмотря на то, что возникающее изображение могло быть ещё не вообразимым. Ноланд хотел объединить изображение с основой, сочетая цвет с полем в едином эстетическом высказывании.

Кеннет Ноланд - Утренний промежуток, 1963. Акрил на холсте. 103,7 x 142,5 дюйма. © Кеннет Ноланд

Единый Экспрессивный Объект

Ноланд получил свое откровение в 1953 году в форме визита в студию к художнице Хелен Франкенталер. В своей нью-йоркской студии Франкенталер разработала то, что она назвала техникой «пропитывания-окраски». Вместо того чтобы грунтовать заранее подготовленный холст в ожидании нарисованного изображения, она раскладывала необработанные куски холста на полу и затем лила краску прямо на неогрунтованную поверхность. Краска сливалась с поверхностью, органично распространяясь по ней, сливаясь с тканью. Краска и поддержка становились единым целым.

Кеннет Ноланд - Mach II, 1964. Акриловая смола на холсте. 98 x 208 дюймов. © Кеннет Ноланд

Ноланд сразу же принял технику «промокания» Фрэнкенталера. Это дало ему возможность создать единый объект, в который была встроена краска. Это также позволило ему устранить видимость мазков кисти, которые рассматривались как знак личности художника. Вместе эти два достижения позволили ему начать создавать картины, которые не сосредотачивались на изображении чего-то конкретного, а были о сущностных элементах, которые его занимали, таких как цвет, поверхность, текстура, симметрия и масштаб.

Кеннет Ноланд - Интерлок Цвет, 1973. Акрил на холсте. © Кеннет Ноланд

Обрезка

Хорошо задокументировано, что Ноланд, как и его современник Моррис Луис, перенял технику «замачивания» у Хелен Франкенталер. Но есть еще одна техника, которую Кеннет Ноланд усвоил позже в своей карьере, которая также могла быть вдохновлена Франкенталер. Это практика обрезки. В фотографии обрезка изображения означает выбор только той части экспозиции, которую вы хотите напечатать, раскрывая только то, что вам нравится. Многие фотографии Франкенталер в ее студии показывают, как она работает над огромными нерастянутыми холстами. Она обрезала и оформляла свои холсты после их написания, что позволяло ей развивать изображение с минимальными ограничениями, а затем выбирать ту область, которая, по ее мнению, приводила к наиболее выразительному объекту. Это была практика, которую Кеннет Ноланд использовал широко, особенно когда он начал создавать фигурные холсты. Он работал над огромным холстом на полу и создавал цветовые композиции без пространственных ограничений. Это позволяло ему свободно исследовать цветовые отношения, не беспокоясь о конечном результате. Как только процесс создания и открытия был завершен, он мог затем «вырезать» финальное изображение, выбирая область, которую он хотел оформить из бесконечных возможных вариантов в том, что по сути было процессом редактирования. Ноланд говорил о красоте этого процесса в интервью 1977 года с Дианой Уолдман для Art in America, сказав: "Цвет мог находиться на краю картины или внутри пространства картины: вопрос о верхней, нижней, левой или правой стороне стал совершенно гибким, как и вопрос о параллельном, вертикальном или горизонтальном."

Кеннет Ноланд - Летняя равнина, 1967. Акрил на холсте. © Кеннет Ноланд

Глубины простоты

Кеннет Ноланд периодически обращался к скульпторам в попытке исследовать абстрактную природу цвета. Скульптор Дэвид Смит особенно вдохновил его, и Ноланд даже время от времени сотрудничал со скульптором Тони Каро, раскрашивая его скульптуры после их создания. Он делал это исключительно из любопытства и в духе эксперимента. Он не мог точно выразить, что именно он надеялся найти, или что означали такие эксперименты. Он сказал: “Мы склонны недооценивать много значений, которые происходят в жизни и которые не являются вербальными. Цвет может передавать полный спектр настроения и выражения, жизненного опыта, не прибегая к описательным или литературным качествам."

Кеннет Ноланд - Кадмиевая Радиация. © Кеннет Ноланд

Люди с тягой к сложному могут легко отвергнуть карьеру, основанную исключительно на простоте и любопытстве. Картины Кеннета Ноланда действительно кажутся совершенно лишенными драмы. И все же они выразительны. Они как плач ребенка, звон колокола или крик сирены. Мы сразу же распознаем их за то, чем они являются. Мы знаем, что они просят нас отреагировать, хотя мы можем не понимать их точной цели или того, какая именно должна быть наша реакция. Но, возможно, как и с колоколами, криками и сиренами, реакция всех не является необходимой.

Изображение на обложке: Кеннет Ноланд - Апрель (деталь), 1960. Акрил на холсте. 16 x 16 дюймов. © Кеннет Ноланд
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio