"АБСТРАКТНОЕ / НЕ АБСТРАКТНОЕ" от Gagosian и Джеффри Дайча на Art Basel Miami Beach 2017

Неделя Искусства в Майами 2017 года завершилась, и с более чем дюжиной одновременно проходящих ярмарок и множеством поп-ап выставок по всему городу, можно с уверенностью сказать, что никто не увидел всего. Но несмотря на конкуренцию, коллаборация Джеффри Дайча и Ларри Гагосьяна на Art Basel Miami в здании Мура в Дизайн Районе в третий раз подряд стала одной из самых обсуждаемых выставок недели. Дайч и Гагосьян являются одними из самых опытных и знающих ветеранов арт-рынка, живущих сегодня. Дайч начал свою карьеру еще в колледже, открыв галерею в небольшой комнате отеля в Массачусетсе в начале 1970-х. Он основал арт-инвестиционное подразделение Citibank в 80-х, а в 90-х открыл Deitch Projects в Нью-Йорке. Он закрыл свою галерею в 2010 году, чтобы занять должность директора Музея Современного Искусства в Лос-Анджелесе. С тех пор, как он покинул эту должность в 2015 году, он вернулся к своим корням арт-дилера. Гагосьян также начал свою карьеру в колледже. Он начал в 1960-х, продавая постеры рядом с кампусом UCLA. Постепенно он развивал свой бизнес, в конечном итоге открыв галереи в Лос-Анджелесе и Нью-Йорке. Галерея Гагосьяна открылась в 1980 году и сегодня имеет 16 филиалов по всему миру. Эти два визионера начали свое сотрудничество в Майами-Бич в 2015 году с выставкой " Нереализм ", выставкой, в которой были представлены работы 50 международных художников, исследовавших то, что они видели как возвращение к фигуративным изображениям в современном искусстве. В 2016 году они пригласили Диану Видмейер Пикассо (внучку художника) кураторствовать выставку " Желание ", выставку, исследующую современные представления о эротизме в работах 50 художников. В этом году Дайч и Гагосьян сделали 180-градусный поворот от своего первого сотрудничества и представили "ABSTRACT / NOT ABSTRACT", выставку, в которой были представлены работы 33 художников, пытавшуюся исследовать огромную глубину и широту современного абстрактного искусства.

Эти корни уходят глубоко

Первоначальный пресс-релиз для ABSTRACT / NOT ABSTRACT заставил выставку звучать так, будто это будет попытка показать всю эволюцию абстракции. В нем упоминалось, что корни абстракции уходят примерно в 1910 год, и выдвигалась идея о том, как удивительно, что более чем через 100 лет художники все еще находят новые способы исследовать и расширять границы абстрактного искусства. Хотя это амбициозно, мысль о такой выставке, в которой участвуют только 33 художника и которая проходит в здании Мура, меня пугала. Это пространство большое и красивое, и в нем есть много замечательных мест для展示 искусства, но для того, чтобы рассказать полную историю корней модернистской абстракции, потребовалось бы гораздо больше места и, возможно, тысячи дополнительных художников.

К счастью, финальная инкарнация выставки не пыталась взять на себя это амбициозное задание. Ее масштаб оказался явно более современным. Это больше походило на исследование последних четырех десятилетий абстракции. Среди старших участников выставки были Джон Армледер и Ричард Принс, оба приближающиеся к 70, а также Рудольф Штигель, Джефф Кунс и Альберт Оэлен, все в свои 60. На более молодом конце выделялись Тори Торнтон (27), чьи причудливые, в стиле Арт Брут композиции вызывают мир мечты между субботними утренними мультфильмами и неоновым пустошью; Аналия Сабан (37), чьи приглушенные, земляные тона создают ощущение роскоши, намекая на что-то, что всегда остается скрытым; и Коракрит Арунанондчай (31), чья визуально взрывная, многопрофильная работа использует цвет и форму захватывающим образом, оживляя невидимые энергии на холстах и экранах.

Джефф Кунс - Пейзаж (Водопад) I, 2007. © Джефф Кунс. Фотография Роб МкКивера. Courtesy Gagosian

Новый контекст для современного абстракционизма

Самое освежающее в ABSTRACT / NOT ABSTRACT заключается в том, что он смог расширить ограниченное представление, которое у медиа искусства было о абстрактном искусстве в последние годы. Я среди многих писателей, которые считают, что выставка была эффективным аргументом против существования так называемого Zombie Formalism. Впервые я прочитал этот термин в 2014 году в статье Уолтера Робинсона на Artspace. Робинсон использовал этот термин как способ выразить сожаление о том, что, по его мнению, так много современного абстракционизма выглядит одинаково. Он объяснил это так: "‘Формализм’, потому что это искусство включает в себя прямолинейный, редуктивный, эссенциалистский метод создания картины... и ‘Зомби’, потому что оно возвращает к жизни отвергнутую эстетику Клемента Гринберга." Чего не хватает этой точке зрения, на мой взгляд, так это перспективы. Это звучит меньше как просвещенная критика и больше как изможденный крик перегруженного арт-критика, который посетил слишком много выставок с похожими работами за короткий промежуток времени.

Реальность более яркая, чем Робинсон дает понять. Конечно, прошлое влияет на настоящее. Но когда дело доходит до современного эстетического восприятия, все из всех временных периодов всегда имеет право на существование. Тот, кто любит текстуру, может наслаждаться работами сотен художников, исследующих текстуру, и никогда не устанет. Тот, кто находит смысл в цветовых отношениях, может смотреть на сотни художников, одержимых теорией цвета, и никогда не устанет от этого. Тот, кто ценит абстракцию и понимает присущую сложность создания нового произведения искусства, никогда не станет осуждать целое поколение художников с ярлыком, который делает их кажущимися производными и банальными. Поэтому я хвалю Дейча и Гагозиана. С ABSTRACT / NOT ABSTRACT они сделали свою небольшую часть, чтобы положить конец идее Зомби Формализма. Хотя они могли бы легко включить гораздо больше художников и заполнить гораздо больше пространства, отбор художников, который они включили в эту выставку, предлагает достаточно разнообразный взгляд на диапазон работ, создаваемых абстрактными художниками сегодня, чтобы неоспоримо доказать, что корни абстракции по-прежнему так же здоровы, как когда-либо, и уходят так же глубоко, как когда-либо.

Джон М. Армледер - Галактика, 2014. Фото EPW Studio. Предоставлено художником и Massimo De Carlo, Милан/Лондон/Гонконг и Gagosian.

Изображение: Стивен Паррино - Без названия, 1988, Эмаль на холсте, 72 × 108 дюймов, 182.9 × 274.3 см, © Стивен Паррино. Courtesy семейного наследия Паррино и галереи Гагосian. Фотография Робом Макивером.

Все изображения используются только в иллюстративных целях.

От Филлипа Barcio