Музыка цвета Сэма Гиллиама в Базеле

В связи с началом Art Basel 2018, Kunstmuseum Basel недавно открыл первую европейскую персональную выставку работ американского абстрактного художника Сэма Гиллиама. Выставка под названием Музыка цвета: Сэм Гиллиам, 1967 – 1973 включает в себя 45 работ, отобранных из частных и институциональных коллекций из США и Европы. По мнению многих современных художников, Гиллиам является одним из самых важных американских живописцев, не только потому, что его работы красивы, но и благодаря вкладу, который он внес в теорию современного искусства. Его новшества разрушили предвзятости в ключевой момент и прямо бросили вызов некоторым из самых громких голосов его поколения. Его идеи были настолько важны, что может показаться трудно поверить, что Гиллиам никогда ранее не имел персональной выставки в Европе. Тем не менее, если внимательно рассмотреть его карьеру, это может не показаться таким уж удивительным. Гиллиам всегда делал все по-своему. Хотя его работы помогли установить многосторонний арт-рынок, который мы знаем сегодня, он никогда не соответствовал ожиданиям этого рынка. Одним словом, Гиллиам — бунтарь. Несмотря на то, что он дважды представлял Соединенные Штаты на Венецианской биеннале — в 1972 и 2017 годах — он только недавно подписал контракт с галереей, впервые за свою карьеру. В прошлом, даже когда он находился в центре внимания, он в основном продавал свои работы сам, из своей студии. Тем не менее, его покупателями были десятки самых престижных музеев мира, включая Tate Modern, Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке, Метрополитен-музей, MoMA и Национальную галерею искусства в Вашингтоне, округ Колумбия, все из которых хранят его работы. Его готовность никогда не делать то, что ожидается, возможно, и остановила Гиллиама от того, чтобы стать объектом монографической европейской выставки до сих пор. Но это также привело к его самым большим прорывам. Его уникальная уверенность в своем видении делает Гиллиама идеальным представителем независимости в мире искусства, и именно это сделало его живой легендой в мире современного абстрактного искусства.

На скошенном крае

Родившись в 1933 году, Гиллиам начал свою профессиональную карьеру в то время, когда тенденции стремились к минимализму, геометрической абстракции и постпейзажной абстракции. Как и многие другие художники его поколения, он начал с создания именно таких работ. Его геометрические абстрактные работы с жесткими краями начала 1960-х годов напоминают работы таких художников, как Фрэнк Стелла, Макс Билл или Кармен Эррера. Год, когда все изменилось для Гиллиама, был 1967. Именно тогда он принял совершенно другой метод: наливал акриловую краску прямо на не грунтованный холст, а затем складывал холст, пока краска еще была влажной. Затем он позволял холсту высохнуть, чтобы смятые линии навсегда вошли в материал. Только после этого он натягивал холст на подрамник.

Сэм Гиллиам - Whirlirama, 1970. Акрил на холсте, 282.6 x 293.4 x 5.1 см. Фото: Фредрик Нильсен, любезно предоставлено художником, Метрополитен-музеем, Нью-Йорк, и галереей Дэвида Кордански, Лос-Анджелес. ©2018, ProLitteris, Цюрих

Результирующие линии этого метода служат остатками руки художника и добавляют структуру и объемность художественному объекту. Эта инновация сама по себе была революционной. Однако Гиллиам на этом не остановился. Он затем скошил края своих подрамников, что привлекло новое внимание к боковым сторонам картины, придавая им равное значение наряду с поверхностью. Скошенные края заставили картины казаться такими, будто они выдвигаются наружу из стены, а не просто висят на ней. Это придавало картинам почти скульптурное присутствие. Он назвал эти работы "Слайс Пейзажи". Слово "слайс" имело несколько значений. Подрамники были срезаны, создавая скошенный эффект. Также складки на холсте действовали как срезы в изображении, создавая непредсказуемые цветовые комбинации и неожиданные структурные вариации в работе, напоминающие русла рек, вырезанные в поверхности Земли.

Сэм Гиллиам - Рондо, 1971. Акрил на холсте, дубовые балки. 261 x 366 x 198 см. Фото: Lee Томпсон, любезно предоставлено художником, Kunstmuseum Basel и David Kordansky Gallery, Лос-Анджелес ©2018, ProLitteris, Цюрих

Никогда не бывает дважды одинаково

Следующая инновация, за которую Гиллиам известен, произошла в 1968 году, когда он создал свои первые "Драпированные картины". Эта серия работ занимает теоретическое пространство где-то между живописью, скульптурой и инсталляцией, поскольку она исключает подрамники, тем самым расширяя определение того, чем может быть картина. Гиллиам рисовал свои "Драпированные картины" тем же методом, который он использовал для своих "Срезанных картин", заливая акриловую краску прямо на неподготовленный холст. Но когда картина была закончена, вместо того чтобы сминать и затем натягивать ее, он просто драпировал холст прямо на стене, как занавеску или предмет одежды. Его "Драпированные картины" подняли идею формованного холста на новый уровень, позволяя работе принимать совершенно новую конфигурацию каждый раз, когда она представляется. Гиллиам с радостью отметил, что его "Драпированные картины" никогда не показываются одинаково дважды.

Сэм Гиллиам - Рубиновый свет, 1972, акрил на холсте, 203 x 144 x 30 см. Фото: Кэти Карвер, любезно предоставлено художником и Музеем Хиршхорна и Садом скульптур, Смитсоновский институт, Вашингтон, округ Колумбия. ©2018, ProLitteris, Цюрих

С тех пор как он достиг значительных успехов в конце 1960-х годов, Гиллиам продолжает экспериментировать и развиваться как художник. Он расширил свой диапазон поверхностей, рисуя на бумаге и дереве. Он также исследовал пределы коллажа, находя все новые способы смешивания материалов, сред и техник. Несмотря на очевидные различия во всех его различных работах, есть один аспект всего, что сделал Гиллиам, который определяет его уникальный вклад в современное искусство, и это связано с тем, как он помог нам понять, что живопись и скульптура на самом деле являются одним и тем же. Люди часто говорят, что художник размывает границы между живописью и скульптурой, возможно, потому что его картины имеют объем, или потому что они висят с потолка или стоят на полу. Гиллиам достиг гораздо большего. Он действительно обращается со своими поверхностями так же, как скульптор обращается с металлом, мрамором или глиной. Он доказывает, что поверхность картины обладает способностью передавать эмоции, рассказывать историю или сообщать формальный предмет. Он определяет поверхность как нечто большее, чем просто опора — он делает ее средой сама по себе. Музыка цвета: Сэм Гиллиам, 1967 – 1973 выставляется до 30 сентября в Кунстмузеум Базель.

Изображение: Сэм Гиллиам - Световая глубина, 1969. Акрил на холсте, 304.8 x 2269 см. Коллекция Коркоран, Вашингтон, округ Колумбия. © 2018, ProLitteris, Цюрих

От Филлипа Barcio