Музыка цвета Сэма Гиллиама в Базеле

В связи с началом Арт Базеля 2018, Кунстмузеум Базель недавно открыл, как утверждается, первую в Европе персональную выставку работ американского художника-абстракциониста Сэма Гиллиама. Выставка под названием Музыка цвета: Сэм Гиллиам, 1967 – 1973 включает в себя 45 произведений, отобранных из частных и институциональных коллекций США и Европы. По мнению многих современных художников, Гиллиам — один из важнейших американских живописцев, не только потому, что его работы красивы, но и из-за вклада, который он внес в теорию современного искусства. Его новаторство разрушило устоявшиеся представления в ключевой момент и напрямую бросило вызов одним из самых громких голосов его поколения. Его идеи были настолько значимы, что может показаться невероятным, что у Гиллиама до сих пор не было персональной выставки в Европе. Однако, если внимательно изучить его карьеру, это не так уж удивительно. Гиллиам всегда шел своим путем. Хотя его творчество помогло сформировать многообразный арт-рынок, который мы знаем сегодня, он никогда не подстраивался под ожидания этого рынка. Одним словом, Гиллиам — бунтарь. Несмотря на то, что он дважды представлял США на Венецианской биеннале — в 1972 и 2017 годах — он подписал контракт с галереей только недавно, впервые в своей карьере. Раньше, даже находясь в центре внимания, он в основном продавал свои работы самостоятельно, прямо из своей мастерской. Тем не менее, его покупателями стали десятки самых престижных музеев мира, включая Tate Modern, Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке, Метрополитен-музей, Музей современного искусства (MoMA) и Национальную галерею искусства в Вашингтоне, которые хранят его произведения. Его нежелание следовать ожиданиям, возможно, и помешало ему стать героем монографической европейской выставки до настоящего времени. Но именно это привело к его самым значительным прорывам. Его непоколебимая уверенность в собственном видении делает Гиллиама идеальным символом независимости в мире искусства и превратила его в живую легенду современного абстрактного искусства.

На скошенном крае

Родившийся в 1933 году, Гиллиам начал свою профессиональную карьеру в эпоху, когда в искусстве доминировали минимализм, геометрическая абстракция и постживописная абстракция. Как и многие художники его поколения, он начинал с работ именно в этом стиле. Его геометрические абстрактные произведения с четкими краями начала 1960-х напоминают работы таких мастеров, как Фрэнк Стелла, Макс Билл или Кармен Эррера. Год, когда все изменилось для Гиллиама, — 1967-й. Именно тогда он применил совершенно новый метод: лил акриловую краску прямо на необработанный холст, а затем складывал холст, пока краска еще была влажной. После этого он давал холсту высохнуть, чтобы складки навсегда вошли в структуру материала. Только после этого он натягивал холст на подрамник.

Сэм Гиллиам — Whirlirama, 1970. Акрил на холсте, 282,6 x 293,4 x 5,1 см. Фото: Фредрик Нильсен, предоставлено художником, Метрополитен-музеем, Нью-Йорк, и галереей Дэвида Кордански, Лос-Анджелес. ©2018, ProLitteris, Цюрих

Получившиеся линии от этого метода служат отпечатками руки художника и придают структуру и объемность произведению. Это новшество само по себе было революционным. Но Гиллиам на этом не остановился. Он срезал кромки подрамников под углом, что привлекло внимание к боковым сторонам картины, придавая им равное значение с лицевой поверхностью. Скошенные края создавали впечатление, что картины словно вырастают из стены, а не просто висят на ней. Это придавало им почти скульптурное присутствие. Он называл такие работы «Срезанными картинами». Слово «срез» имело несколько значений. Подрамники были срезаны, создавая скошенный эффект. Также складки на холсте выступали как срезы изображения, создавая непредсказуемые цветовые сочетания и неожиданные структурные вариации, напоминающие речные русла, вырезанные на поверхности Земли.

Сэм Гиллиам — Rondo, 1971. Акрил на холсте, дубовые балки. 261 x 366 x 198 см. Фото: Lee Thompson, предоставлено художником, Кунстмузеумом Базеля и галереей Дэвида Кордански, Лос-Анджелес ©2018, ProLitteris, Цюрих

Никогда не повторяется

Следующее новшество, с которым ассоциируют Гиллиама, появилось в 1968 году, когда он создал свои первые «Драпированные картины». Эти работы занимают теоретическое пространство где-то между живописью, скульптурой и инсталляцией, поскольку они исключают подрамники, расширяя тем самым представление о том, чем может быть картина. Гиллиам писал свои «Драпированные картины» тем же методом, что и «Срезанные картины», нанося акриловую краску прямо на необработанный холст. Но когда работа была закончена, вместо того чтобы смять и натянуть холст, он просто драпировал его на стене, как занавеску или предмет одежды. Его «Драпированные картины» подняли идею формы холста на новый уровень, позволяя работе принимать совершенно новую конфигурацию каждый раз при показе. Гиллиам с радостью отмечал, что его «Драпированные картины» никогда не показываются одинаково дважды.

Сэм Гиллиам — Ruby Light, 1972, акрил на холсте, 203 x 144 x 30 см. Фото: Кэти Карвер, предоставлено художником и Музеем и садом скульптур Хиршхорн, Смитсоновский институт, Вашингтон, округ Колумбия. ©2018, ProLitteris, Цюрих

С момента своих крупных прорывов в конце 1960-х Гиллиам продолжал экспериментировать и развиваться как художник. Он расширил спектр поверхностей, работая на бумаге и дереве. Также он исследовал пределы коллажа, находя все новые способы сочетания материалов, техник и приемов. Несмотря на кажущиеся различия в его различных сериях работ, есть один аспект, который определяет уникальный вклад Гиллиама в современное искусство — это его помощь в понимании того, что живопись и скульптура на самом деле — одно и то же. Часто говорят, что художник размывает границы между живописью и скульптурой, возможно, потому что его картины имеют объем или висят с потолка или стоят на полу. Гиллиам сделал гораздо больше. Он действительно обращается с поверхностями так же, как скульптор обращается с металлом, мрамором или глиной. Он доказывает, что поверхность картины способна передавать эмоции, рассказывать историю или выражать формальное содержание. Он определяет поверхность не просто как основу — он превращает ее в самостоятельное средство выражения. Музыка цвета: Сэм Гиллиам, 1967 – 1973 экспонируется до 30 сентября в Кунстмузеуме Базеля.

Изображение на обложке: Сэм Гиллиам — Light Depth, 1969. Акрил на холсте, 304,8 x 2269 см. Коллекция Коркоран, Вашингтон, округ Колумбия. © 2018, ProLitteris, Цюрих

Автор: Филлип Барцио