Что такое дематериализация художественного объекта?

Люси Липпард — гигант американской художественной критики, автор более 20 книг и соучредитель Printed Matter, квинтэссенции продавца книг, созданных художниками — в этом году ей исполнилось 80 лет. Несмотря на множество других достижений, Липпард наиболее известна за эссе «Дематериализация искусства», которое она написала в 1968 году совместно с Джоном Чендлером (доступно онлайн здесь). В эссе Липпард представила доказательства того, что искусство может входить в фазу чистого интеллектуализма, результатом чего может стать полное исчезновение традиционного художественного объекта. Эта работа возникла из предшествующего десятилетия дико изобретательного концептуального искусства, которое часто оставляло только эфемерные, неархивные реликвии или вообще никаких реликвий, кроме, возможно, записей переживаний. Концептуальные художники были преданы тому, чтобы сделать идеи центральным фокусом своей работы, и многие убедительно утверждали, что объекты, которые художники создают для выражения своих идей, не более чем побочные продукты, и что сами идеи — единственные вещи, достойные внимания. Эссе оказало огромное влияние в то время: настолько, что Липпард продолжила его книгой под названием Шесть лет, в которой подробно анализировала доказательства этой тенденции. Но, очевидно, в долгосрочной перспективе ее предсказание оказалось неточным, поскольку художественные объекты все еще не дематериализовались. Тем не менее, в честь предстоящей 50-й годовщины оригинальной публикации Дематериализации искусства мы решили уделить момент, чтобы углубиться в это влиятельное эссе и выделить, что в нем актуально для нашего времени.

Наука искусства

Липпард основывала основные концепции, которые она обсуждала в Дематериализации искусства, на идее, впервые изложенной в книге под названием Математическая основа искусств, написанной американским художником Джозефом Шиллингером. В этой книге Шиллингер разделил всю историю искусства на пять категорий эстетических явлений. Сначала, объяснил он, пришла "предэстетическая" фаза подражания. Затем пришло ритуальное или религиозное искусство. Затем пришло эмоциональное искусство. Затем рациональное, основанное на эмпирических данных искусство. И затем пятая, и якобы "финальная" эстетическая фаза, описанная Шиллингером, была "научной", или то, что он называл "постэстетической". Эта финальная фаза, предсказал он, culminirovala в "освобождении идеи" и приведет к "дезинтеграции искусства."

Размышляя о развитии искусства в 1950-х и 60-х годах, Липпард считала, что она наблюдает появление этой пятой фазы искусства. И она была взволнована этой идеей. Она считала дематериализацию положительным, жизненно важным сдвигом. В конце концов, если эстетический объект может перестать быть центральным фокусом искусства, то искусство может быть освобождено от товаризации, этой часто отвратительной системы, которая оказывает столь разрушительное воздействие на жизни и творчество многих художников.

Джозеф Шиллингер - Зелёные квадраты, из серии «Математическая основа искусств», около 1934 года, темпера на бумажной основе, Смитсоновский институт, фото через rendaan.com

Наука о товарах

В качестве доказательства того, что дематериализация началась, Липпард привела такие движения, как Свет и Пространство, которые были визуальными по своей природе, но не основанными на объектах, и Минимализм, который резко сократил эстетический объект. Она считала, что такие движения уменьшали важность визуального аспекта произведения искусства, определяя визуальное как скорее отправную точку для нематериального, интеллектуального опыта. Но одной из ранних и очевидных критик Дематериализация искусства было то, что, хотя эти эфемерные, концептуальные идеи были менее основанными на объектах, они все же приводили к физическим явлениям. Даже перформанс-артист создает вещь — перформанс — который можно продать как опыт или записать.

"Какой бы незначительной ни была реликвия, созданная художником, она может стать фетишизированной и торговаться как товар. Единственный способ полностью избежать возможности коммодификации — это никогда не делиться идеей: тогда, возможно, можно сохранить благоговение и святость интеллектуального опыта. Но только общие идеи можно по-настоящему назвать искусством. И как только идея становится общедоступной, ее можно обладать, манипулировать ею и выражать другими способами, или, другими словами, материализовать. И как только что-то материализуется, это можно купить и продать как товар."

Джозеф Шиллингер - Незавершенное исследование ритма, серия, разработанная на основе математических основ искусств, около 1934 года, мел и карандаш на иллюстрационной доске, лист: 14 7/8 x 19 7/8 дюймов (37,78 x 50,48 см), Коллекция художественной галереи Альбрайт-Нокс, Буффало, Нью-Йорк

Пять фаз

Перечитывая Демaterialизация искусства сегодня, единственная истинная ошибка, которая кажется очевидной, заключается в том, как она представляет пять фаз искусства, как объяснил Шиллингер, как нечто линейное. Каждому поколению всегда соблазнительно видеть себя на переднем крае современности. Шиллингер считал, что искусство исторически прогрессировало через фазы, а Липпард думала, что она является частью поколения, которое продвигает искусство к его эволюционному апогею. Но время не движется вперед; оно просто проходит. Культура не линейна; она повторяется. Человечество деградирует так же быстро, как и эволюционирует. И правда в 1960-х и 70-х годах, и она остается таковой сегодня, заключается в том, что художники находят способы дематериализоваться так же быстро, как другие заново открывают, как это материализовать.

В конечном итоге, Липпард, должно быть, также осознала это, даже когда писала на тему дематериализации, потому что ее эссе заканчивается вопросом, вероятно ли, что так называемая нулевая точка в искусстве будет достигнута вскоре. Ответ, по ее словам, таков: "Это вряд ли возможно." Даже сегодня, когда художники продают виртуальные творения, которые существуют только в цифровом пространстве, мы все еще можем утверждать, что дематериализация — это фантазия. Все, что можно увидеть, по определению материально, даже если это можно увидеть только через очки виртуальной реальности. Но, на наш взгляд, это лишь доказывает, что, возможно, достижение дематериализации никогда не было настоящей целью. Настоящая цель, которую Липпард действительно ставила, заключалась в том, что один важный аспект визуального искусства — это неустанно стремиться к поиску способов выразить больше с меньшим. Любой художник, работающий над дематериализацией, также работает над простотой. А простота приводит к открытию того, что действительно необходимо, а значит, и действительно имеет значение. Это определенно не финальная фаза искусства. Но это та фаза, которая способна напомнить нам, какова истинная ценность искусства.

Изображение на обложке: Джозеф Шиллингер - Красный ритм (деталь), серия, разработанная на основе «Математических основ искусства», около 1934 года, гуашь на бумаге, размер изображения: 8 x 11 15/16 дюймов (20,32 x 30,32 см); лист: 10 1/2 x 13 7/8 дюймов (26,67 x 35,24 см), Коллекция Художественной галереи Альбрайт-Нокс, Буффало, Нью-Йорк.

Все изображения используются только в иллюстративных целях.

От Филлипа Barcio