En ny bok hyllar Alice Trumbull Mason, pionjär inom amerikansk abstraktion

Alice Trumbull Mason var en sällsynthet inom konstfältet: en hängiven utövare som helt och hållet motiverades av en önskan att lära. Mason dog 1971, vid 67 års ålder, och lämnade efter sig hundratals målningar och tryck som placerar henne bland de mest förutseende och begåvade konstnärerna under sin tid. Immun mot trender och oavbrutet hängiven experimenterande, skapade hon ett verk som transcenderar tid. En stor monografi som dokumenterar mer än 150 av hennes målningar, och som innehåller insiktsfulla essäer om Mason av samtida konstskribenter som Elisa Wouk Almino från Hyperallergic, är på väg från Rizzoli Electa förlag i New York (den kan förbeställas nu). Den mest kompletta bedömningen av hennes karriär hittills, den kommer att värderas för sina vackra, helsidesreproduktioner av så många av hennes verk. Ändå är mottagandet av boken redan lite konstigt. Det konstiga återspeglas i rubriken på en nyligen publicerad recension skriven av Roberta Smith för New York Times, som kallar Mason en "Glömd modernist." Det påståendet, att Mason inte uppskattades under sin tid, eller har blivit ignorerad sedan hennes död, är mindre fakta och mer hyperbol för att tillfredsställa konstmarknadens aptit på verk och konstnärer som påstås ha blivit "översett." Jag avvisar det som en teori i det här fallet endast för att jag känner för många verkliga konstnärer som existerar inom det verkliga konstfältet. De flesta konstnärer skulle älska att ha den karriär som Alice Trumbull Mason hade. Under mer än fyra decennier hade hon sex separata utställningar i New York City, medgrundade American Abstract Artists, blev vän med och lärde sig av flera av de mest högt ansedda konstnärerna under sin tid, och sålde verk till några av de mest inflytelserika figurerna inom konstvärlden, inklusive Hilla Rebay och Peggy Guggenheim. I en verklighet där den överväldigande majoriteten av konstnärer aldrig har en enda separat utställning i New York, och aldrig säljer några målningar alls, var Mason en fantastisk framgång. Istället för att låta konstmarknaden förvränga hennes arv för att passa sin korrupta berättelse, bör vi visa respekt för vad Mason faktiskt gjorde.

En personlig historia om konst

Ett bevis på vilken typ av konstnär Alice Trumbull Mason var kan hittas i Smithsonian Archives of American Art, där hennes personliga papper donerades. Samlingen inkluderar en anteckningsbok, på vars omslag Mason handskrev "Konstens historia." Inuti dess sidor (som är tillgängliga för att bläddra online) finns personliga reflektioner om livet och verken av ett par dussin klassiska mästare. Istället för att läsa och återge konsthistorien, reste Mason till Europa och besökte personligen inflytelserika verk, och tog sig tid att också lära sig om människorna som skapade dem. Hennes personliga konsthistoriebok inkluderar både plastiska observationer och insikter om konstnärernas inre liv. Båda är lika avslöjande. Till exempel noterar hon att Michelangelo inte ville måla Sixtinska kapellet, och att han också kände motvilja mot många av sina andra beskyddare. Att han blev en av de mest kända konstnärerna någonsin var irrelevant för Mason – hon var mer intresserad av att han var olycklig eftersom han inte hade friheten att måla vad han ville.

Alice Trumbull Mason - #1 Mot ett paradox, 1969. Olja på duk. 19 x 22 tum (48,3 x 55,9 cm). Washburn Gallery, New York.

När det gäller konstens plastiska egenskaper noterar Mason ett citat av renässansskulptören Donatello, som sa: "Du förlorar substansen för skuggan." I hans fall talade Donatello om effekterna av djärva förändringar i ljushet och mörker, kända som chiaroscuro. Även om detaljerna i en figur kan gå förlorade när ljuset träffar veck i en skulpterad tyg eller kanter av skulpterade muskler, framträder drama och realism ur den upplevda känslan av djup som skuggan skapar. Mason läste något ännu mer djupt i hans ord. Hon såg i detta citat en referens till potentialen av abstraktion. Skuggan blev en metafor för det okända. Precis som det okända fick en skulptur att verka verklig för Donatello, representerade det okända det som var mest verkligt för Mason. Hon ansåg att abstrakt konst var den mest representativa typen av konst - det var det okända, istället för det kända, som hon arbetade för att representera.

Alice Trumbull Mason - Utan titel, ca. 1939. Olja på duk. 30 x 40 tum (76,2 x 101,6 cm). Washburn Gallery, New York.

En total pionjär

Titeln på den kommande Mason-monografin—Alice Trumbull Mason: Pionjär inom amerikansk abstraktion—kan inte vara mer passande. För mig påminner den om det gamla amerikanska ordspråket från de tidiga dagarna av västerländsk expansion: "Pionjärer blir slaktade; bosättare blir rika." Konst har kanske aldrig gjort Mason rik, men vad du finner inom sidorna av denna monografi är bevis på en konstnär som aldrig nöjde sig. Redan 1929, när hon var 25 år gammal, var Mason hängiven de sekulära andliga möjligheterna som fanns i abstrakt konst. Hon studerade gärna motstridiga teorier, svajande mellan den lyriska biomorfismen hos konstnärer som Wassily Kandinsky, Joan Miro och en av hennes personliga mentorer, Arshile Gorky, och den geometriska, plastiska renheten hos konstnärer som Piet Mondrian. Hon svajade mellan dessa två positioner under hela sitt liv. År 1945, när Hilla Rebay anordnade The Kandinsky Memorial Exhibition, som visade 227 målningar, skrev Mason ett personligt brev till Rebay där hon tackade henne för att hon gav henne chansen "att studera så fullt" så mycket av hans verk personligen. Ändå, bara ett år senare, började Mason redan lägga till rektanglar och vad hon kallade "arkitektonisk" struktur i sina kompositioner i Neo-Plastisk anda av Mondrian.

Alice Trumbull Mason - Teckning för "Colorstructive Abstraction", 1947. Olja på masonit. 26 1/2 x 23 tum (67,3 x 58,4 cm). Washburn Gallery, New York.

I slutändan höll Mason fast vid två vägledande principer i sitt arbete som överskuggade alla ytliga bekymmer om innehållet. Den första var hennes tro—oavsett om hon skapade målningar eller tryck, biomorfa kompositioner eller geometriska—på vikten av personlig frihet när det gäller vilken konst som ska skapas och hur den ska skapas. Och den andra var hennes medvetenhet om att mediet självt är den mest viktiga och uttrycksfulla elementen i abstrakt konst. Liksom alla stora konstnärer ligger magin i hennes arbete inte i hennes utställnings-CV, inte i hennes auktionspriser, inte i hur många samtida samlare som nu känner hennes namn—det ligger i den ekfrastiska plastisiteten hos färgen själv.

Utvald bild: Alice Trumbull Mason - Personal, Spinnrock och Stav, 1952. Olja på duk. 34 3/8 x 42 tum (87,3 x 106,7 cm). Washburn Gallery, New York.
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio