En ny bok hyllar Alice Trumbull Mason, pionjär inom amerikansk abstraktion

Alice Trumbull Mason var en sällsynthet inom konstfältet: en hängiven utövare som drevs helt av viljan att lära sig. Mason avled 1971, 67 år gammal, och lämnade efter sig hundratals målningar och tryck som placerar henne bland de mest förutseende och begåvade konstnärerna under sin tid. Immun mot trender och outtröttligt hängiven experimenterande skapade hon en konstnärlig samling som överskrider tid. En stor monografi som dokumenterar mer än 150 av hennes målningar, och som innehåller insiktsfulla essäer om Mason av samtida konstskribenter som Elisa Wouk Almino från Hyperallergic, kommer snart från förlaget Rizzoli Electa i New York (den kan förbeställas nu). Den mest fullständiga bedömningen av hennes karriär hittills, den kommer att uppskattas för sina vackra, helsidesreproduktioner av så många av hennes verk. Ändå är mottagandet boken redan får något märkligt. Märkligheten gestaltas av rubriken i en nyligen recension skriven av Roberta Smith för New York Times, som kallar Mason en ”Glömd modernist.” Det påståendet, att Mason inte uppskattades under sin tid eller har ignorerats sedan sin död, är mindre fakta och mer överdrift för att mata konstmarknadens aptit på verk och konstnärer som påstås ha blivit ”förbisedd.” Jag avvisar det som en teori i detta fall bara för att jag känner för många verkliga konstnärer som existerar i den verkliga konstvärlden. De flesta konstnärer skulle älska att ha den karriär Alice Trumbull Mason hade. Under mer än fyra decennier hade hon sex separatutställningar i New York, var medgrundare till American Abstract Artists, blev vän med och lärde av flera av de mest högt ansedda konstnärerna under sin tid, och sålde verk till några av de mest inflytelserika personerna i konstvärlden, inklusive Hilla Rebay och Peggy Guggenheim. I en verklighet där den överväldigande majoriteten av konstnärer aldrig har en enda separatutställning i New York och aldrig säljer några målningar alls, var Mason en stor framgång. Istället för att låta konstmarknaden förvränga hennes arv för att passa sin korrumperade berättelse, bör vi hedra vad Mason faktiskt gjorde.

En personlig konsthistoria

Ett bevis på vilken sorts konstnär Alice Trumbull Mason var finns i Smithsonian Archives of American Art, där hennes personliga papper donerades. Samlingen innehåller en anteckningsbok, på vars omslag Mason för hand skrev ”History of Art.” Inuti dess sidor (som finns tillgängliga att bläddra i online) finns personliga reflektioner om livet och konstverken hos ett par dussin klassiska mästare. Istället för att läsa och återge konsthistorien reste Mason till Europa och besökte personligen inflytelserika verk, och tog sig tid att också lära sig om människorna som skapade dem. Hennes personliga konsthistoriebok innehåller både plastiska iakttagelser och insikter om konstnärernas inre liv. Båda är lika avslöjande. Till exempel noterar hon att Michelangelo inte ville måla Sixtinska kapellet, och att han också kände agg mot många av sina andra uppdragsgivare. Det faktum att han blev en av de mest berömda konstnärerna någonsin var irrelevant för Mason – hon var mer intresserad av att han var olycklig eftersom han inte hade friheten att måla vad han ville.

Alice Trumbull Mason - #1 Towards a Paradox, 1969. Olja på duk. 48,3 x 55,9 cm. Washburn Gallery, New York.

Om ämnet konstens plasticitet noterar Mason ett citat av renässansskulptören Donatello, som sade: ”Du förlorar substansen för skuggan.” I hans fall talade Donatello om effekterna av djärva förändringar i ljushet och mörker, känt som chiaroscuro. Även om detaljerna i en figur kan gå förlorade när ljuset träffar veck i ett skulpterat tyg eller åsar av skulpterade muskler, framträder dramatik och realism ur den upplevda djupkänslan som skuggan skapar. Mason läste något ännu djupare i hans ord. Hon såg i detta citat en hänvisning till abstraktionens potential. Skuggan blev en metafor för det okända. Precis som det okända fick en skulptur att verka verklig för Donatello, representerade det okända det mest verkliga för Mason. Hon ansåg att abstrakt konst var den mest representativa sortens konst – det var det okända, istället för det kända, som hon arbetade för att gestalta.

Alice Trumbull Mason - Oidentifierad, ca 1939. Olja på duk. 76,2 x 101,6 cm. Washburn Gallery, New York.

En fullständig banbrytare

biomorfismen hos konstnärer som Wassily Kandinsky, Joan Miró och en av hennes personliga mentorer, Arshile Gorky, och den geometriska, plastiska renheten hos konstnärer som Piet Mondrian. Hon svängde mellan dessa två ståndpunkter under hela sitt liv. 1945, när Hilla Rebay arrangerade Kandinsky-minnesutställningen, som visade 227 målningar, skrev Mason ett personligt brev till Rebay och tackade henne för att hon gav henne chansen att ”studera så fullständigt” så mycket av hans verk på plats. Men redan ett år senare lade Mason till rektanglar och vad hon kallade ”arkitektonisk” struktur i sina kompositioner i Neo-Plastisk anda enligt Mondrian.

Alice Trumbull Mason - Skiss för "Colorstructive Abstraction", 1947. Olja på masonit. 67,3 x 58,4 cm. Washburn Gallery, New York.

Slutligen höll Mason fast vid två ledande principer i sitt arbete som överskuggade alla ytliga bekymmer om innehåll. Den första var hennes tro – oavsett om hon gjorde målningar eller tryck, biomorfa kompositioner eller geometriska – på vikten av personlig frihet när det gäller vilken konst man skapar och hur man skapar den. Och den andra var hennes medvetenhet om att själva materialet är det viktigaste och mest uttrycksfulla elementet i abstrakt konst. Liksom alla stora konstnärer ligger magin i hennes verk inte i hennes utställnings-CV, inte i hennes auktionspriser, inte i hur många samtida samlare som nu känner till hennes namn – utan i den ekfrastiska plasticiteten i själva färgen.

Framträdande bild: Alice Trumbull Mason - Staff, Distaff and Rod, 1952. Olja på duk. 87,3 x 106,7 cm. Washburn Gallery, New York.
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio