Konst av Begär - Huguette Caland på Tate St Ives

Denna sommar kommer den libanesiskt födda konstnären Huguette Caland att ha sin första separatutställning på museum i Storbritannien, på Tate St Ives i Cornwall. Född 1931 i Beirut flyttade Caland till Paris 1970, där hon bodde och arbetade i nästan två decennier. För att göra flytten lämnade hon sin make och sina tre barn kvar i Beirut, ett beslut som hon säger var inspirerat av en djup önskan att definiera sig själv som konstnär, snarare än att definieras av sina andra traditionella kvinnliga sociala roller. Under sin tid i Paris, driven av en nyfunnen känsla av frihet och en empati med den framväxande feministiska konstnärsrörelsen, utvecklade hon sina konstnärliga metoder drastiskt. Hon lämnade ren figurativ konst bakom sig och utvecklade sin nu signaturblandning av figurativ konst och abstraktion, där abstrakta former och figurer oväntat blandas med referenser till den nakna människokroppen. Under 1970- och 80-talen experimenterade Caland fritt och utforskade idéer om skönhet, erotik och sociala tabun, särskilt i relation till den kvinnliga kroppen. Med verk från denna avgörande tid i hennes karriär, inklusive flera verk som visas i Storbritannien för första gången, lovar Huguette Caland på Tate St Ives att erbjuda en avgörande introduktion till denna underrepresenterade konstnärs bana. Utställningen spänner över måleri, teckning och mode och visar både allvaret och lekfullheten i hennes verk, samtidigt som den lyfter fram Calands unika förmåga att förena modernistiska och postmodernistiska idéer.

Att bli Huguette Caland

I en nyligen intervju med Detroit Public Television beskriver Caland sitt beslut att lämna Beirut som en vilja att bli känd som något annat än sin fars dotter; sin makes hustru; sin brors syster; och sina barns mor. Utöver de vanliga påfrestningarna som sådana etiketter innebär för en kvinnlig konstnär kände Caland en extra press eftersom hennes far var en tidigare president i Libanon. Hon berättar hur hennes barndomsvänner övergav henne eftersom de var fransmän och hennes far var en del av kampen för självständighet. ”Libanon kämpade för sin självständighet,” säger Caland, ”men jag kämpade för min egen.” Hon reste till Europa och USA i sökandet efter konstnärlig frihet, men ännu viktigare i sökandet efter sig själv. Den mänsklighet som framträder genom denna process är tydlig i de verk hon skapade under denna kritiska tid. Hennes teckningar är erotiska och sensuella, men samtidigt ungdomliga, humoristiska och oändligt kärleksfulla. Även den globala påverkan hon tagit till sig är tydlig. Hennes tunna linjer påminner om illustrationsspråket; hennes sockervaddsfärgade nyanser för tankarna till arvet från Color Field-konstnärer som Helen Frankenthaler och Mark Rothko; hennes primitiva former anspelar på det barnsliga arvet från Art Brut.

Men de egensinniga metoder Caland utvecklade trotsar också varje direkt koppling till någon förutbestämd riktning. Hennes vision definieras istället av den nyans med vilken hon blandar det igenkännliga med det okända. En perfekt representant för denna grundläggande kombination är målningen ”Bribes De Corps” (1973), som kommer att visas på Tate St Ives-utställningen. Två biomorfa, orange former trängs i mitten av duken mitt i ett strålande rött fält, med en tunn vit skåra mellan dem. Ögat kan inte låta bli att föreställa sig att detta är en bild av en öppen mun med hängande halsmandlar. Sedan förvandlas den gradvis till kanske en bild av en naken människa, böjd framåt och sedd bakifrån. Eller så är det ingetdera. Det är kanske en avbildning av något abstrakt – en bild av relationer; en bild av samhörighet; en antydan om former som hittar varandra i ett främmande landskap och skapar något rent, nytt och lysande mellan sig. Hur du än tolkar den, eller om du väljer att inte bry dig om att tolka den alls, är målningen laddad med en känsla av enkel, personlig glädje och en djup uppskattning av små ting – en passande beskrivning av den person Caland fann när hon fann sig själv.

En kärleksfull omfamning

Ett viktigt verkssamling som Caland blivit känd för – några exempel på vilka kommer att visas på Tate St Ives-utställningen – är hennes kaftaner. En kaftan är en typ av mesopotamisk dräkt som är vanlig i mellanösternkulturer. Från och med 1979 samarbetade Caland med modeskaparen Pierre Cardin och skapade en kollektion med mer än 100 kaftaner. Traditionella kaftaner tenderar att vara pråliga, med starka, livfulla färger och utsmyckade, dekorativa mönster, liknande traditionella kimono eller västerländska sommarklänningar. Caland skapade subtila mönster baserade på sin unika visuella stil, ofta med figurativa inslag från hennes målningar och teckningar. En kaftan hade den lekfulla konturen av en naken kvinnokropp på både fram- och baksida; en annan hade en kärleksfull teckning av armar som omslöt den i en mild omfamning; en tredje hade en linjär teckning av ett delat ansikte på slaget.

Precis som i hennes målningar och teckningar blandar hennes kaftaner de visuella språken figurativt och abstrakt. De visar en rad ansikten och kroppsdelar som smälter samman och förvandlas framför våra ögon till surrealistiska landskap fulla av buktande berg och skiftande horisontlinjer. Vi är osäkra på om vi ser något vi ska känna igen eller om vi blickar in i en abstrakt spegel. De är perfekta exempel på den humor som alltid har styrt Caland i hennes arbete – att se dem på en skyltdocka är en sak; att föreställa sig dem på en människa är något annat. Påklädda bäraren sväller de ut till smidiga, organiska, levande konstverk. De roar och gläder med sin abstrakta elegans och uttalar sig sedan långsamt som komplexa gestaltningar av kvinnlighet, fulla av erotik, medkänsla och humor: det bästa av vad Caland funnit under sin sökan efter sig själv. Huguette Caland kommer att visas på Tate St Ives från 24 maj till 1 september 2019.

Utvald bild: Huguette Caland – Untitled, 1970. Olja på linne. 54 x 65 cm. Med tillstånd av konstnären. Tate St Ives-samlingen.
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio