Konst av Begär - Huguette Caland på Tate St Ives

I sommar kommer den libanesiska konstnären Huguette Caland att ha sin första separatutställning på museum i Storbritannien, på Tate St Ives i Cornwall. Född 1931 i Beirut, flyttade Caland till Paris 1970, där hon bodde och arbetade i nästan två decennier. För att göra flytten lämnade hon sin man och tre barn i Beirut, ett beslut som hon säger var inspirerat av en djup önskan att definiera sig själv som konstnär, snarare än att bli definierad av sina andra traditionella kvinnliga sociala roller. Medan hon var i Paris, driven av en nyfunnen känsla av frihet och en empati med den framväxande feministiska konstnärsrörelsen, utvecklade hon drastiskt sina konstnärliga metoder. Hon lämnade ren figuration bakom sig och utvecklade sin nuvarande signaturblandning av figuration och abstraktion, där abstrakta former och figurer blandas oväntat med referenser till den nakna människokroppen. Under 1970- och 80-talen experimenterade Caland fritt och utforskade idéerna om skönhet, erotik och sociala tabun, särskilt i relation till den kvinnliga formen. Utställningen Huguette Caland på Tate St Ives, som hämtar verk från denna avgörande tid i hennes karriär och inkluderar ett antal verk som visas i Storbritannien för första gången, lovar att erbjuda en definitiv introduktion till karriären hos denna underrepresenterade konstnär. Utställningen spänner över måleri, teckning och mode och kommer att visa både allvaret och lekfullheten i hennes verk, samtidigt som den belyser den unika förmågan Caland har att syntetisera modernistiska och postmodernistiska idéer.

Att bli Huguette Caland

I en nyligen intervju med Detroit Public Television beskriver Caland sitt beslut att lämna Beirut och sin önskan att bli känd som något annat än sin fars dotter; sin makes fru; sin brors syster; och sina barns mor. Utöver de vanliga påtryckningar som sådana etiketter lägger på en kvinnlig konstnär, kände Caland det extra trycket av att hennes far var en före detta president i Libanon. Hon beskriver hur hennes barndomsvänner övergav henne eftersom de var franska, och hennes far var en del av kampen för oberoende. "Libanon kämpade för sitt oberoende," säger Caland, "men jag kämpade för mitt." Hon reste till Europa och USA i sökandet efter konstnärlig frihet, men viktigare, i sökandet efter sig själv. Den mänsklighet som framträdde genom denna process är tydlig i det arbete hon skapade under denna kritiska tid. Hennes teckningar är erotiska och sensuella, men samtidigt ungdomliga, humoristiska och oändligt kärleksfulla. Även den globala påverkan hon absorberade är tydlig. Hennes delikata linjer framkallar den visuella språket av illustration; hennes sockervaddsfärger påminner om arvet från Color Field-konstnärer som Helen Frankenthaler och Mark Rothko; hennes primitiva former refererar till det barnsliga arvet av Art Brut.

Ändå utmanar de idiosynkratiska metoder som Caland utvecklade också varje direkt koppling till någon fördefinierad position. Hennes vision definieras istället av nyansen med vilken hon blandar det igenkännbara med det okända. En perfekt representant för denna elementära kombination är målningen "Bribes De Corps" (1973), som kommer att visas i Tate St Ives-utställningen. Två biomorfa, orangea former huddar ihop i mitten av duken mitt i ett strålande, rött fält, med en tunn remsa av vitt kvar mellan dem. Ögat kan inte låta bli att föreställa sig att detta är en bild av en öppen mun med hängande tonsiller. Sedan förvandlas det gradvis till kanske en bild av en mänsklig naken kropp, böjd framåt och sedd bakifrån. Eller så är det varken det ena eller det andra. Det är kanske en representation av något abstrakt—en bild av relationer; en bild av gemenskap; en antydan om former som hittar varandra inom ett främmande landskap, och växer fram något rent och nytt och lysande mellan dem. Hur du än tolkar det, eller även om du väljer att inte bry dig om att tolka det alls, är målningen laddad med en känsla av enkel, personlig glädje, och en djup uppskattning av små saker—en passande beskrivning av den person Caland fann när hon fann sig själv.

En kärleksfull omfamning

Ett viktigt verk som Caland har blivit känd för—några exempel på detta kommer att visas i Tate St Ives-utställningen—är hennes kaftaner. En kaftan är en typ av mesopotamisk dräkt som är vanlig i mellanösternkulturer. Från och med 1979 samarbetade Caland med mode designern Pierre Cardin och skapade en kollektion av mer än 100 kaftaner. Traditionella kaftaner tenderar att vara utsmyckade, med ljusa, livfulla färger och invecklade, dekorativa mönster, liknande traditionella kimonoer eller västerländska sommarklänningar. Caland skapade subtila designer baserade på sin unika visuella stil, ofta med figurativa element från sina målningar och teckningar. En kaftan hade den fantasifulla silhuetten av en naken kvinnlig form på sin rygg och framsidan; en annan hade en kärleksfull teckning av armar som svepte runt den i en mjuk omfamning; en annan hade en linjär teckning av ett delat ansikte på slaget.

Som med hennes målningar och teckningar, blandar hennes kaftaner de visuella språken av figurativ och abstrakt konst. De visar en rad ansikten och kroppsdelar som smälter samman, och förvandlas framför våra ögon till surrealistiska landskap fulla av svällande berg och skiftande horisontlinjer. Vi är osäkra på om vi tittar på något vi ska känna igen, eller om vi blickar in i en abstrakt spegel. De är idealiska exempel på den humor som alltid har guidat Caland i hennes arbete – att se dem på en mannekäng är en sak; att föreställa sig dem på en mänsklig bärande är något helt annat. När de bärs av bäraren sväller de till följsamma, organiska, levande konstverk. De roar och glädjer med sin abstrakta grace och uttalar sig sedan långsamt som komplexa inkarnationer av femininitet, fulla av erotik, medkänsla och humor: det bästa av vad Caland har funnit under sin sökande efter sig själv. Huguette Caland kommer att visas på Tate St Ives från 24 maj till 1 september 2019.

Utvald bild: Huguette Caland- Utan titel, 1970. Olja på linne. 54 x 65 cm. Med vänlig hälsning av konstnären. Tate St Ives-samlingen.
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Phillip Barcio