Sam Gilliams Musik av Färg i Basel

I samband med starten av Art Basel 2018 öppnade Kunstmuseum Basel nyligen vad som kallas den första europeiska separatutställningen någonsin av den amerikanske abstrakta konstnären Sam Gilliam. Utställningen, med titeln Färgens musik: Sam Gilliam, 1967 – 1973, visar totalt 45 verk ur privata och institutionella samlingar från USA och Europa. Enligt många samtida konstnärer är Gilliam en av de viktigaste amerikanska målarna, inte bara för att hans verk är vackra, utan för det bidrag han gett till samtida konstteori. Hans nyskapande bröt ner förutfattade meningar vid en avgörande tidpunkt och utmanade direkt några av sin generations mest högljudda röster. Hans idéer var så viktiga att det faktiskt kan låta svårt att tro att Gilliam aldrig tidigare haft en separatutställning i Europa. Men om man verkligen granskar hans karriär är det kanske inte så förvånande ändå. Gilliam har alltid gått sin egen väg. Trots att hans verk hjälpte till att etablera den mångfacetterade konstmarknad vi känner idag, har han aldrig följt marknadens förväntningar. Med ett ord är Gilliam en rebell. Trots att han representerat USA vid Venedigbiennalen två gånger – 1972 och 2017 – skrev han först nyligen på med ett galleri, för första gången i sin karriär. Tidigare, även när han var i rampljuset, sålde han mestadels sina verk själv, direkt från sin ateljé. Ändå inkluderade hans köpare dussintals av världens mest prestigefyllda museer, inklusive Tate Modern, Guggenheimmuseet i New York, Metropolitan Museum of Art, MoMA och National Gallery of Art i Washington, DC, som alla har hans verk i sina samlingar. Hans ovilja att göra det som förväntas kan mycket väl vara anledningen till att Gilliam inte varit föremål för en monografisk europeisk utställning förrän nu. Men det är också det som lett till hans största genombrott. Hans unika tilltro till sin egen vision gör Gilliam till den perfekta företrädaren för självständighet i konstvärlden, och det är vad som gjort honom till en levande legend inom samtida abstrakt konst.

På den avfasade kanten

Gilliam, född 1933, inledde sin yrkesbana vid en tid då trenderna gick mot minimalism, geometrisk abstraktion och postmålerisk abstraktion. Liksom många andra målare i hans generation började han med just den typen av verk. Hans hårdkantade geometriska abstrakta verk från tidigt 1960-tal påminner om verk av konstnärer som Frank Stella, Max Bill eller Carmen Herrera. Året då allt förändrades för Gilliam var 1967. Då började han använda en helt annan metod: att hälla akrylfärg direkt på obestruken duk och sedan vika ihop duken medan färgen fortfarande var våt. Därefter lät han duken torka så att de skrynkliga linjerna för alltid blev en del av materialet. Först då spände han upp duken på kilramar.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Akryl på duk, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, med tillstånd av konstnären, Metropolitan Museum of Art, New York, och David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zürich

De linjer som uppstår med denna metod fungerar som spår av konstnärens hand och tillför struktur och tredimensionalitet till konstverket. Denna innovation var banbrytande i sig. Men Gilliam nöjde sig inte där. Han fasade sedan av kanterna på sina kilramar, vilket gav ny uppmärksamhet åt målningarnas sidor och gav dem lika stor betydelse som ytan. De avfasade kanterna fick målningarna att verka som om de trädde ut från väggen snarare än bara hängde på den. Detta gav målningarna en nästan skulptural närvaro. Han kallade dessa verk för ”Skivmålningar”. Ordet skiva hade flera betydelser. Kilramarna skars in och skapade den avfasade effekten. Dessutom fungerade vecken i duken som skivor i bilden, vilket skapade oförutsägbara färgkombinationer och oväntade strukturella variationer i verket som påminde om flodbäddar uthuggna i jordens yta.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Akryl på duk, ekbjälkar. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, med tillstånd av konstnären, Kunstmuseum Basel och David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zürich

Aldrig likadan två gånger

Nästa innovation som Gilliam är känd för kom 1968, när han skapade sina första ”Draperimålningar”. Denna verkgrupp befinner sig i ett teoretiskt rum någonstans mellan måleri, skulptur och installation, eftersom den eliminerar kilramar och därmed utvidgar definitionen av vad en målning kan vara. Gilliam målade sina ”Draperimålningar” med samma metod som han använde för sina ”Skivmålningar”, genom att hälla akrylfärg direkt på obestruken duk. Men när målningen var klar, istället för att skrynkla och sedan spänna upp den, hängde han helt enkelt duken direkt på väggen, som ett draperi eller ett klädesplagg. Hans ”Draperimålningar” tog idén om en formad duk till en ny nivå, vilket gjorde att verket kunde anta en helt ny form varje gång det visas. Gilliam har glatt noterat att hans ”Draperimålningar” aldrig visas på samma sätt två gånger.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, akryl på duk, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, med tillstånd av konstnären och Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zürich

Sedan hans stora genombrott i slutet av 1960-talet har Gilliam fortsatt att experimentera och utvecklas som konstnär. Han har utökat sitt spektrum av ytor och målar även på papper och trä. Han har också undersökt collagekonstens gränser och funnit allt fler sätt att blanda material, medier och tekniker. Trots de uppenbara skillnaderna i alla hans olika verkgrupper finns det en aspekt i allt Gilliam gjort som definierar hans unika bidrag till samtidskonsten, nämligen hur han hjälpt oss att förstå att måleri och skulptur egentligen är samma sak. Man säger ofta att en konstnär suddat ut gränserna mellan måleri och skulptur, kanske för att deras målningar har dimension eller för att de hänger från taket eller står på golvet. Gilliam har åstadkommit mycket mer än så. Han behandlar verkligen sina ytor på samma sätt som en skulptör behandlar metall, marmor eller lera. Han visar att en målningens yta har förmågan att förmedla känslor, berätta en historia eller kommunicera formellt innehåll. Han definierar ytan som mer än ett stöd – han gör den till ett medium i sig. Färgens musik: Sam Gilliam, 1967 – 1973 visas till och med 30 september på Kunstmuseum Basel.

Bild från utställningen: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Akryl på duk, 304,8 x 2269 cm. Corcoran Collection, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zürich

Av Phillip Barcio