Sam Gilliams Musik av Färg i Basel

I samband med starten av Art Basel 2018 öppnade Kunstmuseum Basel nyligen vad som kallas den första europeiska separatutställningen någonsin av den amerikanske abstrakta konstnären Sam Gilliam. Utställningen, med titeln The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973, innehåller totalt 45 verk som har kuraterats från privata och institutionella samlingar i USA och Europa. Enligt många nu verksamma konstnärer är Gilliam en av de viktigaste amerikanska målarna, inte bara för att hans verk är vackra, utan också för den bidrag han har gjort till samtida konstteori. Hans innovationer krossade förutfattade meningar vid en avgörande tidpunkt och utmanade direkt några av de mest högljudda rösterna från hans generation. Så viktiga var hans idéer att det faktiskt kan låta svårt att tro att Gilliam aldrig tidigare har haft en separatutställning i Europa. Men om man verkligen granskar hans karriär, kan det ändå inte komma som en så stor överraskning. Gilliam har alltid gjort saker på sitt eget sätt. Även om hans verk hjälpte till att etablera den mångfacetterade konstmarknad vi känner idag, har han aldrig uppfyllt förväntningarna från den marknaden. Med ett ord, Gilliam är en rebell. Trots att han har representerat USA vid Venedigbiennalen två gånger – 1972 och 2017 – skrev han nyligen på med ett galleri, för första gången i sin karriär. Tidigare, även när han var i rampljuset, sålde han mestadels sina verk själv, från sin ateljé. Ändå inkluderade hans köpare dussintals av de mest prestigefyllda museerna i världen, inklusive Tate Modern, Guggenheim Museum i New York, Metropolitan Museum of Art, MoMA och National Gallery of Art i Washington, DC, som alla har hans verk. Hans villighet att aldrig göra det som förväntas kan mycket väl vara vad som hindrat Gilliam från att vara föremål för en monografisk europeisk utställning fram till nu. Men det är också vad som ledde till hans största genombrott. Hans unika självförtroende i sin egen vision gör Gilliam till den perfekta representanten för oberoende i konstvärlden, och det är vad som har gjort honom till en levande legend inom samtida abstrakt konst.

På den Fasede Kanten

Född 1933, Gilliam inledde sin professionella karriär vid en tidpunkt då trenderna gick mot Minimalism, Geometrisk Abstraktion och Post Painterly Abstraktion. Liksom många andra målare från sin generation började han måla just den typen av verk. Hans hårdkantiga geometriska abstrakta verk från tidigt 1960-tal påminner om verken av konstnärer som Frank Stella, Max Bill eller Carmen Herrera. Året då allt förändrades för Gilliam var 1967. Det var då han antog en helt annan metod att hälla akrylfärg direkt på obearbetad duk och sedan vika duken medan färgen fortfarande var våt. Han lät sedan duken torka så att de skrynkliga linjerna för alltid skulle integreras i materialet. Först då sträckte han duken på stretcherbalkar.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Akryl på duk, 282.6 x 293.4 x 5.1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, med tillstånd av konstnären, Metropolitan Museum of Art, New York, och David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zürich.

De resulterande linjerna från denna metod fungerar som rester av konstnärens hand och tillför struktur och dimension till konstobjektet. Denna innovation ensam var banbrytande. Ändå stannade Gilliam inte där. Han fasade nästa kanterna på sina stretcherstänger, vilket gav nytt fokus åt sidorna av målningen och gav dem lika stor betydelse som ytan. De fasade kanterna fick målningarna att verka som om de växte utåt från väggen, snarare än att bara hänga på den. Detta gav målningarna en nästan skulptural närvaro. Han kallade dessa verk "Slice Paintings." Ordet slice hade flera betydelser. Stretcherstängerna skars i, vilket skapade den fasade effekten. Dessutom fungerade veck i duken som skivor in i bilden, vilket skapade oförutsägbara färgkombinationer och oväntade strukturella variationer i verket som påminde om flodfåror som skurits in i jordens yta.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Akryl på duk, ekbalkar. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, med tillstånd av konstnären, Kunstmuseum Basel och David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zürich

Aldrig samma två gånger

Den nästa innovation som Gilliam är känd för inträffade 1968, när han skapade sin första "Drape Painting." Detta verk bor i ett teoretiskt utrymme någonstans mellan målning, skulptur och installation, eftersom det eliminerar stretcher bars, vilket utvidgar definitionen av vad en målning kan vara. Gilliam målade sina "Drape Paintings" med samma metod som han använde med sina "Slice Paintings," genom att hälla akrylfärg direkt på ogrundad duk. Men när målningen var klar, istället för att krusa och sedan sträcka den, hängde han helt enkelt duken direkt på väggen, som en gardin eller ett klädesplagg. Hans "Drape Paintings" tog idén om en formad duk till en ny nivå, vilket gjorde att verket kunde anta en helt ny konfiguration varje gång det presenteras. Gilliam har glatt noterat att hans "Drape Paintings" aldrig visas på samma sätt två gånger.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Akryl på duk, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, Med vänlig hälsning från konstnären och Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zürich.

Sedan sina stora genombrott i slutet av 1960-talet har Gilliam fortsatt att experimentera och utvecklas som konstnär. Han har utvidgat sitt utbud av ytor, målat på papper och trä. Han har också undersökt gränserna för collage, och funnit allt fler sätt att blanda material, medier och tekniker. Trots de uppenbara skillnaderna i alla hans olika verk finns det emellertid en aspekt av allt Gilliam har gjort som definierar hans unika bidrag till samtidskonsten, vilket har att göra med hur han hjälpte oss att förstå att måleri och skulptur verkligen är samma sak. Folk säger ofta att en konstnär har suddat ut gränserna mellan måleri och skulptur, kanske för att deras målningar har dimensioner, eller för att de hänger från taket eller står på golvet. Gilliam åstadkom mycket mer än så. Han behandlar verkligen sina ytor på samma sätt som en skulptör skulle behandla metall, marmor eller lera. Han bevisar att ytan av en målning har kapacitet att förmedla känslor, berätta en historia eller kommunicera formella ämnen. Han definierar ytan som mer än ett stöd—han gör den till ett medium i sig. The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 visas fram till 30 september på Kunstmuseum Basel.

Utvald bild: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Akryl på duk, 304.8 x 2269 cm. Corcoran Collection, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zürich

Av Philip Barcio