De coola åren i LA och Judy Chicagos tidiga verk

Judy Chicago är lätt bland de mest inflytelserika konstnärerna idag. Hennes monumentala installation "Dinner Party" (1974-79), delvis Minimalistisk ikon och delvis Feministiskt mästerverk, inspirerade samtidigt kritik och beröm, och etablerade henne som en kulturell pionjär. Ändå finns det många som fortfarande är obekanta med hennes tidiga verk. Chicago har varit en så vital och produktiv medlem av avantgarden sedan 1970-talet att många av hennes experimentella verk från 1960-talet aldrig ens har setts av samtida åskådare, inklusive många av hennes största fans. Lyckligtvis, denna sommar, i förväntan på en retrospektiv av Judy Chicago som öppnar i december på Miami MOCA under Art Basel Miami Beach, håller Villa Arson i Nice, Frankrike, en innovativ utställning som syftar till att föra hennes tidiga experiment tillbaka i ljuset, för att ge dem den respekt de förtjänar. Utställningen heter Los Angeles, de coola åren / Judy Chicago och erbjuder en detaljerad och intim inblick i de många estetiska faser som Chicago gick igenom fram till skapandet av "Dinner Party." Den visar det otroliga spektrum av idéer som denna konstnär utvecklade under det viktiga decenniet och ger en glimt av ett obestridligt geni som var, och fortfarande är, helt dedikerad till öppenhet och tillväxt.

Kraften i ett namn

Judith Sylvia Cohen föddes i Chicago, Illinois, 1939. Hennes far, Arthur Cohen, var en liberal och öppensinnad rabbin som också instillade i både Judy och hennes bror en uppskattning för konsten och musiken, samt en uppskattning för jämställdhet och respekt för arbetarnas rättigheter. Judy var bara fem år gammal när hon först började ta lektioner på Art Institute of Chicago. Men tyvärr dog hennes far när Judy bara var 13 år gammal. Fem år senare lämnade Judy sin hemstad och flyttade till Kalifornien där hon registrerade sig som konststudent vid UCLA. Där träffade hon sin första make, Jerry Gerowitz, som tragiskt nog dog bara fem år senare i en bilolycka, vilket lämnade Judy som änka vid 23 års ålder. Tillsammans med dessa förödande förluster, av sin far och första make, fann Judy sig själv stå inför den grymma, ironiska tanken att de enda namn hon någonsin hade varit känd under tillhörde män. Trots sin kärlek till dem, kände hon motvilja mot att hon aldrig hade haft chansen att välja sin egen identitet.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Spraymålning på Corvair-motorhuv, 109 x 109 x 71,1 cm. Med vänlig hälsning från konstnären och Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

När hon arbetade mot sin masterexamen kämpade Judy med att förstå vad hennes sanna identitet var, och undrade vad hon skulle kalla sig själv. Runt 1965 började hon en serie målningar på bilhuvar som involverade symbolik relaterad till könsroller och sexualitet. Ytan talar under tiden plågsamt om de omständigheter under vilka hennes kärlek nyligen hade dött. År 1967 publicerades en essä av Lucy Lippard och John Chandler med titeln "The Dematerialization of Art", som inspirerade Judy att fundera över det verkliga värdet av konkreta objekt, och för den delen materiella etiketter relaterade till identitet. Hon gav röst åt sina idéer om ämnet 1969 med en serie Atmosphere-verk, där fyrverkerier skapade moln av flyktig rök. Vid 1970 hade hennes arbete hjälpt henne att nå ett ögonblick av beslutsamhet. Hon upplöste sitt förflutna jag och framträdde som en mer självsäker, självförverkligad konstnär. I firande publicerade hon en annons i Artforum, och hängde samtidigt upp en banner på en av sina separatutställningar, som löd: "Judy Gerowitz avsäger sig härmed alla namn som pålagts henne genom manlig social dominans och väljer sitt eget namn, Judy Chicago."

Judy Chicago - Evening Fan från Fresno Fans-serien, 1971. Sprutlack på akryl, 152,4 x 304,8 cm. Med vänlig hälsning från konstnären och Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Alla former och färger

Tillsammans med de mycket personliga verk som Judy Chicago skapade under 1960-talet, skapade hon också flera verk som tog sig an de mer akademiska frågor som var på väg att bryta fram i konstvärlden vid den tiden. Den aktuella utställningen på Villa Arson i Nice rekonstruerar flera av dessa banbrytande verk. Ett av dem är "Feather Room" (1967), ett vitt kubgalleri fyllt knä djupt med fjädrar. Ett annat, med titeln "Rearrangeable Rainbow Blocks" (1965), erbjuder ett lekfullt, lekbaserat perspektiv på Minimalism, som motverkar den stoisk, manligt dominerade synen hos konstnärer som Donald Judd med något flytande, kreativt och öppet. Att se dessa verk tillsammans med hennes bilhuvudverk och bilder från hennes Atmospheres-serie ger en mycket mer komplex bild av Chicago än vad de flesta andra utställningar har erbjudit tidigare. Denna utställning porträtterar en kvick, intelligent, högst konceptuell individ som inte är rädd för att uttrycka både sin intellektuella sida och sin poetiska, mänskliga sida. Det är en utställning rik på känslor och full av hjärta, som ger oss den sympatiska, väl avrundade inblicken i Chicago som denna konstnär förtjänar.

Judy Chicago - Omarrangerbara regnbågsblock, 1965. Lack på aluminium, 12 element: 6 block 30,5 x 30,5 x 121,9 cm och 6 block 61 x 61 x 30,5 cm. Med vänlig hälsning från konstnären och Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Dessutom har Géraldine Gourbe, kurator för denna utställning, drivit den innovativa idén att omformulera vad begränsningarna för en separatutställning vanligtvis är. Hon kallar denna utställning "en monografisk och kollektiv utställning" och har kuraterat den utifrån perspektivet att vi inte riktigt kan uppskatta det arbete som Chicago gjorde under denna avgörande tid i hennes liv utan att också se några viktiga verk från ett antal samtida som direkt påverkade henne. Jag älskar denna idé, att en separatutställning också kan inkludera ett litet urval av verk av andra konstnärer som inspirerade den utvalda konstnären att skapa de verk som visas. I det här fallet är de andra verken som visas av Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill och DeWain Valentine, var och en en innovatör i sin egen rätt. De hjälper till att visa att trots att Chicago gick igenom några intensivt personliga omständigheter, så arbetade eller tänkte hon inte i ett vakuum. Dessutom gör de ingenting för att förminska Chicago, utan de höjer faktiskt hennes geni genom att specificera exakt hur hon stod ut från de andra briljanta konstnärerna i sin generation, även när de hjälpte till att forma hennes vision. Om du är i Frankrike denna sommar eller höst och vill uppleva denna extraordinära utställning själv, Los Angeles, de coola åren / Judy Chicago visas på Villa Arson Nice fram till 4 november 2018.

Utvald bild: Judy Chicago - Modell för Fresno Fan #6, 1971. Sprutad akryllack på akryl, inramade mått: 38,1 x 76,2 cm. Med vänlig hälsning från konstnären och Salon 94, New York. ADAGP 2018

Av Philip Barcio