De coola åren i LA och Judy Chicagos tidiga verk

Judy Chicago är utan tvekan en av de mest inflytelserika konstnärerna idag. Hennes monumentala installation ”Dinner Party” (1974-79), delvis minimalistisk ikon och delvis feministiskt mästerverk, väckte både kritik och beröm samtidigt och etablerade henne som en kulturell pionjär. Ändå finns det många som fortfarande är obekanta med hennes tidiga verk. Chicago har varit en så livskraftig och produktiv medlem av avantgarden sedan 1970-talet att många av hennes experimentella verk från 1960-talet aldrig ens har setts av samtida betraktare, inklusive många av hennes största beundrare. Lyckligtvis visar Villa Arson i Nice, Frankrike, i sommar, i väntan på en retrospektiv utställning med Judy Chicago som öppnar i december på Miami MOCA under Art Basel Miami Beach, en nyskapande utställning som syftar till att återföra hennes tidiga experiment till ljuset och ge dem den respekt de förtjänar. Med titeln Los Angeles, the cool years / Judy Chicago erbjuder utställningen en detaljerad och intim inblick i de många estetiska faser Chicago gick igenom fram till skapandet av ”Dinner Party.” Den visar det otroliga spektrum av idéer som denna konstnär utvecklade under det viktiga årtiondet och ger en glimt av ett obestridligt geni som var, och fortfarande är, helt hängivet öppenhet och utveckling.

Kraften i ett namn

Judith Sylvia Cohen föddes i Chicago, Illinois, 1939. Hennes far, Arthur Cohen, var en liberal och öppensinnad rabbin som också ingav både Judy och hennes bror en uppskattning för konst och musik, liksom en uppskattning för jämställdhet och respekt för arbetarnas rättigheter. Judy var bara fem år när hon först började ta lektioner vid Art Institute of Chicago. Men sorgligt nog dog hennes far när Judy bara var 13 år gammal. Fem år senare lämnade Judy sin hemstad och flyttade till Kalifornien där hon började studera konst vid UCLA. Där träffade hon sin första make, Jerry Gerowitz, som tragiskt nog dog bara fem år senare i en bilolycka, vilket gjorde Judy till änka vid 23 års ålder. Utöver dessa förödande förluster, av hennes far och första make, fann Judy sig själv konfronterad med den grymma, ironiska tanken att de enda namn hon någonsin varit känd under tillhörde män. Trots sin kärlek till dem kände hon agg över att hon aldrig fått chansen att välja sin egen identitet.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Spraymålning på motorhuv av Corvair, 109 x 109 x 71,1 cm. Med tillstånd av konstnären och Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

När hon arbetade mot sin magisterexamen kämpade Judy med att förstå vad hennes sanna identitet var och undrade vad hon skulle kalla sig själv. Runt 1965 började hon en serie målningar på motorhuvar som involverade symbolik relaterad till könsroller och sexualitet. Ytan talar samtidigt plågsamt om de omständigheter under vilka hennes kärlek nyligen hade dött. 1967 publicerades en essä av Lucy Lippard och John Chandler med titeln ”The Dematerialization of Art”, som inspirerade Judy att fundera över det verkliga värdet av konkreta föremål och för den delen materiella etiketter relaterade till identitet. Hon gav röst åt sina idéer i ämnet 1969 med en serie Atmosphere-verk, där fyrverkerier skapade moln av flyktig rök. Vid 1970 hade hennes arbete hjälpt henne att nå ett avgörande ögonblick. Hon upplöste sitt förflutna jag och framträdde som en mer självsäker, självförverkligad konstnär. Som en hyllning satte hon in en annons i Artforum och hängde samtidigt upp en banderoll på en av sina separatutställningar med texten: ”Judy Gerowitz avsäger sig härmed alla namn påtvingade henne genom manlig social dominans och väljer sitt eget namn, Judy Chicago.”

Judy Chicago - Evening Fan från Fresno Fans-serien, 1971. Akryllack sprutad på akryl, 152,4 x 304,8 cm. Med tillstånd av konstnären och Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Alla former och färger

Parallellt med de mycket personliga verk som Judy Chicago skapade under 1960-talet, gjorde hon också flera verkserier som tog itu med de mer akademiska frågor som växte fram i konstvärlden vid den tiden. Den nuvarande utställningen på Villa Arson i Nice återskapar flera av dessa banbrytande verk. Ett är ”Feather Room” (1967), ett vitt kubformat galleriutrymme fyllt knähögt med fjädrar. Ett annat, med titeln ”Rearrangeable Rainbow Blocks” (1965), erbjuder ett lekfullt, fantasifullt perspektiv på minimalism, som motverkar den strama, mansdominerade synen hos konstnärer som Donald Judd med något flytande, kreativt och öppet. Att se dessa verk tillsammans med hennes motorhuvsverk och bilder från hennes Atmospheres-serie ger en mycket mer komplex bild av Chicago än vad de flesta andra utställningar tidigare har erbjudit. Denna utställning skildrar en kvick, intelligent och högst konceptuell person som inte är rädd för att uttrycka både sin intellektuella sida och sin poetiska, mänskliga sida. Det är en utställning rik på känsla och full av hjärta, som ger oss en sympatisk, väl avrundad bild av Chicago som denna konstnär förtjänar.

Judy Chicago - Rearrangeable Rainbow Blocks, 1965. Lack på aluminium, 12 delar: 6 block 30,5 x 30,5 x 121,9 cm och 6 block 61 x 61 x 30,5 cm. Med tillstånd av konstnären och Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Dessutom har Géraldine Gourbe, kurator för denna utställning, följt den nyskapande idén att omtolka vad begränsningarna för en separatutställning vanligtvis är. Hon kallar denna utställning ”en monografisk och kollektiv utställning” och har kuraterat den utifrån perspektivet att vi inte riktigt kan uppskatta det arbete Chicago gjorde under denna viktiga tid i hennes liv utan att också se några viktiga verk av ett antal samtida konstnärer som direkt påverkade henne. Jag älskar denna idé, att en separatutställning också kan inkludera ett litet urval verk av andra konstnärer som inspirerade den presenterade konstnären att skapa de verk som visas. I detta fall är de andra verken av Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill och DeWain Valentine, var och en en nyskapare i sin egen rätt. De hjälper till att visa att trots att Chicago gick igenom några mycket personliga omständigheter, arbetade eller tänkte hon inte i ett vakuum. Dessutom minskar de inte Chicago, utan de höjer faktiskt hennes geni genom att precisera exakt hur hon stod ut från de andra lysande konstnärerna i hennes generation, även om de hjälpte forma hennes vision. Om du är i Frankrike i sommar eller höst och vill uppleva denna extraordinära utställning själv, visas Los Angeles, the cool years / Judy Chicago på Villa Arson Nice fram till 4 november 2018.

Bild från utställningen: Judy Chicago - Modell för Fresno Fan #6, 1971. Akryllack sprutad på akryl, inramade mått: 38,1 x 76,2 cm. Med tillstånd av konstnären och Salon 94, New York. ADAGP 2018

Av Phillip Barcio