Den monumentala konsten av Louise Nevelson

I år är det 30 år sedan Louise Nevelson gick bort, en konstnär som djupt påverkade 1900-talets konst och vars arv fortfarande känns av idag. Nevelson är mest känd för sina monokroma träskulpturer. Deras unika estetiska uttryck har sin grund delvis i konsthistorien och delvis i New Yorks visuella och materiella språk – hennes antagna hemstad. Hennes kompositionsstrategier hämtar inspiration från kubismen, som hon liknade vid en religion, och från de formella abstrakta teorierna hos Hans Hofmann, som var hennes lärare under många år. Materialets närvaro i hennes assemblage förhöjer de bortkastade aspekterna av stadslivet. Som om hon satte igång en slags omvänd hudömsning samlade Nevelson trasiga möbeldelar och byggavfall från stadens trottoarer och förvandlade dem till monumentala konstverk. Förvandlingen av världsligt skräp till helig konst är obestridlig i verk som ”Sky Cathedral” (1958), verket som först gav Nevelson kritisk uppmärksamhet. Det är ännu mer påtagligt i den rumstora installationen ”Dawn’s Wedding Feast” (1959); ett väggverk omgivet av golvmonterade och hängande pelare samt två ikoniska brud- och brudgummestoder. Detta verk etablerade inte bara Nevelson som en av sin generations ledande konstnärer, utan hjälpte också till att bana väg för installationskonsten. Det som är särskilt rörande med hennes verk är att Nevelson på något sätt gav dem en känsla av intimitet trots deras monumentala skala. Hon såg till att varje enskild del kunde uttrycka sina grundläggande egenskaper inom helhetens struktur. I processen skapade hon verk som kan avnjutas objektivt, eller som kan bjuda in betraktaren till en mer personlig upplevelse. Till ära för denna genis liv och verk följer här mina nio favoritcitat av Louise Nevelson – var och en dyrbar för hur de förklarar hennes konst och avslöjar hennes inre tankevärld.

1. ”Om du har en ram runt dig som inte passar bilden, då bryter du ramen.”

Född 1899 i Pereiaslav-Khmelnytskyi i dagens Ukraina, immigrerade Leah Berliawsky till USA 1905 för att undkomma religiös förföljelse. Hon ägnade sig ivrigt åt konsten som barn trots föräldrarnas avrådan. Efter att ha gift sig med Charles Nevelson 1920 och fött en son två år senare insåg hon att hon fortfarande befann sig i samma situation som som barn, fast nu var det hennes make och hans familj som krävde att hon skulle ge upp konsten för att bli en mer uppmärksam mor och hustru. När hon insåg att hon var i fel ram lämnade Nevelson sin make och son 1931 och flyttade för att studera hos Hans Hofmann.

2. ”Kubens form fokuserar det och ger det dess sanna struktur.”

Nevelson byggde alla sina assemblage kring den grundläggande geometriska formen kuben. Oavsett hur många träbitar hon satte ihop, eller hur osammanhängande bitarna annars kunde se ut när de sattes ihop, höll kuberna alltid samman kompositionen, både visuellt och fysiskt.

3. ”Svart omfattar alla färger. Det är inte en förnekelse.”

De flesta av Nevelsons verk är svarta monokromer. Många kritiker missförstod hennes användning av denna färg och föreslog att hon försökte utplåna materialens tidigare liv. Istället hävdade hon att svart var en inkluderande färg som tillät varje enskild del av verket att behålla sin grundläggande essens samtidigt som den blev en del av helhetens anda. Hon sade också att färgen svart fick hennes verk att se ”aristokratiska” ut.

Louise Nevelson - Untitled, ca 1976. Målad träkonstruktion i svart. 94 × 36 × 16 3/4 tum; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

4. ”Det är mycket mer direkt att göra det på mitt sätt. Det är omedelbart, det är sant, och det finns där.”

Efter att ha tillbringat år med att teckna och måla bilder av trasiga saker insåg Nevelson att användningen av skräp i sig skulle tillföra en materiell sanning till hennes verk, utöver att ge det den känslomässiga kvarleva som tidigare associationer med materialen bar på.

5. ”Det är verket och jag, det är inte allmänheten och jag. Allmänheten är en spegelbild.”

Nevelson började göra storskaliga offentliga skulpturer på 1970-talet med material som plast och Cor-Ten-stål. Kritiker ifrågasatte verkens mening, som hade ett helt annat utseende och känsla än hennes träassemblage. Hon avvisade deras kritik och hävdade sin självständiga rätt som konstnär att skapa vilken typ av verk hon ville.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Patinerat trä. 12 × 9 × 7 tum; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

6. ”Den enda verklighet jag känner igen är min egen verklighet.”

Nevelson stod emot kontrollerande föräldrar, en kontrollerande make, sexistiska kritiker, avfärdande kuratorer och okunniga betraktare. Hon ignorerade sociala sammanslutningar som ”The Club” och valde istället livet som en outsider i konstvärlden. Trots alla som tvivlade på och avrådde henne lyckades hon. Detta citat förklarar varför.

7. ”Det ger oss en plats att röra oss genom de tre dimensionerna, in i den fjärde och bortom. Det är verkligen en plats där du går genom materia in i ande.”

Nevelson beskrev sig själv inte som målare eller skulptör, utan som en arkitekt som bygger med skugga och ljus. Hennes kärlek till kubismen inspirerade henne att alltid skapa verk som belönade rörelse – ett uttryck för den fjärde dimensionen. Hon var intresserad av att skapa miljöer som både kropp och sinne kunde färdas i.

Louise Nevelson - Untitled, 1985. Trä målat svart. 44 × 22 × 17 1/5 tum; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

8. ”När du skapar finns en extra energi som överträffar allt annat.”

Nevelson var en ökändt privat och disciplinerad konstnär. Hon trodde att de spänningar som andra saker erbjöd bleknade i jämförelse med den rusning hon fick i sin ateljé. När hennes nu berömda installation ”Dawn’s Wedding Feast” hade premiär i utställningen ”Sixteen Americans” på MoMA sade hon att den delvis symboliserade hennes äktenskap med sitt arbete.

9. ”Det är inte hur jag lever, det är hur jag avslutar mitt liv.”

När Nevelson var ung avrådde hennes familj henne från att bli konstnär med argumentet att det inte skulle ge henne ett bekvämt liv. Redan då visste hon att hon bara skulle kunna finna frid när hon dog om hon förblev trogen sig själv.

Framträdande bild: Louise Nevelson - Modell för Night Wall VI, 1977-1979. Svetsat stål målat svart. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 tum; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio