Den monumentala konsten av Louise Nevelson

I år markerar 30-årsjubileet av Louise Nevelsons död, en konstnär som djupt påverkade 1900-talets konst och vars arv fortfarande ekar idag. Nevelson är mest känd för sina monokroma träassemblage. Deras unika estetiska röst är delvis rotad i konsthistorien och delvis i det visuella och materiella språket i New York City—hennes adopterade hem. Hennes kompositionella strategier hämtar inspiration från kubismen, som hon liknade vid en religion, och från de formella abstrakta teorierna av Hans Hofmann, som var hennes lärare i många år. Den materiella närvaron av hennes assemblage hyllar de bortkastade aspekterna av stadslivet. Som om hon instigerade en sorts omvänd ecdysis, samlade Nevelson trasiga möbler och byggavfall från stadens trottoarer och förvandlade dem till monumentala konstverk. Metamorfosen av profan skräp till helig konst är obestridlig i verk som "Sky Cathedral" (1958), det verk som först gav Nevelson kritisk uppmärksamhet. Det är ännu mer påtagligt i den rumsstora installationen "Dawn’s Wedding Feast" (1959); ett väggverk omgiven av golvmonterade och hängande pelare och två ikoniska brud- och brudgummestatyer, detta verk etablerade inte bara Nevelson som en av de ledande konstnärerna i sin generation, utan hjälpte också till att bana väg för installationskonsten. Det som är särskilt rörande med hennes verk är att Nevelson på något sätt gav dem en känsla av intimitet trots deras monumentala skala. Hon tog hand om att säkerställa att varje enskild komponent kunde uttrycka sina väsentliga egenskaper inom hela strukturen. I processen skapade hon verk som kan njutas objektivt, eller som kan bjuda in betraktaren inåt mot en mer personlig upplevelse. Till minne av livet och verket av detta geni, här är mina nio favoritcitat av Louise Nevelson—varje ett värdefullt för det sätt det belyser hennes arbete och avslöjar de inre mekanismerna i hennes sinne.

1. "Om du har en ram runt dig som inte passar bilden, då bryter du ramen."

Född 1899 i Pereiaslav-Khmelnytskyi i dagens Ukraina, immigrerade Leah Berliawsky till USA 1905 för att undkomma religiös förföljelse. Hon ägnade sig ivrigt åt konst som barn trots motgångar från sina föräldrar. Efter att ha gift sig med Charles Nevelson 1920 och fött en son två år senare insåg hon att hon fortfarande befann sig i samma situation som som barn, förutom att det nu var hennes man och hans familj som sa åt henne att ge upp sin konst för att vara en mer uppmärksam mor och fru. När hon insåg att hon var i fel ram, lämnade Nevelson sin man och son 1931 och flyttade bort för att studera med Hans Hofmann.

2. "Kuben fokuserar det och ger det sin sanna struktur."

Nevelson strukturerade alla sina assemblager kring den grundläggande geometriska formen av kuber. Oavsett hur många träbitar hon satte ihop i assemblaget, eller hur osammanhängande bitarna annars kunde ha sett ut när de sattes ihop, höll kuberna alltid kompositionen samman, både visuellt och fysiskt.

3. "Svart omfattar alla färger. Det är ingen negation."

De flesta av de verk Nevelson skapade är svarta monokromer. Många kritiker missförstod hennes användning av denna färg och föreslog att hon försökte utplåna de förflutna liv som hennes material hade. Istället insisterade hon på att svart var en inkluderande färg som tillät varje separat element i verket att behålla sin grundläggande essens samtidigt som det också blev absorberat i hela verkets anda. Hon sa också att färgen svart fick hennes verk att se "aristokratiska" ut.

Louise Nevelson - Utan titel, ca 1976. Målad svart träkonstruktion. 94 × 36 × 16 3/4 tum; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Louise Nevelsons egendom/Artists Rights Society (ARS), New York

4. "Det är mycket mer direkt att göra det på det sättet jag gör. Det är omedelbart, det är sant, och det är där."

Efter att ha tillbringat år med att rita och måla bilder av trasiga saker insåg Nevelson att användningen av skräp i sig skulle introducera en materiell sanning i hennes arbete, utöver att ge det det känslomässiga avtrycket av tidigare associationer med vad materialen en gång var.

5. "Det är arbetet och jag, det är inte publiken och jag. Publiken är en spegelbild."

Nevelson började skapa storskaliga offentliga skulpturer på 1970-talet med material som plast och Cor-Ten-stål. Kritiker ifrågasatte betydelsen av verket, som hade ett helt annat utseende och känsla än hennes träkompositioner. Hon förnekade deras kritik och hävdade sin autonoma rätt som konstnär att göra vilken typ av verk hon ville.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Patinerat trä. 12 × 9 × 7 tum; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Louise Nevelsons egendom/Artists Rights Society (ARS), New York

6. "Den enda verklighet jag erkänner är min egen verklighet."

Nevelson stod emot kontrollerande föräldrar, en kontrollerande make, sexistiska kritiker, avfärdande kuratorer och okunniga åskådare. Hon ignorerade sociala organisationer som "The Club" och valde istället livet som en utanförstående i konstvärlden. Trots alla som tvivlade på och avskräckte henne, lyckades hon. Det här citatet förklarar varför.

7. "Det ger oss en plats att röra oss genom de tre dimensionerna, in i den fjärde och bortom. Det är verkligen en plats där du går genom materia in i ande."

Nevelson beskrev sig själv inte som en målare eller skulptör, utan som en arkitekt som bygger med skugga och ljus. Hennes kärlek till kubism inspirerade henne att alltid skapa verk som belönade rörelse—ett uttryck för den fjärde dimensionen. Hon var intresserad av att skapa miljöer dit både kropp och sinne kunde resa.

Louise Nevelson - Utan titel, 1985. Trä målat svart. 44 × 22 × 17 1/5 tum; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Louise Nevelsons testamente/Artists Rights Society (ARS), New York

8. "När du skapar finns det en extra energi som överträffar allt annat."

Nevelson var en notorisk privat och disciplinerad konstnär. Hon trodde att de spänningar som erbjöds av saker utanför det kreativa arbetet bleknade i jämförelse med den rush hon fick i sin ateljé. När hennes nu berömda installation "Dawn’s Wedding Feast" hade premiär i utställningen "Sixteen Americans" på MoMA, sa hon att den delvis symboliserade hennes äktenskap med sitt arbete.

9. "Det handlar inte om hur jag lever, det handlar om hur jag avslutar mitt liv."

När Nevelson var ung avrådde hennes familj henne från att bli konstnär genom att säga att det inte skulle ge henne en bekväm livsstil. Redan då visste hon att hon bara skulle kunna vara i fred när hon dog om hon förblev trogen mot sig själv.

Utvald bild: Louise Nevelson - Maquette för Night Wall VI, 1977-1979. Svetsad stål målad svart. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 tum; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Louise Nevelsons egendom/Artists Rights Society (ARS), New York
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio