De mest betydelsefulla abstrakta konstnärerna under 2000-talet – hittills

Om du är något som jag, även om jag skrev texten, kan du kanske bli lite störd av titeln på denna artikel. Hur kan jag, efter bara två decennier, möjligtvis veta vilka de viktigaste konstnärerna under 2000-talet kommer att vara? År 1920 var många av de viktigaste konstnärerna under 1900-talet inte ens födda än. Och förresten, vad är kriteriet för att avgöra om en konstnär är viktig? Även om jag håller med om dessa punkter, tycker jag ändå att det är nyttigt att då och då göra en avstämning av vilka konstnärer jag anser vara viktiga och varför, och början på ett nytt decennium verkar vara en alldeles utmärkt ursäkt. Vad gäller vad som definierar en viktig konstnär, har jag under mina 11 år som konstjournalist (en droppe i havet jämfört med många av mina kollegor) hört dussintals svar på denna fråga. De flesta faller tillbaka på tre måttstockar: berömmelse, auktionspriser och inkludering i prestigefyllda utställningar och samlingar. Men även om detta kan vara den treenighet av kändisskap som kan garantera en konstnär en Wikipedia-sida, har det enligt min mening lite att göra med att göra en konstnär viktig. För mig är det enda tillfredsställande måttet på en konstnärs betydelse det inflytande de har på andra människor. Viktiga konstnärer inspirerar människor att fortsätta tro på konstens värde, och de övertygar andra att försöka skapa sin egen konst eller att fortsätta skapa sin egen konst. Vad gäller vilka som finns med på denna lista är det oundvikligt att den är ofullständig, felaktig och kontroversiell; alla listor är det. Ändå har var och en av dessa tio konstnärer förtjänat sin plats här på grund av det inflytande de redan haft både på andra konstnärer och på människor utanför konstfältet. De är pollinatörer som sprider de nödvändiga ingredienserna av inspiration, experimenterande och handling, så att vi kan låta abstraktionen blomstra in i framtiden.

Tomma Abts

I nästan två decennier har den tyska målaren Tomma Abts (f. 1967) målat samma storlek på tavla om och om igen—48 x 38 cm. Hon arbetar intuitivt för att skapa abstrakta, geometriska kompositioner som följer sin egen logik, ofta målar hon flera lager över kompositionerna tills hon är nöjd, samtidigt som hon låter impastotexturen från tidigare lager lysa igenom. Oberoende av någon visuell stil, hängiven endast sin metod, är Abts känd för att arbeta långsamt. Trots att hon inte är produktiv och trots att hon ignorerar kravet på att definiera sin visuella stil, blev Abts den första kvinnliga målaren att vinna Turnerpriset—levande bevis på värdet av att hitta sin egen väg.

Tomma Abts - Feke, 2013. Akryl och olja på duk. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Ur privat samling, New York. Serpentine Galleries.

Mark Bradford

Mark Bradford (f. 1961) kombinerar metoderna målning, collage och décollage för att skapa abstrakta bilder som kartlägger hans relation mellan de fysiska och kulturella verkligheterna i nuet och det förflutna. Hans material och processer har inspirerat en generation konstnärer att skapa taktila verk som talar om samspelet mellan tillväxt och förfall. Utöver sin konstnärliga karriär är Bradford en inflytelserik samhällsorganisatör, som samarbetar med filantropen Eileen Harris Norton och aktivisten Allan Dicastro för att skapa Art + Practice, en plats där utsatta grannar, såsom barn som lämnar fosterhem, kan delta i konsten.

Mark Bradford - Monster, 2009. Tryckta material, akryl, karbonpapper, snöre, papper och blandteknik på duk. 102 x 144 tum (259,08 x 365,76 cm). Samling SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

Den tyska abstrakta målaren Charline von Heyl (f. 1960) avvisar postmodernismens cynism till förmån för tron att något nytt kan uppstå ur dess spillror. Von Heyl använder hela den visuella historien som sitt källmaterial och kombinerar otaliga referenser på individualistiska sätt som antyder att vi är arvtagare till ett mycket rikare och mer mångsidigt estetiskt arv än vad våra konsthistorielärare låter oss tro.

Charline von Heyl - Untitled, 2007. En från en serie om tio monotypier med litografi, träsnitt,
serigrafi och digitaltryck, med bläck, akryl och collage-tillägg. Fund for the Twenty-First Century. MoMA Collection. © Charline von Heyl

Nicholas Hlobo

Den mångdisciplinära sydafrikanske konstnären Nicholas Hlobo (f. 1975) representerar frontlinjen för en hoppfull tid då data och analys kommer att bli mindre viktiga än känsla och skaparkraft. Hans verk är präglade av hans identitet, men han går orädd bortom fakta om sina kulturella influenser—fakta som annars skulle tvinga honom att göra verk enbart om vad som är—för att framkalla semi-magiska abstrakta verk som sträcker sig mot en känsla av vad som kan vara.

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Koppar. 51,18 x 112,99 x 72,83 tum (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicholas Hlobo

Jim Lambie

Den skotske konstnären Jim Lambie (f. 1964) förenar den centrala tanken i popkonsten—att människor ”förstår det”—med de mer svårgripbara aspekterna av abstraktion. De massiva golvinstallationer som Lambie är mest känd för hittar en gemensam grund mellan dessa ståndpunkter, tar formalismen från väggarna och fyller påtagligt utrymme med färg, linje, yta och glans. Hans installationer väcker trycklösa, vardagliga möten med betraktare som nu bokstavligen kan se sig själva inuti verket.

Jim Lambie - Sound System, 2015. Färgad metallisk vinyl. Roslyn Oxley9 Gallery. © Jim Lambie

Julie Mehretu

Att möta en målning av den etiopiskfödde amerikanske målaren Julie Mehretu (f. 1970) är att bjudas in i en helt ny visuell civilisation. Varje av hennes abstrakta kompositioner uppstår som en komplex, levande organism som sprider sig, förökar sig och utvecklar alltmer komplicerade strukturer och ömsesidiga beroenden. Mehretu uttrycker perfekt de många ångestfyllda och möjlighetsrika aspekterna av den sammankopplade tid vi tillhör.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Bläck och akryl på duk. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 tum (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, New York. Gåva från Jeanne Greenberg Rohatyn och Nicolas Rohatyn samt A. W. Mellon Acquisition Endowment Fund. © Julie Mehretu

Odili Donald

Den nigerianskfödde amerikanske abstrakta målaren Odili Donald Odita (f. 1966) är en del av en våg av internationella konstnärer som riktar global uppmärksamhet mot sambanden mellan ursprungskonstens arv och västerländsk modernism. Odita blandar mönster, färger och former från sitt hemland Nigeria med de estetiska strategierna från modernistisk abstraktion, och placerar ofta sina storskaliga verk på offentliga platser där de blir en materialisering av energi och universell kraft i arkitektonisk skala.

Odili Donald Odita - Desert Sun, 2014. Akryl på duk. 72 x 90 tum. Jack Shainman Gallery, New York. © Odili Donald Odita

Eva Rothschild

Den irländska abstrakta skulptören Eva Rothschild (f. 1971) förklarar modigt att aktivism är inbakad i valet att skapa abstrakt konst. I en tid då berättande innehåll verkar vara kung, visar Rothschild hur de tidlösa visuella språken i suprematism, konstruktivism och minimalism kan skapa djärva, nya abstrakta former som talar om frihet, självständighet, mångfald och fred.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Aluminium och färg. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Foto: © Eva Rothschild, med tillstånd av Stuart Shave/Modern Art, London och Galerie Eva Presenhuber, Zürich

Thomas Scheibitz

Den tyske konstnären Thomas Scheibitz (f. 1968) svarar på frågan om hur lekfullhet och skoj kan tas på allvar inom det abstrakta konstfältet, även i en tid präglad av oro. Genom att kombinera arvsspråken från rörelser som rayonism, futurism och kubism med ekon av arkitektoniska skisser och design från mitten av seklet skapar Scheibitz kusligt bekanta verk som verkar ha uppstått ur ett parallellt estetiskt universum.

Pae White

Den amerikanska konstnären Pae White (f. 1963) använder abstraktion för att visa oss igenkännliga bilder från vår tid. Hennes fantastiska verk kombinerar skildringar av naturens krafter med små fragment från vår hyperdigitaliserade, hypermaterialiserade samtid och visar oss ibland skrämmande scener från föreningen av struktur och förvirring.

Framträdande bild: Charline von Heyl - The Language of the Underworld, 2017. Akryl och kol på linne. 90 × 108". © Charline von Heyl
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio