De mest betydelsefulla abstrakta konstnärerna under 2000-talet – hittills

Om du är något lik mig, även om jag skrev texten, kan du bli lite störd av titeln på denna artikel. Hur kan jag, efter bara två decennier, möjligtvis veta vilka de mest betydelsefulla konstnärerna under 2000-talet kommer att vara? År 1920 var många av de mest betydelsefulla konstnärerna under 1900-talet inte ens födda än. Och hur som helst, vad är kriterierna för att fastställa om en konstnär är betydelsefull? Även om jag håller med om dessa punkter, tycker jag ändå att det är nyttigt att då och då göra en översyn av vilka konstnärer jag tycker är viktiga och varför, och början av ett nytt decennium verkar vara en perfekt ursäkt. När det gäller vad som definierar en betydelsefull konstnär, har jag under mina 11 år som konstjournalist (en droppe i havet jämfört med många av mina kollegor) hört dussintals svar på denna fråga. De flesta faller tillbaka på tre mått: berömmelse, auktionspriser och inkludering i prestigefyllda utställningar och samlingar. Ändå, även om det kan vara den trifekta av berömmelse som kan garantera en konstnär en Wikipedia-sida, har det enligt min mening lite att göra med att göra en konstnär betydelsefull. För mig är det enda tillfredsställande måttet på en konstnärs betydelse det inflytande de har på andra människor. Betydelsefulla konstnärer inspirerar människor att fortsätta tro på värdet av konst, och de övertygar andra människor att försöka skapa sin egen konst, eller att fortsätta skapa sin egen konst. När det gäller vem som ingår på denna lista, är det oundvikligt att den är ofullständig, felaktig och kontroversiell; alla listor är. Ändå har var och en av dessa tio konstnärer förtjänat sin plats här på grund av det inflytande de redan har haft både på andra konstnärer och på människor utanför konstfältet. De är pollinatörer, som sprider de nödvändiga ingredienserna av inspiration, experimentering och handling, så att vi kan fortsätta att låta abstraktionen blomstra in i framtiden.

Tomma Abts

I nästan två decennier har den tyska målaren Tomma Abts (f. 1967) gjort samma storlek på målningar om och om igen—48 x 38 cm. Hon arbetar intuitivt för att skapa abstrakta, geometriska kompositioner som följer sin egen logik, och målar ofta flera lager över kompositionerna tills hon är nöjd, samtidigt som hon låter impastoridåerna från tidigare lager synas. Utan att vara bunden till någon visuell stil, dedikerad endast till sin metod, är Abts berömd för sitt långsamma arbetssätt. Trots att hon inte är produktiv, och trots att hon ignorerar kravet på att definiera sin visuella stil, blev Abts den första kvinnliga målaren att vinna Turner Prize—levande bevis på värdet av att hitta sin egen väg.

Tomma Abts - Feke, 2013. Akryl och olja på duk. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Med vänlig hälsning från Privat samling, New York. Serpentine Galleries.

Mark Bradford

Mark Bradford (f. 1961) kombinerar metoderna av målning, collage och décollage för att skapa abstrakta bilder som kartlägger hans relation mellan de fysiska och kulturella verkligheterna i nuet och det förflutna. Hans material och processer har inspirerat en generation av konstnärer att skapa taktila verk som talar om utbytet mellan tillväxt och förfall. Utöver sin konstkarriär är Bradford en inflytelserik samhällsorganisatör som samarbetar med filantropen Eileen Harris Norton och aktivisten Allan Dicastro för att skapa Art + Practice, en plats där utsatta grannar, såsom barn som övergår från fosterhem, kan delta i konsten.

Mark Bradford - Monster, 2009. Tryckta material, akryl, kolpapper, snöre, papper och blandade medier på duk. 102 x 144 tum. (259,08 x 365,76 cm). Samling SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

Den tyska abstrakta målaren Charline von Heyl (f. 1960) avvisar cynismen i postmodernismen till förmån för en tro på att något nytt kan uppstå ur dess förödelse. Von Heyl antar hela den visuella historien som sitt källmaterial, och kombinerar otaliga referenser på individualistiska sätt som antyder att vi är arvtagare till ett mycket rikare och mer mångsidigt estetiskt arv än vad våra konsthistorielärare ger sken av.

Charline von Heyl - Utan titel, 2007. En från en serie av tio monotypier med litografi, träsnitt,
screenprint, och digitaltryck, med bläck, akryl, och collage-tillägg. Fond för det tjugoförsta århundradet. MoMA-samlingen. © Charline von Heyl

Nicholas Hlobo

Den multidisciplinära sydafrikanska konstnären Nicholas Hlobo (f. 1975) representerar förtruppen av en hoppfull tid när data och analys kommer att bli mindre viktiga än känsla och kreativitet. Hans arbete är informerat av hans identitet, men han går orädd bortom fakta om sina kulturella influenser – fakta som annars skulle kunna tvinga honom att skapa verk som endast handlar om vad som är – för att åkalla semi-magiska abstrakta verk som sträcker sig mot en känsla av vad som skulle kunna vara.

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Koppar. 51,18 x 112,99 x 72,83 tum (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicholas Hlobo

Jim Lambie

Den skotska konstnären Jim Lambie (f. 1964) förenar den centrala tanken i Popkonst – att människor "förstår" – med de mer intangibla aspekterna av Abstraktion. De massiva golvinstallationerna som Lambie är mest känd för finner gemensam grund mellan dessa positioner, tar formalismen från väggarna och fyller konkret utrymme med färg, linje, yta och glans. Hans installationer initierar trycklösa, vardagliga interaktioner med åskådare som nu bokstavligen kan se sig själva inne i verket.

Jim Lambie - Sound System, 2015. Färgad metallisk vinyl. Roslyn Oxley9 Gallery. © Jim Lambie

Julie Mehretu

Att möta en målning av den etiopiskfödda, amerikanska målaren Julie Mehretu (f. 1970) är att bli inbjuden till en helt ny visuell civilisation. Varje av hennes abstrakta kompositioner kommer till liv som en komplex, levande organism, sprider sig, multiplicerar och utvecklar alltmer komplicerade strukturer och ömsesidiga beroenden. Mehretu uttrycker perfekt de många ångestkänslorna och möjligheterna i den sammanlänkade tidsålder vi tillhör.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Bläck och akryl på duk. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 tum (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, New York. Gåva av Jeanne Greenberg Rohatyn och Nicolas Rohatyn samt A. W. Mellon Acquisition Endowment Fund. © Julie Mehretu

Donald Trump

Odita, den nigerianskfödde, amerikanske abstrakta målaren Odili Donald Odita (f. 1966), är en del av en våg av internationella konstnärer som väcker global uppmärksamhet kring sambanden mellan arvet av inhemsk konst och västerländsk modernism. Odita blandar mönstren, färgerna och formerna från sitt hemland Nigeria med de estetiska strategierna för modernistisk abstraktion, och använder ofta sina storskaliga verk på offentliga platser, där de blir materialiseringen av energi och universalitet i en arkitektonisk skala.

Odili Donald Odita - Desert Sun, 2014. Akryl på duk. 72 x 90 tum. Jack Shainman Gallery, New York. © Odili Donald Odita

Eva Rothschild

Den irländska abstrakta skulptören Eva Rothschild (f. 1971) deklarerar djärvt att aktivism är inbakad i valet att skapa abstrakt konst. I en tid när narrativt innehåll verkar vara kung, visar Rothschild hur de tidlösa visuella språken som är uppenbara i Suprematism, Konstruktivism och Minimalism kan skapa djärva, nya abstrakta former som talar om frihet, oberoende, mångfald och fred.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Aluminium och färg. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Foto: © Eva Rothschild, Courtesy Stuart Shave/Modern Art, London och Galerie Eva Presenhuber, Zurich

Thomas Scheibitz

Den tyska konstnären Thomas Scheibitz (f. 1968) besvarar frågan om hur lekfullhet och spel kan tas på allvar inom den abstrakta konsten, även i en tid präglad av ångest. Genom att kombinera arvsspråken från rörelser som Rayonism, Futurism och Kubism med ekon av arkitektoniska skisser och design från mitten av seklet, skapar Scheibitz kusligt bekanta verk som verkar ha uppstått från ett parallellt estetiskt universum.

Pae White

Den amerikanska konstnären Pae White (f. 1963) använder abstraktion för att visa oss igenkännliga bilder från vår tid. Hennes fantastiska verk kombinerar skildringar av naturens krafter med småbitar som kastats bort från vår hyperdigitaliserade, hypermaterialiserade nutid, och visar oss ibland skrämmande scener från äktenskapet mellan struktur och förvirring.

Utvald bild: Charline von Heyl - Underjordens språk, 2017. Akryl och kol på linne. 90 × 108". © Charline von Heyl
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio