Kraften i Piet Mondrians Komposition med Röd, Blå och Gul

Piet Mondrian målade “Komposition med rött, blått och gult” år 1930. Den markerar en subtil vändpunkt i utvecklingen av hans särpräglade, unika målarstil, som han kallade neoplastik. Hans visuella uttryck växte fram genom en noggrann, daglig strävan mot fullständig abstraktion, vilket han ansåg vara ett sätt att uttrycka en universell renhet genom de plastiska konsterna. Det var år 1920, samma år som han gav ut sin bok Le Néo-Plasticisme, som Mondrian målade sina första rutnätsmålningar, med de svarta horisontella och vertikala linjerna och rektangulära fälten av ren färg som han nu är mest känd för. Tidigt i sin utforskning av denna unika position experimenterade Mondrian med flera färger och toner, och undersökte en mängd olika konfigurationer både för sina dukar och för formerna inom sina kompositioner. Vid tiden för hans död 1944 hade han nått en fantastiskt komplex och mogen vision, förkroppsligad i hans mästerverk, “Broadway Boogie Woogie.” Det var mitt i denna utveckling som han målade “Komposition med rött, blått och gult.” Det är kanske inte uppenbart varför detta verk är anmärkningsvärt, eller varför det markerar en viktig vändpunkt. Men det finns vissa aspekter av det som tydligt skiljer det från så många andra målningar Mondrian gjorde, och som signalerar en punkt i hans utveckling när Mondrian själv höll på att förändras.

Att läsa linjerna

Vissa säger att för att förstå det verkliga budskapet i vad en person säger måste man läsa mellan raderna. I fallet med “Komposition med rött, blått och gult” är det linjerna själva som bär på ett dolt budskap. Det är välkänt att Mondrian sökte balans i sitt arbete. Han skrev utförligt om kompositionell harmoni som en reaktion mot kaos. Han uppnådde den känslan av harmoni genom att obevekligt söka balans mellan de plastiska elementen i sina bilder. Placeringen av färger, storleken på formerna och ytskiktens egenskaper spelade mot varandra på sätt som antingen fick honom att känna sig obalanserad eller i balans. Strävan var alltid att upptäcka den perfekta punkten där en komposition uppnår en slags stillhet.

Men med tiden började Mondrian avsky just den känsla av stillhet som han en gång sökte. Hans senare målningar som han skapade i New York, inspirerade av stadens rörelse och jazzmusikens energi, verkar nästan vibrera och surra. “Komposition med rött, blått och gult” markerar en början i hans förmåga att ge sina bilder den energin. Hemligheten döljer sig i linjerna. Det kan nästan vara omärkligt vid första anblick, men om du tittar på de svarta linjerna i denna målning, ser du att linjen i övre vänstra delen av kompositionen är dubbelt så tjock som de andra linjerna. Mondrian trodde att detta val, att göra en av linjerna dubbelt så bred, gav liv åt hans komposition. Han höll på att omvandla sina tankar från tron på stillhet som en universell nödvändighet, till idén att även en helt abstrakt och harmonisk komposition behöver energi för att kännas levande.

Hängande i balans

Trots strävan efter energi och rörelse som Mondrian uttryckte med sin dubbelt breda linje, är “Komposition med rött, blått och gult” ändå en överlägsen manifestation av bildharmoni. På ett märkligt sätt balanserar den energi som de breda linjerna tillför bilden de andra bildmässiga elementen, som annars kunde ha verkat för konkreta. Jag syftar särskilt på den massiva röda fyrkanten som dominerar bilden. Den visuella tyngden i denna fyrkant speglar den perfekt fyrkantiga formen på duken. Den väcker nästan associationer till en Malevich-målning från årtionden tidigare. Det är frestande att se den röda fyrkanten som verkets motiv, vilket skulle ha fört denna målning utanför ren abstraktion. Mondrian försökte tydligt använda så få andra bildmässiga element som möjligt i kompositionen. Han gick till motsatt ytterlighet med den lilla gula rektangeln längst ner på duken, och träffade mittpunkten med den blå rektangeln. Men det är märkligt nog den dubbelt breda linjen som antyder att det faktiskt pågår mer i denna komposition än enkla färgade former.

En annan intressant aspekt av denna målning, åtminstone för mig, är att Mondrian lämnade färgfälten oframade vid dukens kanter. Det gjorde han inte alltid. Ofta är hans rektanglar helt inramade av svarta linjer. Genom att lämna formerna öppna i detta fall får vi tanken att linjerna kanske aldrig var avsedda som ramar. Kanske var de tänkta som färgfält lika viktiga som de andra färgade formerna. Eller kanske var de avsedda att fungera som något konkret, och färgen skulle uppfattas mer som ljus—något eteriskt som fyller tomrum. I denna målning, eftersom de inte är kantade av svarta linjer, kan de färgade ytorna tänkas expandera för evigt ut i rymden bortom dukens kant. Om så är fallet är det nästan som om Mondrian beskärde en bild han såg i sitt sinne. Jag kan föreställa mig att snarare än att vara en allvetande berättare av en fiktiv visuell värld, var han mer en dokumentärfilmare, som såg vad som fanns framför honom och redigerade det på ett sätt så att vi alla kunde förstå det som han gjorde. Kanske skulle den tanken irritera Mondrian, eftersom han var fast besluten att sträva efter ren abstraktion. Men det är delvis det som gör “Komposition med rött, blått och gult” till en så omvälvande målning. Den förändrade inte bara hans egen utveckling som målare—den förändrar också vår förmåga att interagera med arvet från hans verk på sätt som trotsar även de förväntningar han hade på sig själv.

Utvald bild: Piet Mondrian - Komposition i rött, blått och gult. 1930. Olja och papper på duk. 46 x 46 cm. Kunsthaus Zürich
Av Phillip Barcio