ชาร์ลอตต์ พาร์ค, ศิลปินนามธรรมที่ควรรู้จัก
ฉันพบสิ่งที่คุ้นเคยในผลงานของ Charlotte Park ฉันเห็นในภาพวาดของเธอความวิตกกังวลและการค้นหาที่แทบไม่มีขอบเขต ซึ่งในบางช่วงเวลาถูกแทนที่ด้วยความสงบหรือความนิ่ง แต่ก็ยังมั่นใจเสมอ Park ไม่ใช่ศิลปินที่มีชื่อเสียงมากนักในปัจจุบัน แม้ว่าผู้ใกล้ชิดที่สุดของเธอจะเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในศตวรรษที่ผ่านมา เธอแต่งงานกับ James Brooks ซึ่งผลงานของเขาอยู่ใน Tate, MoMA และ Smithsonian รวมถึงคอลเลกชันสถาบันอื่น ๆ Park และ Brooks อาศัยอยู่ติดกับ Jackson Pollock และ Lee Krasner ในนครนิวยอร์ก เมื่อ Pollock และ Krasner ย้ายไปแฮมป์ตัน Park และ Brooks ก็เข้ามาอยู่ในอพาร์ตเมนต์ของพวกเขา จากนั้นจึงตามไปที่ลองไอส์แลนด์ แม้จะอยู่ท่ามกลางศิลปินที่มีพรสวรรค์มากมายหลายสิบคน Park ก็พัฒนาสไตล์ภาพที่โดดเด่นซึ่งสำหรับฉันแล้วสามารถเข้าใจได้ทันที บางทีเธออาจไม่เป็นที่รู้จักมากนักในปัจจุบันเมื่อเทียบกับศิลปินร่วมสมัยของเธอ เพราะพวกเขาทุกคนล้วนเกี่ยวข้องอย่างสนุกสนานกับลัทธิแสดงออกนามธรรม แม้ว่านักเขียนและผู้ค้าศิลปะร่วมสมัยหลายคนจะพยายามอย่างเปิดเผยที่จะ “ค้นพบใหม่” Park และบังคับให้ผลงานของเธออยู่ในบริบททางประวัติศาสตร์เดียวกันนั้น ฉันกลับไม่รู้สึกอยากเขียนถึง Park ว่าเป็นส่วนหนึ่งของขบวนการ แนวโน้มหรือปรากฏการณ์นั้นใด ๆ Park ดูเหมือนจะอยู่บนเส้นทางศิลปะส่วนตัว ซึ่งมีวิวัฒนาการที่เป็นเอกลักษณ์ แตกต่างจากเพื่อนร่วมยุคหลายคนที่ประสบความสำเร็จทางวิจารณ์แล้วหยุดนิ่ง Park กลับถึงจุดสูงสุดในช่วงปลายอาชีพ เหมือนผู้รู้ผู้ชาญฉลาดที่ในที่สุดก็ขึ้นถึงยอดเขา เห็นทุกสิ่งในสิ่งเล็กน้อยที่สุด ในขณะที่ลัทธิแสดงออกนามธรรมดูเหมือนจะเกี่ยวกับ “ตัวตน” Park สร้างผลงานที่รู้สึกเกี่ยวกับ “ความเป็นทั้งหมด” ภาพวาดของเธอไม่เพียงแต่สะท้อนความเป็นตัวตนของเธอ แต่ยังสะท้อนความเป็นมนุษย์—วิวัฒนาการจากผู้ค้นหาสู่ความสงบภายใน
รูปทรงที่โดดเดี่ยว
เกิดที่คอนคอร์ด รัฐแมสซาชูเซตส์ ในปี 1918 Park ได้รับปริญญาศิลปะจากเยลในปี 1939 เธอทำงานให้กับสำนักงานข่าวกรองยุทธศาสตร์ (OSS) ซึ่งต่อมาเป็น CIA ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง จากนั้นย้ายไปนิวยอร์กกับ Brooks หลังสงคราม ในแมนฮัตตันหลังสงคราม เธอและ Brooks พบว่าตัวเองอยู่ท่ามกลางกลุ่มศิลปะอาวองต์การ์ดที่มีชีวิตชีวาที่สุดแห่งหนึ่งของโลก อย่างไรก็ตาม สิ่งเดียวที่ดูเหมือนจะซึมซับเข้าสู่ผลงานของ Park ในเวลานั้นคือการมุ่งเน้นที่นามธรรม ภาพวาดของเธอแทบไม่แสดงความสนใจในประเด็นหลักของเพื่อนร่วมยุค เช่น การวาดภาพอัตโนมัติ ความเชื่อเหนือธรรมชาติ หรือการสร้างตำนาน Park ดูเหมือนไม่เห็นตัวเองเหมือน Pollock ที่เห็นตัวเองเป็นธรรมชาติที่มีชีวิต เธอวาดภาพเหมือนศิลปินที่สนใจตั้งคำถามพื้นฐานเกี่ยวกับสิ่งที่เรียกว่าภาพวาด และว่าภาพวาดเหมาะสมจริงหรือไม่สำหรับการแสดงออกถึงประสบการณ์มนุษย์ทั้งหมด
Charlotte Park - ดวงอาทิตย์, 1950 สีน้ำมันบนกระดาษติดบนผ้าใบ ขนาด 18 x 24 นิ้ว (45.7 x 61 ซม.) © Berry Campbell Gallery
ภาพวาดยุคแรกอย่าง “Masque” (1950), “The Sun” (1950) และ “Departure” (1955) บ่งบอกถึงคนที่ดูเหมือนพยายามวาดฝูงชน—รูปทรง ชีวรูปแบบ ที่จับอยู่ในเกมดึงและผลัก รูปทรงเหล่านี้ไม่ใช่เรื่องหลักของภาพวาด แต่เป็นความสัมพันธ์ระหว่างรูปทรงกับสภาพแวดล้อมที่รู้สึกว่าสำคัญ ในชุดภาพวาดสีดำส่วนใหญ่ที่เธอเริ่มทำในทศวรรษ 1950 Park ดูเหมือนพยายามฉีกผ่านความจริงที่เป็นพลาสติกเพื่อค้นหาบางสิ่งที่อยู่เบื้องหลังพื้นผิว ความโกรธและความหงุดหงิดฝังอยู่ในการระเบิดทางสายตาที่หยาบกร้านเหล่านี้ อารมณ์ อุปมา และสัญลักษณ์พยายามแสดงออก แต่ภาพวาดดูเหมือนจะไม่เพียงพอที่จะบรรทุกข้อความเหล่านั้น ข้อความเดียวที่ภาพวาดเหล่านี้ทำซ้ำได้สำเร็จคือผู้วาดรู้สึกโดดเดี่ยว
Charlotte Park - ไม่มีชื่อ, 1985 อะคริลิกบนกระดาษ ขนาด 28.6 x 28.6 ซม. © James Brooks and Charlotte Park Foundation. Courtesy Berry Campbell Gallery
การค้นหาโครงข่าย
นักเขียนบางคนต่อต้านการเล่าเรื่อง แม้ฟังดูแปลก พวกเขาแค่อยากเขียนโดยไม่มีโครงสร้าง ไม่มีความคาดหวัง เรื่องราวอาจเป็นกรงขังที่พรากเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของนักเขียน ศิลปินบางคนรู้สึกเช่นเดียวกันกับโครงข่าย การต้องสร้างองค์ประกอบที่ยึดตามรูปแบบภาพที่มีอยู่เป็นแหล่งความหงุดหงิดจริงสำหรับศิลปินที่แค่อยากวาด ภาวะวิตกกังวลที่ปรากฏในผลงานของเธอตลอดอาชีพบ่งชี้ว่า Park คุ้นเคยกับความขัดแย้งนี้อย่างลึกซึ้ง ตลอดทศวรรษ 1950 และ 60 และต้นทศวรรษ 70 ผลงานของเธอต่อต้านขอบเขตของกรอบภาพ ปฏิเสธอิทธิพลของโครงข่าย ปฏิเสธแนวคิดดั้งเดิมเรื่องความกลมกลืนและสมดุล และไม่สนใจแนวคิดการจัดองค์ประกอบแบบ “ทั่วทั้งภาพ” ที่เพื่อนร่วมยุคหลายคนยอมรับ ภาพวาดหลายชิ้นในช่วงครึ่งแรกของอาชีพเธอไม่รู้สึกเหมือนภาพวาดเลยสำหรับฉัน—แต่เหมือนการต่อสู้: การต่อสู้กับพื้นที่ การต่อสู้กับแสง การต่อสู้กับวัตถุ การต่อสู้กับสิ่งที่ชาวโพลินีเซียนเรียกว่า มานา: พลังงานที่สะสมในทุกสิ่ง
Charlotte Park - Pereshia, 1976 อะคริลิกบนผ้าใบ ขนาด 18 x 18 นิ้ว (45.7 x 45.7 ซม.) © Berry Campbell Gallery
Park ใส่พลังงานลงในภาพวาดของเธอ เธอถ่ายทอดสิ่งมีชีวิตบางอย่างจากตัวเอง หรือของตัวเอง ลงในสิ่งไม่มีชีวิต คือภาพวาด อย่างไรก็ตาม การต่อสู้นั้นจบลงอย่างกะทันหันราวกลางทศวรรษ 1970 เมื่อ Park หันไปสู่เส้นทางความงามที่ไม่คาดคิด—ของ Piet Mondrian และมรดกของนีโอ-พลาสติกนิสม์ ภาพวาดอย่าง “Gerardia” (1975), “Hellebore” (1975-77) และ “Pereshia” (1976-78) เริ่มต้นจากจุดที่พาเลตสีและโครงสร้างโครงข่ายแบบนีโอ-พลาสติกของ Mondrian หยุดไว้ ยกเว้นว่า Park ทำทั้งหมดด้วยมือเปล่า และด้วยจิตใจที่เป็นอิสระ ช่วงเวลาของการวาดภาพโครงข่ายนีโอ-พลาสติกของเธอสั้น แต่แนวคิดโครงข่ายยังคงอยู่ในผลงานของเธอตลอดอาชีพ เหมือนกับว่าแทนที่จะต่อสู้กับข้อจำกัดของกรอบและความไม่เสรีของโครงสร้างองค์ประกอบ Park กลับพบอิสรภาพลับบางอย่างในความยอมรับขอบเขตเหล่านั้น ภาพวาดของเธอมั่นใจเสมอ แต่การปรากฏตัวของโครงข่ายในช่วงปลายทำให้ภาพวาดเงียบและนิ่ง ฉันเองรู้สึกเชื่อมโยงกับภาพวาดที่สงบเหล่านี้น้อยที่สุดในบรรดาผลงานของเธอ แต่ฉันเดาว่าความเห็นของฉันคงไม่มีความหมายสำหรับ Park เพราะเธอเป็นศิลปินที่วาดภาพส่วนใหญ่เพื่อตัวเอง
ภาพเด่น: Charlotte Park - ไม่มีชื่อ, 1960 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 34 x 34 นิ้ว (86.4 x 86.4 ซม.) © Berry Campbell Gallery
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบเท่านั้น
โดย Phillip Barcio
