เคน เคลเลเฮอร์ เปลี่ยนแปลงพื้นที่สาธารณะด้วยศิลปะนามธรรมในรูปแบบดิจิทัล
Ken Kelleher เป็นหนึ่งในศิลปินที่ถูกเข้าใจผิดมากที่สุดในยุคของเรา ผู้คนส่วนใหญ่ที่อ้างว่าตนเป็นแฟนงานของเขาไม่แม้แต่จะรู้ว่าจริงๆ แล้วเขาทำอะไร ฝึกฝนเป็นช่างปั้นที่มหาวิทยาลัยอัลเฟรดในนิวยอร์ก Kelleher ได้รับการฝึกฝนทางเทคนิคจากการทำงานในโรงหล่อในรัฐนิวยอร์กตอนเหนือ โดยทำชิ้นงานหล่อทองสัมฤทธิ์ให้กับศิลปินอย่าง Anthony Caro และ William Tucker แต่ความสามารถที่แท้จริงของเขาอยู่ในด้านการออกแบบดิจิทัล ซึ่งเขาทำงานในสาขานี้มาเป็นเวลา 20 ปี ก่อนที่จะเริ่มต้นการปฏิบัติการปั้นของตนเอง ส่วนใหญ่ของผลงานในปัจจุบันของเขาประกอบด้วยการเรนเดอร์ดิจิทัลของประติมากรรมเชิงนามธรรมขนาดใหญ่ที่จินตนาการขึ้น ซึ่งเขาจะนำไปใส่ในภาพถ่ายของพื้นที่สาธารณะแบบจริง การเรนเดอร์ดิจิทัลเหล่านี้มีความสมจริงอย่างน่าหลงใหลจนคุณอาจจะเชื่อได้ว่าประติมากรรมเหล่านั้นมีอยู่จริง บทความส่วนใหญ่ที่เขียนเกี่ยวกับ Kelleher ถึงขนาดเรียกเขาว่า "ศิลปินดิจิทัล" และมุ่งเน้นไปที่การเรนเดอร์ของเขาเพียงอย่างเดียว ราวกับว่ามันคือผลงานศิลปะที่เสร็จสมบูรณ์ อย่างไรก็ตาม Kelleher รู้สึกไม่พอใจกับคำบรรยายนี้ เขากล่าวว่า "บทความบางชิ้นทำให้มันฟังดูเหมือนว่าการเรนเดอร์ที่ฉันทำคือศิลปะ แต่ในความเป็นจริง การออกแบบที่ฉันทำมีจุดหมายเพื่อที่จะถูกสร้างขึ้น" Kelleher มีสตูดิโอขนาดใหญ่บนที่ดินของเขาซึ่งเขาทำงานกับวัสดุหลากหลายประเภท รวมถึงไม้ ไฟเบอร์กลาส พลาสติก และเหล็ก เขาอ้างว่าเขากำลังทำงานร่วมกับผู้ผลิตและนักวางแผนสาธารณะหลายคนเพื่อทำให้การสร้างสรรค์ที่จินตนาการของเขาเป็นจริง แต่ปัญหาคือรูปแบบส่วนใหญ่ที่เขาจินตนาการนั้นมีขนาดใหญ่โตซับซ้อน หรือทั้งสองอย่าง จนการผลิตพวกมันจะต้องใช้ความพยายามอย่างมหาศาลควบคู่ไปกับเงินทุนที่ไม่จำกัด แม้ว่าการเรนเดอร์จะดูน่าทึ่ง แต่ส่วนใหญ่ของประติมากรรมของเขายังไม่ได้ถูกสร้างขึ้น และอาจจะไม่มีวันถูกสร้างขึ้น นั่นคือความหงุดหงิดของเขา Kelleher ต้องการให้เราสัมผัสกับวัตถุที่น่าพิศวงจากจินตนาการของเขา แต่โลกมนุษย์ที่เราอาศัยอยู่ยังไม่พร้อมที่จะรวมเข้ากับจินตนาการหลังมนุษย์ที่มาจากที่นั่น.
ประสบการณ์ศิลปะ vs. ประสบการณ์ผู้ใช้
อุปสรรคหนึ่งที่ทำให้บางคนไม่เข้าใจสิ่งที่ Kelleher ทำเกี่ยวข้องกับคำถามว่าเขาเป็นศิลปินหรือดีไซเนอร์ เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับผลงานของเขาโดยใช้ภาษาของทั้งสองสาขา ในภาษาของศิลปะร่วมสมัย เราอาจพูดอะไรประมาณนี้: Kelleher มีการปฏิบัติที่ได้รับอิทธิพลจากแนวคิดเกี่ยวกับโพสต์โมเดิร์น, สหวิทยาการ, และการสร้างสถานที่ ภาษาเชิงภาพของเขาได้รับอิทธิพลจากการผสมผสานของตำแหน่งสุนทรียศาสตร์โมเดิร์นหลายแบบ รวมถึง Biomorphism, Abstract Expressionism, Geometric Abstraction, Kinetic Art, และ Pop Art เขาสำรวจแง่มุมทางรูปแบบของตำแหน่งเหล่านั้นผ่านวัสดุและวิธีการที่หลากหลาย จากนั้นนำผลงานของเขาไปใช้ในพื้นที่สาธารณะ—ไม่ว่าจะเป็นดิจิทัลหรือในโลกจริง—ซึ่งทำหน้าที่เป็นการแทรกแซงทางสังคม เปลี่ยนแปลงพื้นที่สาธารณะและเสริมสร้างความสัมพันธ์ระหว่างผู้คนกับสภาพแวดล้อมที่สร้างขึ้นของพวกเขา.
Ken Kelleher- อะสเตอร์ริกซ์ - ขนาดสตูดิโอ © 2019 Ken Kelleher Studios
ในภาษาแห่งวงการออกแบบร่วมสมัย เราอาจจะอธิบายผลงานของเขาได้ดังนี้: Kelleher ได้พัฒนาแบรนด์ที่อิงจากการใช้กลยุทธ์การออกแบบประสบการณ์ผู้ใช้ (UX) เพื่อขยายผลิตภัณฑ์ศิลปะสาธารณะของเขาจากความเป็นจริงเสมือน (VR) สู่พื้นที่สาธารณะ เอกชน และองค์กรในชีวิตจริง (IRL) ผลิตภัณฑ์ส่วนใหญ่ของเขามีอยู่เฉพาะใน VR อย่างไรก็ตาม ร่วมกับผู้ผลิตเฉพาะทางหลายราย ผลิตภัณฑ์บางอย่างของเขาสามารถนำออกสู่ตลาดในชีวิตจริง (IRL) ได้ ในขณะเดียวกัน ร่วมกับบริษัทเทคโนโลยีความจริงเสริม (AR) เช่น Look Mister Kelleher กำลังทดลองกับความเป็นไปได้ที่ผลิตภัณฑ์ต่างๆ ที่ถือว่ามีขนาดใหญ่ เกินราคา หรือซับซ้อนเกินไปที่จะมีอยู่ในชีวิตจริง (IRL) สามารถปรากฏในพื้นที่สาธารณะผ่านเทคโนโลยี AR ซึ่งจะช่วยเพิ่มประสบการณ์ผู้ใช้ (UX) ของผู้ใช้ที่เข้าถึงเทคโนโลยี AR.
Ken Kelleher- Circle Wing (Tradewinds). © 2019 Ken Kelleher Studios
โพสต์มนุษย์ vs. มนุษย์มาก
ความแตกต่างระหว่างการบรรยาย Kelleher ด้วยภาษาศิลปะและการบรรยายเขาด้วยภาษาการออกแบบดูเหมือนจะขึ้นอยู่กับระดับของมนุษยธรรมที่แต่ละคำศัพท์ทั้งสองนี้สื่อสาร ภาษาการออกแบบรู้สึกชัดเจนว่าเป็นหลังมนุษย์ มันลดผู้คนให้กลายเป็น "ผู้ใช้" และชี้แจงการแยกแยะระหว่างผู้ที่เข้าถึงเทคโนโลยีดิจิทัลและผู้ที่ไม่มี เมื่อเราพูดถึง Kelleher ด้วยคำศัพท์นั้น หรือเพียงแค่ในแง่ของการออกแบบดิจิทัลของเขา เราก็ทำให้การปฏิบัติของเขาขาดมนุษยธรรม ทำให้เขาดูเหมือนเป็นศิลปินหลังมนุษย์ที่สร้างงานเพียงเพื่อผู้ที่มีความชำนาญทางเทคโนโลยีในการเพลิดเพลินกับมัน ภาษาศิลปะมีความหวังมากกว่า มันอาจฟังดูเป็นทางการเล็กน้อย แต่ให้ความสำคัญกับมนุษยธรรมของงาน มันพูดถึงความสัมพันธ์ที่ Kelleher พยายามสร้างระหว่างผู้คน วัตถุ และพื้นที่ที่พวกเขาอาศัยอยู่ คำศัพท์ศิลปะทำให้ Kelleher อยู่ในชุมชนของสิ่งที่ฉันเรียกว่า veryhumans—ผู้คนที่มีแรงจูงใจจากความรู้สึกของมนุษย์ ผู้ที่พยายามสร้างอนาคตที่ให้ความสำคัญกับมนุษย์เป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติ ไม่ใช่เป็นเพียงที่เก็บเทคโนโลยี.
Ken Kelleher- การเป็นอยู่ © 2019 Ken Kelleher Studios
ฉันชอบจินตนาการถึง Kelleher ว่าเป็นศิลปินที่มีความเป็นมนุษย์มาก ทำงานอยู่ในอาคารข้างเคียงเหมือน Alexander Calder ล้อมรอบไปด้วยภาพวาดและโมเดลของงานศิลปะที่แปลกประหลาดที่เขาต้องการสร้างจากวัสดุต่างๆ เช่น ไม้ เหล็ก และไฟเบอร์กลาส ในสถานการณ์นี้มีคอมพิวเตอร์อยู่ในห้อง แต่เป็นเพียงเครื่องมือที่ช่วยเขาไปสู่วัตถุสุดท้าย—สิ่งที่ไร้ประโยชน์ สวยงาม และลึกลับที่จะมีอยู่ในเวลาและพื้นที่จริง อย่างไรก็ตาม ฉันก็เข้าใจว่าทำไม Kelleher ถึงได้รับการสนับสนุนจาก Post-Humans พวกเขาประทับใจในทักษะการออกแบบดิจิทัลระดับถัดไปของเขา คำถามคือ Kelleher มองเห็นตัวเองอย่างไรจริงๆ? ในเว็บไซต์ของเขา เขาพยายามอย่างมากที่จะดึงดูดผู้เข้าชมให้ช่วยเขาเปลี่ยนผลงานที่เขาจินตนาการให้เป็นจริง แต่เขาก็ยังโพสต์ในโซเชียลมีเดียทุกครั้งที่เขาสร้างการเรนเดอร์ดิจิทัลใหม่หรือวิดีโอ VR หากเขาเห็นอกเห็นใจในงานอดิเรกที่มีความเป็นมนุษย์ในการสร้างสิ่งต่างๆ อาจจะเป็นเขาควรจัดสรรแบนด์วิธมากขึ้นสำหรับวัตถุจริงของเขา เพราะยิ่งเขาเดินลึกลงไปในโพรงกระต่ายของ UX, VR และ AR มากเท่าไหร่ ดูเหมือนว่า Kelleher จะถูกเข้าใจผิดมากขึ้นโดยตัวเขาเอง.
ภาพเด่น: Ken Kelleher- Aspire. © 2019 Ken Kelleher Studios
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio
