บุคคลสำคัญของขบวนการลวดลายและการตกแต่ง

ขบวนการลวดลายและการตกแต่ง มีสถานที่พิเศษในประวัติศาสตร์ศิลปะร่วมสมัย ขบวนการนี้เกิดขึ้นจากขบวนการศิลปะสตรีนิยมในทศวรรษ 1960 ขบวนการลวดลายและการตกแต่งประกาศตัวเองว่าเป็น "วิธีการที่สาม" ระหว่างการสร้างภาพและนามธรรม ผู้นำของขบวนการนี้ตระหนักว่าความปรารถนาที่จะสร้างงานศิลปะตกแต่งเป็นแง่มุมที่สำคัญของทุกวัฒนธรรมมนุษย์ตั้งแต่เริ่มต้นอารยธรรม อย่างไรก็ตาม พวกเขายังตระหนักว่ามนุษย์อารยะในตะวันตกได้ยอมรับท่าทีที่ว่างานศิลปะตกแต่งควรถูกมองว่ามีความสำคัญน้อยกว่าและไม่จริงจังเท่ากับศิลปะที่เรียกว่า "ศิลปะชั้นสูง" ด้วยเหตุผลบางประการในระหว่างทาง ผู้ก่อตั้งขบวนการลวดลายและการตกแต่งได้ปฏิเสธสมมติฐานนั้นอย่างชัดเจน โดยประกาศว่าการเข้าถึงงานตกแต่งในรูปแบบของพวกเขามีความเกี่ยวข้อง มีความหมาย และมีความสำคัญทางประวัติศาสตร์เท่ากับตำแหน่งทางสุนทรียศาสตร์อื่น ๆ ปรัชญาที่ครอบคลุมของขบวนการลวดลายและการตกแต่งถูกชี้แจงในปี 1978 โดยผู้ก่อตั้งสองคนของขบวนการ—Valerie Jaudon และ Joyce Kozloff—ในแมนิเฟสโตที่เต็มไปด้วยความยิ่งใหญ่ของพวกเขา "แนวคิดที่ตื่นตระหนกเกี่ยวกับความก้าวหน้าและวัฒนธรรม" ย่อหน้าที่เปิดกล่าวว่า "ในฐานะที่เราเป็นสตรีนิยมและศิลปินที่สำรวจงานตกแต่งในภาพวาดของเราเอง เราสงสัยเกี่ยวกับการใช้คำว่า 'ตกแต่ง' ในเชิงลบในโลกศิลปะร่วมสมัย เมื่อเราทบทวนข้อความพื้นฐานของศิลปะสมัยใหม่ เราตระหนักว่าความลำเอียงต่อศิลปะตกแต่งมีประวัติศาสตร์อันยาวนานและมีพื้นฐานมาจากลำดับชั้น: ศิลปะชั้นสูงเหนือศิลปะตกแต่ง ศิลปะตะวันตกเหนือศิลปะที่ไม่ใช่ตะวันตก ศิลปะของผู้ชายเหนือศิลปะของผู้หญิง โดยการมุ่งเน้นไปที่ลำดับชั้นเหล่านี้ เราค้นพบระบบความเชื่อที่น่ากังวลซึ่งมีพื้นฐานมาจากความเหนือกว่าทางศีลธรรมของศิลปะของอารยธรรมตะวันตก" ดังนั้นผู้นำของขบวนการจึงตั้งใจที่จะส่งมอบลำดับชั้นที่ล้าสมัยและไร้ประโยชน์เหล่านั้นไปยังกองเถ้าถ่านของประวัติศาสตร์ มรดกของผลงานของพวกเขาคือความงามที่มีชีวิตชีวาและความมหัศจรรย์ทางปัญญา ขณะนี้ ผู้ชมกำลังซึมซับพลังของขบวนการที่สำคัญนี้อย่างแท้จริง และบทบาทที่มันยังคงมีในวันนี้ในการทำให้สนามศิลปะร่วมสมัยมีความเท่าเทียมมากขึ้น เปิดกว้างมากขึ้น และสมบูรณ์มากขึ้น.

ผู้นำห้าคนของการเคลื่อนไหว

ตั้งแต่ปี 1960 Miriam Schapiro ได้ละทิ้งแนวโน้มทางสุนทรียศาสตร์ที่โดดเด่นในขณะนั้นเพื่อค้นหาน้ำเสียงทางภาพที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัว ซึ่งส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับอัตลักษณ์ของเธอในฐานะผู้หญิง ผลงาน proto-Feminist ชิ้นแรกของเธอคือ "Shrines" ซึ่งทำหน้าที่เป็นสะพานที่ศักดิ์สิทธิ์ระหว่างความเป็นหญิง ความเป็นจิตวิญญาณ และภาษาสมัยใหม่ที่ถูกแบ่งแยกของกริด เธอได้สร้างผลงาน Feminist ที่มีลักษณะเฉพาะอื่น ๆ อีกหลายชุด รวมถึง "Fans" ขนาดมหึมา และชุดผลงานนามธรรมเรขาคณิตที่มีขอบคมซึ่งนำเสนอภาพที่กล้าหาญและสว่างไสวของสัญลักษณ์หญิงแบบอาร์เคไทป์ ในปี 1973 Schapiro ได้เข้าร่วม "Womanhouse" ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานศิลปะ Feminist ที่สำคัญที่สุดตลอดกาล เธอยังได้สร้างคำว่า "Femmage" สำหรับวิธีการที่เป็นเอกลักษณ์ของเธอในการผสมผสานเทคนิคศิลปะชั้นสูง เช่น การตัดแปะและการประกอบ กับเทคนิคงานฝีมือ เช่น การเย็บผ้า.

มิเรียม ชาปิโร - ดอร์เมอร์, 1979. อะคริลิก, ผ้า, กระดาษบนผ้าใบ. 178.5 x 102 ซม. ลุดวิก ฟอรัม ฟือร์ อินเตอร์นาชิออนาเลอ คุนสท์ อาเคิน. ภาพ: คาร์ล บรันน์ / ลุดวิก ฟอรัม ฟือร์ อินเตอร์นาชิออนาเลอ คุนสท์ อาเคิน © มรดกของมิเรียม ชาปิโร / บิลด์เรคท์ เวียนนา, 2019.

Joyce Kozloffมีความคิดเกี่ยวกับการลดทอนของศิลปะประดับหลังจากที่เธอได้ใช้ชีวิตในเม็กซิโกและจากนั้นไปเยือนโมร็อกโกและตุรกีในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ได้รับแรงบันดาลใจจากวิธีที่ประเพณีความงามโบราณในสถานที่เหล่านี้ยังคงมีชีวิตอยู่และเจริญรุ่งเรืองในชีวิตประจำวัน เธอจึงได้ติดตามแนวคิดของเธอในหัวข้อนี้ในหลายด้าน เธอเริ่มทำภาพวาดขนาดใหญ่และการติดตั้งสื่อผสมที่ใช้วิธีการและวัสดุที่มักจะถูกกำหนดให้กับงานฝีมือประดับ; เธอเข้าร่วมกลุ่ม Heresies Collective ซึ่งมีส่วนร่วมในกิจกรรมทางสังคมของสตรีนิยมและเผยแพร่จดหมายข่าว HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics; และเธอได้ร่วมเขียนคำประกาศ Pattern and Decoration ที่กล่าวถึงข้างต้น ในทศวรรษตั้งแต่การก่อตั้งขบวนการนี้ Kozloff ได้มีบทบาทมากขึ้นในด้านศิลปะสาธารณะ และได้พัฒนาน้ำเสียงทางสุนทรียศาสตร์ที่โดดเด่นซึ่งตั้งอยู่บนแนวคิดของการทำแผนที่ ทั้งในแง่ของแผนที่และในแง่ของวัฒนธรรม.

Joyce Kozloff - ถ้าฉันเป็นนักพฤกษศาสตร์ เมดิเตอร์เรเนียน. 3 แผงจากผลงาน 9 แผง. อะคริลิก, การพิมพ์ดิจิทัลแบบอนุรักษ์, และการปะติดบนผ้าใบ. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff

นอกเหนือจากการร่วมเขียนคำประกาศของ Pattern and Decoration, Valerie Jaudon ได้สร้างชื่อเสียงให้กับตัวเองในฐานะหนึ่งในเสียงที่มั่นใจที่สุดในด้านสุนทรียศาสตร์ของขบวนการนี้ สไตล์ที่โดดเด่นของเธอผสมผสานการทำเครื่องหมายแบบอักษรกับลวดลายและการออกแบบที่ชวนให้นึกถึงสไตล์การตกแต่งของตะวันออกกลาง นอกเหนือจากภาพวาดและผลงานบนกระดาษแล้ว Jaudon ยังได้ดำเนินโครงการสาธารณะขนาดใหญ่กว่าโหล ตั้งแต่พื้นปูหิน ไปจนถึงภาพจิตรกรรมฝาผนังบนเพดาน และการติดตั้งในสวนสาธารณะขนาดใหญ่ โครงการที่ใหญ่ที่สุดในบรรดาโครงการเหล่านี้คือ "Filippine Garden (2004)" ทางเดินซีเมนต์ในบริเวณศาลรัฐบาลกลางในเซนต์หลุยส์ รัฐมิสซูรี การจัดองค์ประกอบของมันเป็นไปตามแบบฉบับของผลงานของเธอในลักษณะที่ดูเหมือนจะคุ้นเคยและแปลกใหม่ในเวลาเดียวกัน รากฐานของมันไม่ชัดเจนอย่างสวยงาม มันผสมผสานเข้ากับสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติและสถาปัตยกรรมได้อย่างลงตัว.

Valerie Jaudon - แฮตตีสเบิร์ก, 1979. น้ำมันบนผ้าใบ. 223.5 x 335.5 ซม. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. ภาพ: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.

ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1960 ซูซาน มิชอด เริ่มพัฒนาตำแหน่งทางสุนทรียศาสตร์ที่อยู่ระหว่างนามธรรมสมัยใหม่และแนวโน้มทางสุนทรียศาสตร์ของประเพณีพื้นเมืองโบราณต่างๆ ผลงานของเธออยู่ระหว่างเส้นแบ่งของมุมมองทั้งสองนี้ โดยสะท้อนถึงความมหัศจรรย์ที่ชวนหลงใหลของศิลปะ Op Art และลวดลายเรขาคณิตที่มืดมนซึ่งเป็นเอกลักษณ์ของรูปแบบศิลปะในอเมริกากลางก่อนโคลัมบัส นอกจากการมีส่วนร่วมที่เธอทำในขบวนการ Pattern and Decoration ในฐานะศิลปิน มิชอดยังเป็นผู้ร่วมก่อตั้ง Artemisia Gallery ในชิคาโก ซึ่งเป็นพื้นที่จัดแสดงที่มีอิทธิพลสำหรับศิลปินหญิง ที่ซึ่งบุคคลสำคัญเช่น จูดี้ ชิคาโก, มิเรียม ชาปิโร, จอยซ์ โคซลอฟ และแนนซี่ สเปอโร รวมถึงอีกมากมาย ได้แสดงผลงานในช่วงแรกของพวกเขา.

ซูซาน มิชอด - ผ้าคลุมอัซเทคา, 2003. อะคริลิคบนกระดาษ. 40 x 30 นิ้ว. © ซูซาน มิชอด

พร้อมกับ Miriam Schapiro, Robert Kushner ช่วยจัดระเบียบการแสดง Pattern and Decoration ที่เริ่มต้นขึ้นในช่วงแรกๆ Kushner เข้ามาสู่วงการศิลปะจากโลกของการโฆษณา ซึ่งเขาได้ออกจากวงการนี้ในปี 1961 หลังจากได้เห็นการแสดงผลงานของ Franz Kline อย่างไรก็ตาม เขาใช้เวลาหลายปีกว่าจะมีความมั่นใจในการพัฒนาสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเอง หลังจากทดลองกับหลากหลายสไตล์ ตั้งแต่ Abstract Expressionism, ไปจนถึง Minimalism, จนถึง Color Field Painting, เขาก็ในที่สุดได้ละทิ้งแนวโน้มที่เป็นที่นิยมในขณะนั้นเพื่อก้าวกระโดดทางสไตล์ส่วนตัวในปี 1972 โดยการใช้ "รูปทรง" ที่ทำด้วยสเตนซิลบนผืนผ้าใบของเขาในรูปแบบ "all-over" ตลอดช่วงปี 1970, งานจิตรกรรมสเตนซิลที่มีลวดลายเหล่านี้ได้พัฒนาไปเพื่อรวมภาพดอกไม้มากขึ้น โดยยอมรับพื้นที่กลางระหว่างการเฉลิมฉลองการตกแต่งในรูปแบบทางการและการแสดงภาพที่เป็นรูปธรรมของสวนที่มีความสมมาตร.

โรเบิร์ต คุชเนอร์ - ใบไม้สีชมพู, 1979. อะคริลิก, ผ้าเนื้อหลากหลาย. 205 x 330.5 ซม. ขอบคุณพิพิธภัณฑ์ลุดวิก – พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย, บูดาเปสต์, การบริจาคของปีเตอร์และไอรีน ลุดวิก. ภาพ: พิพิธภัณฑ์ลุดวิก – พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย, บูดาเปสต์. © โรเบิร์ต คุชเนอร์

ภาพเด่น: ซูซาน มิชอด - ไม่มีชื่อ, 1977. สีน้ำบนกระดาษ. 30 นิ้ว x 22.5 นิ้ว (76.2 ซม. x 57.15 ซม.). RoGallery ในลองไอแลนด์ซิตี้, นิวยอร์ก. © ซูซาน มิชอด
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio