ทำไมแจ็คกี้ วินเซอร์ถึงมีความเป็นนามธรรมที่แปลกประหลาด

ผลงานของ Jackie Winsor เป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมในการท้าทายทฤษฎีทางวิชาการเกี่ยวกับนามธรรมร่วมสมัย การถกเถียงที่เป็นหัวใจของการสนทนาเกี่ยวกับศิลปะนามธรรมในปัจจุบันมักจะหมุนรอบความแตกต่างระหว่างนามธรรมบริสุทธิ์—ศิลปะที่ไม่มีความเกี่ยวข้องใด ๆ กับโลกที่เรียกว่าความจริง—กับนามธรรมที่ได้มาจาก หรือถูกดัดแปลงมาจากสิ่งที่เป็นรูปธรรม ในช่วงเวลากว่าห้าทศวรรษ Winsor ได้สร้างผลงานที่ในทางทฤษฎีสามารถจัดอยู่ในฝั่งใดฝั่งหนึ่งของการถกเถียงนี้ได้ เช่น “Chunk Piece” (1970) ท่อนไม้ปอที่ม้วนเป็นท่อน อาจถูกมองว่าเป็นสิ่งที่ถูกดัดแปลงมาจากโลกจริง แม้ว่าในความเป็นจริงจะไม่มีสิ่งใดเหมือนกับมันเลย ในขณะเดียวกัน “Pink and Blue Piece” (1985) ลูกบาศก์กระจกเงา อาจถูกเรียกว่านามธรรมแบบฟอร์มบริสุทธิ์ เพราะเป็นเพียงรูปทรงเรขาคณิตง่าย ๆ ที่วางอยู่ในอวกาศ แต่ทั้งสองชิ้นนี้ก็สามารถถูกอธิบายได้ในหลายวิธี ลูกบาศก์ที่ถูกกล่าวว่าเป็นฟอร์มบริสุทธิ์อาจเป็นรูปธรรมได้ เพราะมันคล้ายกับวัตถุหลายอย่างในโลกจริง และท่อนไม้ที่ถูกกล่าวว่าเป็นนามธรรมอาจไม่ใช่นามธรรมเลย—มันอาจเป็นวัตถุที่มีตัวตนจริงและอ้างอิงถึงตัวเองที่มีอยู่เพียงเพื่อแสดงคุณสมบัติของมันเอง ประติมากรรมที่ Winsor สร้างขึ้นมีความแปลกประหลาดและเป็นเอกลักษณ์จนทำให้การถกเถียงเรื่องนามธรรมสลายไป พวกมันอยู่นอกเหนือการสนทนา ทำให้การถกเถียงนั้นไม่มีความหมาย แต่พวกมันมีความน่าเชื่อถือในระดับลึกซึ้ง—แสดงออกถึงสิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งแต่เกินกว่าความเข้าใจของเรา—จนฉันอดคิดไม่ได้ว่าพวกมันเป็นสิ่งจำเป็นต่อความเข้าใจของเราต่อศิลปะนามธรรม เช่นเดียวกับนักคิดสองคนในยุคเดียวกัน—Richard Serra และ Eva Hesse—Winsor แสดงถึงความหวังที่ว่าศิลปะนามธรรมสามารถเป็นทั้งสิ่งที่ลึกลับอย่างไม่น่าเชื่อ และเป็นสิ่งที่เป็นมนุษย์อย่างไม่อาจปฏิเสธได้

เพื่อการมีอยู่ที่ดื้อรั้น

ในปี 1979 เมื่ออายุ 37 ปี Winsor ได้รับการจัดแสดงผลงานเดี่ยวที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก นิทรรศการนี้มีผลงาน 24 ชิ้น ในบทความในแคตตาล็อกสำหรับงานนี้ Winsor ถูกกล่าวถึงว่าเป็น “หนึ่งในประติมากรหนุ่มที่มีความสามารถมากที่สุดในปัจจุบัน” อย่างไรก็ตาม บทความไม่ได้ให้ความชัดเจนมากนักว่าทำไมผู้จัดงานถึงคิดว่างานของ Winsor มีความสำคัญ หลีกเลี่ยงการพูดเกินจริง บทความเพียงแค่ชี้ให้เห็นถึง “ความเป็นวัตถุของงาน หรืออย่างที่ Ellen Johnson อ้างคำพูดของ Rilke ว่า ‘การมีอยู่ที่ดื้อรั้น’” ผลงานในนิทรรศการ MoMA มีคุณสมบัติร่วมที่ดีที่สุดในการอธิบายว่าเป็นการสื่อสารถึงความพยายามที่ละเอียดลออและยาวนาน: พวกมันเป็นหลักฐานของการทำงาน “Bound Square” (1972) ดูเหมือนกรอบไม้ธรรมดา แต่เชือกที่พันรอบมุมหลายไมล์บ่งบอกว่า Winsor ใช้เวลานับไม่ถ้วนในการผูกชิ้นงานนี้เข้าด้วยกัน “Four Corners” (1972) เป็นการจัดวางรูปทรงกลมสี่อันบนพื้นอย่างง่าย ๆ แต่ต้องใช้เวลานานเท่าไรในการปั้นลูกบอลเหล่านั้นให้เป็นรูป? เช่นเดียวกับตะปูนับไม่ถ้วนที่ตอกลงบนไม้ใน “Nail Piece” (1970) แสดงถึงความคลั่งไคล้ ในขณะที่ “30 to 1 Bound Trees” (1971-72) ที่ตั้งชื่ออย่างอ้างอิงถึงตัวเอง ดูเหมือนจะตั้งคำถามถึงคุณค่าของงานมนุษย์ทั้งหมดเมื่อเทียบกับธรรมชาติ

Jackie Winsor - Bound Square, 1972 ไม้และเชือกปอ ขนาด 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191.8 x 193 x 36.8 ซม.) มูลนิธิ Joseph G. Mayer, เพื่อเป็นเกียรติแก่ James Thrall Soby และ Grace M. Mayer Fund เพื่อเป็นเกียรติแก่ Alfred H. Barr, Jr. คอลเลกชัน MoMA © 2019 Jackie Winsor

ปฏิกิริยาแรกที่คนส่วนใหญ่อาจมีเมื่อพบกับประติมากรรมอย่าง “Bound Square,” “Four Corners,” “Nail Piece” และ “30 to 1 Bound Trees” คือการชื่นชมความเรียบง่ายแบบนามธรรมของรูปทรง อาจจะตามมาด้วยความรู้สึกดึงดูดอย่างลึกซึ้งต่อความเป็นวัตถุของวัสดุ—ไม้ ปอ และโลหะ แต่สิ่งที่ทำให้เกิดความเชื่อมโยงทางมนุษย์กับรูปทรงและวัสดุเหล่านี้สูงสุดคือการจินตนาการถึงความพยายามที่ใช้ในการสร้างประติมากรรมเหล่านี้ นั่นคือเมื่อเราตระหนักว่ารูปทรงเรขาคณิตง่าย ๆ เหล่านี้ไม่ได้ถูกเลือกเพียงเพราะคุณสมบัติทางนามธรรมของมันเท่านั้น แต่เพราะมันเหมาะสมกับการทำงานซ้ำ ๆ และน่าเบื่อหน่าย การจินตนาการถึงความรู้สึกในการจับไม้ ปอ ค้อน และตะปูในมือของเรานานชั่วโมงเชื่อมโยงประติมากรรมเหล่านี้กับความเป็นมนุษย์ที่มีเนื้อหนังและเลือดจริง ๆ ชิ้นงานเหล่านี้มีอยู่จริงอย่างดื้อรั้นแม้ว่าเราจะสามารถอธิบาย ตรวจสอบ หรือกำหนดความหมายให้กับมันได้ พวกมันยังคงครอบครองพื้นที่ทางปัญญาอย่างดื้อรั้น เฉลิมฉลองด้วยการมีอยู่ของพวกมันถึงความงดงามที่แท้จริงแต่ซับซ้อนของความพยายามทั้งหมด

Jackie Winsor - Burnt Piece, 1977-78 ปูนซีเมนต์ ไม้เผา และตะแกรงลวด ขนาด 33 7/8 x 34 x 34" (86.1 x 86.4 x 86.4 ซม.) ของขวัญจาก Agnes Gund คอลเลกชัน MoMA © 2019 Jackie Winsor

จุดจบของป้ายกำกับ

หนึ่งในป้ายกำกับที่มักถูกใช้กับ Winsor อย่างไม่แน่ชัดคือ “ศิลปะกระบวนการ” ซึ่งเป็นวิธีการอธิบายปรากฏการณ์ทางสุนทรียะที่วัตถุสุดท้ายไม่สำคัญ—แต่กระบวนการสร้างต่างหากที่สำคัญที่สุด สิ่งที่ทำให้คนสับสนเกี่ยวกับ Winsor อย่างไม่ต้องสงสัยคือกระบวนการนั้นมีความสำคัญอย่างชัดเจนต่อผลงานของเธอ จริง ๆ แล้ว ไม่มีสิ่งใดที่เธอสร้างขึ้นได้หากไม่มีการประดิษฐ์กระบวนการใหม่ ๆ ที่มักจะเป็นวิธีและเทคนิคเฉพาะที่อาจมีเพียงสำหรับการสร้างประติมากรรมชิ้นใดชิ้นหนึ่งเท่านั้น แม้ว่ากระบวนการของเธอจะสำคัญมาก แต่ผลลัพธ์สุดท้ายก็ยังคงมีความสำคัญ ใช่ มันเป็นผลลัพธ์ของกระบวนการ และเป็นการยืนยันกระบวนการ แต่ก็เป็นเหตุผลของการมีอยู่ของกระบวนการนั้น หากไม่มีวิสัยทัศน์ของ Winsor ที่ต้องการให้วัตถุมีอยู่จริงในอวกาศและเวลา กระบวนการนั้นก็จะไม่มีเหตุผลที่จะมีอยู่

Jackie Winsor - Laminated Plywood, 1973 ไม้แผ่นหลายชั้น ขนาด 7 1/2 x 48 x 48" (19.1 x 121.9 x 121.9 ซม.) ของขวัญจากมูลนิธิ Gilman เพื่อเป็นอนุสรณ์แก่ J. Frederic Byers III คอลเลกชัน MoMA © 2019 Jackie Winsor

อีกป้ายกำกับหนึ่งที่มักถูกใช้กับ Winsor คือ โพสต์มินิมัลลิสม์ ป้ายกำกับนี้ก็แทบไม่มีความเกี่ยวข้องกับงานของเธอ ศิลปะโพสต์มินิมัลลิสม์ใช้มินิมัลลิสม์เป็นจุดเริ่มต้นหรือจุดอ้างอิง แต่ไม่ได้ยอมรับความเชื่อทางแนวคิดทั้งหมดของมัน Winsor ยืนอยู่เหนือคำอธิบายที่สับสนนี้และป้ายกำกับที่ไม่สมบูรณ์อื่น ๆ เช่นเดียวกับ Marcel Duchamp เธอเป็นขบวนการศิลปะหนึ่งคน เธอนำประติมากรรมที่พูดอย่างมั่นใจเกี่ยวกับความหมายของการมีตัวตน; การมีเนื้อสัมผัส; การครอบครองพื้นที่; การเป็นผลลัพธ์ของการทำงาน เธอสร้างศิลปะที่ประกาศว่ามันมีสิทธิ์ที่จะอยู่ที่นี่เท่ากับก้อนหิน ต้นไม้ หรือสิ่งมีชีวิตใด ๆ ประติมากรรมของเธอไม่จำเป็นต้องได้รับการยืนยันโดยทฤษฎี หรืออธิบายทางวิชาการเพื่อยืนยันตัวตน พวกมันปลดปล่อยเราจากการต้องจัดหมวดหมู่ หรือแม้แต่การเข้าใจ สิ่งที่เราต้องทำเพื่อชื่นชมงานของเธอคือชื่นชมมันในสิ่งที่มันเป็นอย่างไม่อาจปฏิเสธได้: เป็นรูปธรรม; นามธรรม; ลึกลับ; แปลกประหลาด; และเป็นมนุษย์

ภาพเด่น: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970 ปอ ขนาด 36 x 38 นิ้ว (91.4 x 96.5 ซม.) Paula Cooper Gallery © Jackie Winsor
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบเท่านั้น
โดย Phillip Barcio