ลี คราสเนอร์ ที่บาร์บิคัน - มองดูศิลปินในแบบของเธอ
ในฤดูร้อนนี้ หอศิลป์บาร์บิกันในลอนดอนจะจัดแสดงนิทรรศการ Lee Krasner: Living Colour ซึ่งเป็นการจัดแสดงผลงานย้อนหลังครั้งแรกในยุโรปของ Lee Krasner ในรอบกว่าครึ่งศตวรรษ นิทรรศการนี้จะรวบรวมผลงานเกือบ 100 ชิ้นที่ครอบคลุมห้าทศวรรษ ติดตามการเปลี่ยนแปลงของ Krasner จากจิตรกรภาพเหมือนในทศวรรษ 1930 ผ่านอิทธิพลที่เพิ่มขึ้นในฐานะศิลปินแนวแสดงออกนามธรรมรุ่นแรกที่โดดเด่น จนกระทั่งเธอกลายเป็นหนึ่งในเสียงที่ประสบความสำเร็จและเป็นที่รักมากที่สุดในศิลปะนามธรรมอเมริกันศตวรรษที่ 20 ตลอดเส้นทางอาชีพของเธอ Krasner สร้างผลงานศิลปะมากกว่า 600 ชิ้น และกลายเป็นหนึ่งในศิลปินหญิงไม่กี่คนในยุคเดียวกันที่มีการจัดทำแคตตาล็อกผลงานอย่างเป็นทางการ แม้จะมีความสำเร็จเหล่านี้ Krasner มักถูกพูดถึงเพียงในแง่ของความสัมพันธ์กับสามีของเธอ ตำนานผู้ยิ่งใหญ่ แจ็คสัน พอลลอค นักประวัติศาสตร์บางคนยังเคยกล่าวอย่างไม่เหมาะสมว่า เธอเพิ่งจะเติบโตเต็มที่ในฐานะศิลปินหลังจากพอลลอคเสียชีวิตในปี 1956 อย่างไรก็ตาม จากผลงานหลากหลายชุดที่จัดแสดงในนิทรรศการย้อนหลังนี้ จะเห็นได้ชัดว่า Krasner เป็นจิตรกรที่มีความคิดสร้างสรรค์และทดลองอย่างต่อเนื่องด้วยวิสัยทัศน์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง ความแตกต่างที่สำคัญเพียงอย่างเดียวที่การจากไปของพอลลอคมีต่อผลงานของเธอคือเรื่องขนาดของผลงาน ทั้งคู่เคยอาศัยอยู่ในบ้านฟาร์มที่อีสต์แฮมป์ตันชื่อ The Springs Krasnerถูกจำกัดให้ใช้ห้องเล็ก ๆ สองห้องภายในบ้านเป็นสตูดิโอของเธอ—แรกคือห้องนั่งเล่นที่มืด และต่อมาคือห้องนอนชั้นบนหลังจากที่พอลลอคย้ายสตูดิโอออกไปยังโรงนาไม่เสร็จบนที่ดิน เมื่อพอลลอคเสียชีวิต Krasner ย้ายเข้าไปในโรงนา ทำให้เธอได้ทำงานบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่ยิ่งใหญ่ของตัวเอง ซึ่งบางชิ้นจะถูกจัดแสดงในนิทรรศการนี้ อย่างไรก็ตาม ผู้ที่มีโอกาสชมงานนี้จะเห็นได้ชัดว่าขนาดเป็นเพียงแง่มุมหนึ่งของผลงานของเธอ และแทบไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับความเข้าใจที่ทำให้ Krasner เป็นผู้บุกเบิกตั้งแต่ต้นจนถึงเป็นปรมาจารย์จนถึงที่สุด
ค้นหาทางของเธอ
ลีนา คราสเนอร์ เกิดเมื่อวันที่ 27 ตุลาคม 1908 ความชอบแรกของเธอในการทำงานศิลปะเกิดขึ้นอย่างลึกลับเมื่ออายุ 13 ปี เมื่อเธอสมัครเข้าเรียนมัธยมและเขียนคำว่า “ศิลปะ” ลงไปเมื่อถูกถามถึงสาขาที่ต้องการศึกษา แม้เธอจะจำไม่ได้ว่าในตอนนั้นคิดอะไร แต่สิ่งนี้ได้นำพาเธอสู่โชคชะตาที่เติมเต็มอย่างที่สุด—ซึ่งเธอเหมาะสมอย่างยิ่ง อย่างไรก็ตาม สิ่งที่เธอไม่เหมาะสมคือการรับคำสั่งที่เธอเห็นว่าไร้เหตุผล ตลอดการเรียนในมัธยมที่ Cooper Union, National Academy of Design, Art Students League และแม้กระทั่งตอนเรียนกับ ฮานส์ ฮอฟมันน์ เธอมักถูกตำหนิและเคยถูกไล่ออกครั้งหนึ่ง เพราะครูบางคนบอกว่าเธอเป็น “คนที่ชอบก่อกวน” และ “ยืนยันที่จะทำตามใจตัวเองแม้จะขัดกับกฎของโรงเรียน”
Lee Krasner - Imperative, 1976. หอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน ดี.ซี. © มูลนิธิ Pollock-Krasner. โดยความอนุเคราะห์จากหอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน ดี.ซี.
ความมุ่งมั่นของเธออาจทำให้ครูไม่พอใจ แต่ก็ผลักดันให้เธอกล้าค้นพบเสียงที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง เมื่อพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เปิดในปี 1929 เธอบรรยายว่าเป็น “การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่สำหรับฉัน” เธอได้รู้จักแนวโน้มศิลปะยุโรปที่มุ่งสู่ความนามธรรมและรูปแบบ และรู้ทันทีว่าศิลปะแบบภูมิภาคของอเมริกาไม่ใช่ทางของเธอ เธอรับเอาศิลปะแบบ คิวบิสม์ และบทเรียนจากครูบาอูเฮาส์ และมุ่งสู่ทุกแนวทางล้ำสมัยที่เธอสามารถซึมซับได้ แต่ก็ยังคงค้นหาเสียงของตัวเอง เมื่อเธอพบกับพอลลอค เธอพยายามซึมซับทฤษฎีของเขาและผสมผสานเข้ากับความคิดในหัวของเธอเอง อย่างไรก็ตาม จากภาพวาดชื่อ “Igor” ในปี 1943 แสดงให้เห็นว่าในขณะที่พอลลอคกำลังโดดเด่นด้วยผลงานที่ก้าวล้ำ Krasner ก็เริ่มแสดงตัวตนของเธออย่างเข้มแข็ง รูปทรงชีวภาพที่หมุนวนและเส้นสายที่แสดงออกใน “Igor” รวมกันสร้างองค์ประกอบที่ได้รับแรงบันดาลใจจากธรรมชาติแต่มีความนามธรรมอย่างมีพลัง แตกต่างจากสิ่งที่ศิลปินรุ่นเดียวกันทำในเวลานั้น และเป็นสัญญาณของผลงานที่เจิดจรัสและสมบูรณ์แบบที่ Krasner จะสร้างขึ้นในอีกหลายทศวรรษต่อมา
Lee Krasner - Palingenesis, 1971. คอลเลกชันมูลนิธิ Pollock-Krasner. © มูลนิธิ Pollock-Krasner. โดยความอนุเคราะห์จาก Kasmin Gallery, นิวยอร์ก.
ค้นพบตัวเองอีกครั้ง
ในบางแง่มุม อาจกล่าวได้ว่า Krasner สร้างผลงานที่น่าสนใจน้อยที่สุดในช่วงแต่งงานกับพอลลอค โดยการเลียนแบบสไตล์แบบทั่วทั้งผืนผ้าใบของเขา เธอจึงห่างไกลจากสัญชาตญาณที่เริ่มค้นพบในตัวเองกับภาพวาดอย่าง “Igor” ในช่วงที่มีปัญหาทางการเงินมากที่สุด Krasner ถึงกับขูดสีบนผืนผ้าใบของเธอเพื่อให้พอลลอคมีพื้นผิวสำหรับวาดภาพมากขึ้น—ซึ่งเป็นเรื่องที่ทำให้เพื่อนของเธอไม่พอใจ แต่ Krasner ไม่ได้รู้สึกกังวลเลย ผืนผ้าใบที่เธอไม่ได้ขูด เธอก็ฉีกออกเองและใช้เป็นวัสดุดิบสำหรับงานคอลลาจใหม่ หลังจากพอลลอคเสียชีวิต Krasner กลับมาสู่วิสัยทัศน์เดิมของเธอ ภาพวาดชื่อ “Re-echo” (1957) ที่วาดในปีถัดมาหลังพอลลอคเสียชีวิต สะท้อนกลับไปยังภาษาทางสุนทรียะของ “Igor” ผลงานอื่น ๆ จากปีนั้น เช่น “Listen” และ “The Seasons” ขนาดใหญ่ นำวิสัยทัศน์ที่เป็นเอกลักษณ์นี้มาสู่ชีวิตอย่างเต็มที่
Lee Krasner - Icarus, 1964. คอลเลกชันครอบครัว Thomson, นิวยอร์ก. © มูลนิธิ Pollock-Krasner. โดยความอนุเคราะห์จาก Kasmin Gallery, นิวยอร์ก. ภาพถ่ายโดย Diego Flores.
ตลอดสามสิบปีถัดมา Krasner สำรวจทุกมุมมองของสไตล์ส่วนตัวอย่างละเอียดและกระตือรือร้น เธอทำให้เรียบง่ายลงในชุดภาพพิมพ์สกรีนที่น่าทึ่งในทศวรรษ 1970; เธอผสมผสานกับแนวคิดโมเดิร์นนิสม์ยุคแรกอย่างฟิวเจอริสม์ในผลงานอย่าง “Imperative” (1976); เธอเปิดรับผลกระทบจากสื่อใหม่ในชุด “Water” (1969); และสุดท้ายเธอก็นำมันกลับมารวมกันอย่างสมบูรณ์ในช่วงปลายชีวิตด้วยผลงานนีโอคิวบิสม์ที่ไม่มีชื่อในปี 1984 ซึ่งผสมผสานการวาดภาพ การวาดด้วยถ่าน และคอลลาจเข้าด้วยกันเป็นองค์ประกอบที่แสดงถึงวิวัฒนาการทางสไตล์เกือบทุกช่วงชีวิตของเธอในคำประกาศที่ลึกซึ้งและสง่างาม ภาพถ่ายของ Krasner ที่ถ่ายขณะยืนอยู่หน้าผลงานชิ้นนี้—ผลงานสุดท้ายที่เธอสร้าง—แสดงให้เห็นรอยยิ้มอย่างภาคภูมิใจ เส้นสายที่เปล่งประกายของใบหน้าที่งดงามและสมบูรณ์แบบของเธอสอดคล้องกับเส้นสายที่มีชีวิตชีวาของภาพวาดที่อยู่เบื้องหลัง ภาพนี้ของผู้บุกเบิกที่แท้จริงและปรมาจารย์ที่ยิ้มอย่างพอใจในความสำเร็จเฉพาะตัวของเธอ คือสิ่งที่นิทรรศการ Lee Krasner: Living Colour หวังว่าจะนำมาสู่ชีวิตได้ในที่สุด Lee Krasner: Living Colour จะจัดแสดงที่หอศิลป์บาร์บิกัน ลอนดอน สหราชอาณาจักร ตั้งแต่วันที่ 30 พฤษภาคม ถึง 1 กันยายน 2019
ภาพเด่น: Lee Krasner - Another Storm, 1963. คอลเลกชันส่วนตัว. © มูลนิธิ Pollock-Krasner. โดยความอนุเคราะห์จาก Kasmin Gallery, นิวยอร์ก.
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio
