มาร์ติน แบร์เร, ศิลปินนามธรรมที่ถูกลืม, ที่เซ็นเตอร์ ปอมปิดู
นิทรรศการย้อนหลัง มาร์ติน บาเร่ ที่จัดแสดงตั้งแต่วันที่ 14 ตุลาคม 2563 ถึง 4 มกราคม 2564 ที่ศูนย์ปอมปิดู มอบโอกาสให้ได้ชมผลงานที่ครอบคลุมที่สุดของศิลปินลึกลับท่านนี้ที่มีการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง แม้เขาจะมีชื่อเสียงในท้องถิ่น (ผลงาน 20 ชิ้นในนิทรรศการมาจากคอลเลกชันถาวรของปอมปิดู) แต่ก็แน่นอนว่าจะมีผู้ชมจำนวนมากจากนอกประเทศฝรั่งเศสที่ไม่รู้จักศิลปินท่านนี้เลย หากพวกเขามองผลงานของเขาเพียงจากมุมมองร่วมสมัย อาจสงสัยว่าทำไมต้องสนใจด้วย บาเร่ไม่ได้แสดงความกังวลทางสังคมหรือการเมืองใด ๆ ในผลงานของเขา จริง ๆ แล้ว ภาพวาดของเขามักดูเหมือนไม่มีเนื้อหาเลย และก็ไม่ได้โดดเด่นในฐานะวัตถุด้วยซ้ำ แท้จริงแล้ว บาเร่ (1924 — 1993) มักถูกมองข้ามในยุคของเขาเอง อย่างไรก็ตาม สำหรับหลายคน ผลงานของเขามีเสน่ห์ที่ปฏิเสธไม่ได้ เรียบง่าย และบางครั้งดูเหมือนจะเรียบง่ายเกินไป ภาพวาดของเขาซื่อสัตย์ สนุกสนาน และแสดงความเป็นมนุษย์อย่างชัดเจน บาเร่สร้างภาพวาดที่แทบไม่เหมือนภาพวาดเลย และผมรู้สึกว่านั่นคือจุดประสงค์ ตามที่นิทรรศการย้อนหลังที่ปอมปิดูชี้แจง บาเร่ผ่านการเปลี่ยนแปลงสไตล์ภาพอย่างน้อยห้าครั้ง การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้อาจดูไม่สำคัญในแง่ประวัติศาสตร์ศิลปะ แต่ก็ไม่ลดทอนความจริงที่วิวัฒนาการของเขาแสดงให้เห็นอย่างต่อเนื่อง—ว่าหน้าที่เดียวของศิลปินคือความอยากรู้อยากเห็นของตนเอง ในยุคของเรา ที่ศิลปินทุกคนถูกคาดหวังให้สามารถปกป้องผลงานของตนด้วยเหตุผลทางวิชาการ สังคม และการเมืองอย่างเข้มแข็ง บาเร่อาจดูเหมือนไม่จริงจัง แต่ความจริงแล้วเป็นเช่นนั้นเสมอ แม้แต่เมื่อครึ่งศตวรรษก่อน เขาไม่เคยเข้ากับใครได้เลย ด้วยการติดตามความสนใจของตนเอง บาเร่กลายเป็นที่รักของชาวฝรั่งเศสเหมือนที่แอกเนส มาร์ตินเป็นสำหรับชาวอเมริกัน: ผู้เผยพระวจนะแห่งลัทธิมินิมัลลิสม์ทั้งในฐานะวิธีทางสุนทรียะและเส้นทางสู่การรู้จักตนเอง
ผู้บุกเบิกมินิมัลลิสม์
เกิดที่น็องต์ ทางตะวันตกของฝรั่งเศสในปี 1924 บาเร่เล่ากันว่าเดินเท้าจากบ้านเกิดไปยังปารีสในฐานะศิลปินหนุ่มอายุ 19 ปี การเดินทาง 376 กิโลเมตรนี้ใช้เวลาห้าวัน ในทศวรรษถัดมาเขาศึกษาในสถาบันศิลปะหลายแห่งและทดลองใช้วิธีการและภาษาภาพต่าง ๆ เขาเร็ว ๆ นี้ตัดสินใจว่าหนทางเดียวสำหรับเขาคือการทำงานนามธรรม และความสนใจหลักในนามธรรมของเขาคือความสัมพันธ์ระหว่างภาพวาดกับพื้นผิว (หรือผิวที่เตรียมไว้) บาเร่สงสัยว่าอะไรคือองค์ประกอบของภาพวาด อะไรทำให้ภาพวาดแตกต่าง และอะไรที่นับเป็นเนื้อหาในภาพวาด เขาไม่คิดว่าตนเองเป็นผู้บุกเบิกในการตั้งคำถามเหล่านี้ ตรงกันข้าม เขากล่าวถึงภาพวาดที่สร้างขึ้นเมื่อครึ่งศตวรรษก่อนว่า “ภาพวาดทั้งหมดดูเหมือนจะนำไปสู่และเริ่มต้นจาก สี่เหลี่ยมสีดำของมาเลวิช บนพื้นสีขาว”
มาร์ติน บาเร่ - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987 สีน้ำอะคริลิกบนผ้าใบ ขนาด 120 x 120 ซม. ศูนย์ปอมปิดู พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งชาติ ปารีส © ศูนย์ปอมปิดู, MNAM-CCI/แบร์ทร็องด์ เปรโวส์/จัดจำหน่าย RMN-GP © มาร์ติน บาเร่, Adagp, ปารีส 2020
ในภาพวาดนามธรรมยุคแรก ๆ หลายชิ้น บาเร่ใช้รูปสี่เหลี่ยมเพื่อสำรวจความสัมพันธ์ระหว่างภาพกับพื้นผิว แทนที่จะวาดสี่เหลี่ยม เขาปิดกั้นรูปร่างนั้นโดยใช้พื้นที่วาดรอบ ๆ เพื่อกำหนดความว่างเปล่า คำถามง่าย ๆ ที่ภาพวาดเหล่านี้ตั้งขึ้นคือ ความว่างเปล่าสามารถเป็นเนื้อหาได้หรือไม่ ต่อมาเขาทำให้วิธีการของตนเรียบง่ายขึ้นอีก โดยได้รับแรงบันดาลใจจากกราฟฟิตีที่พ่นด้วยสเปรย์ที่เห็นในปารีส เขามองว่ากระป๋องสเปรย์เป็นส่วนขยายที่สมบูรณ์แบบของมือศิลปิน จึงสร้างชุดภาพวาดที่ดูเหมือนเส้นพ่นสเปรย์บนผิวผ้าใบ บางครั้งเขาพ่นเส้นเป็นลวดลาย บางครั้งพ่นเส้นเล็ก ๆ เพียงเส้นเดียวที่มุมผ้าใบ บางครั้งเขาวาดเส้นโค้ง บางครั้งแขวนผ้าใบหลายผืนบนผนังและลากเส้นต่อเนื่องจากผืนหนึ่งไปยังอีกผืนหนึ่ง คุณสมบัติมินิมัลของผลงานเหล่านี้โดดเด่นเมื่อเทียบกับผลงานของศิลปินร่วมสมัยในทศวรรษ 1960 ทำให้บาเร่ได้รับชื่อเสียงว่าเป็นศิลปินต่อต้านวัฒนธรรมและเป็นผู้บุกเบิกมินิมัลลิสม์
มาร์ติน บาเร่ - 57-100x100-A, 1957 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 100 x 100 ซม. คอลเลกชันส่วนตัว ปารีส; โดยความอนุเคราะห์ของ Applicat-Prazan, ปารีส © มาร์ติน บาเร่, Adagp, ปารีส 2020 / ภาพถ่าย: Art Digital Studio
คำถามง่าย ๆ
ในทศวรรษ 1970 บาเร่หยุดวาดภาพเป็นเวลาสี่ปีเพื่อสำรวจสิ่งที่เขาเรียกว่าการถ่ายภาพเชิงแนวคิด ช่วงเวลานี้ในอาชีพของเขาไม่ค่อยถูกนำเสนอในนิทรรศการแกลเลอรี ผมบางครั้งสงสัยว่า หากศิลปะไม่สามารถซื้อขายได้ จะเปลี่ยนวิธีที่ผู้คนเขียนถึงศิลปะอย่างไร โดยปกติผมคิดว่าพวกเขาคงเขียนน้อยลง แต่ในกรณีของบาเร่ ผมเชื่อว่าพวกเขาจะเขียนมากขึ้น โดยเฉพาะเกี่ยวกับช่วงหยุดพักนี้ แม้มันจะไม่สร้างผลงานที่ขายในร้านศิลปะ แต่ก็ส่งผลลึกซึ้งต่อวิธีที่บาเร่เข้าใจคำถามหลักเกี่ยวกับภาพและพื้นผิว เมื่อช่วงเวลานี้สิ้นสุดลง ภาพวาดของเขากลายเป็นหนาแน่นขึ้น มีตารางร่างรองรับเครื่องหมายขีดทับที่วาดด้วยสี ซึ่งถูกปกคลุมด้วยชั้นล้างสีใส ผลงานเหล่านี้ยังคงเป็นเรขาคณิต กลับไปสู่มาเลวิชและสี่เหลี่ยมของเขา แต่ซับซ้อนมากขึ้น และใกล้เคียงกับสิ่งที่ผู้ชมส่วนใหญ่จะถือว่าเป็นเนื้อหามากกว่าผลงานก่อนหน้านี้ของบาเร่
มาร์ติน บาเร่ - 60-T-43, 1960 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 81 x 330 ซม. (สี่ผืน) คอลเลกชันส่วนตัว โดยความอนุเคราะห์ของ Matthew Marks Gallery, นิวยอร์ก / ภาพถ่าย: Ron Amstutz © มาร์ติน บาเร่, ADAGP, ปารีส 2020
ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต บาเร่ได้ปรับปรุงภาษาภาพของเขาอีกครั้ง โดยสร้างชุดผลงานเรขาคณิตขอบคมที่แสดงถึงความสนใจร่วมกับศิลปินนามธรรมยุคแรกอีกคนหนึ่ง: ปีท มอนดริอัน ผลงานสุดท้ายเหล่านี้ ด้วยองค์ประกอบที่สะอาดและเรียบแบน บางครั้งถูกพูดถึงเหมือนเป็นการปฏิเสธผลงานก่อนหน้าที่ดูดิบกว่า อย่างไรก็ตาม ผลงานเหล่านี้ไม่ได้ดูห่างไกลกันมากนัก พวกเขาแสดงเส้นที่วาดบนพื้นผิวเพื่อกำหนดพื้นที่ พื้นที่ที่วาดตั้งคำถามกับพื้นผิว สร้างคำถามว่า ส่วนใดของภาพวาดคือภาพ ตามที่ภาพวาดก่อนหน้านี้ทั้งหมดของเขาทำ ผลงานสุดท้ายเหล่านี้ตั้งคำถามว่าอะไรสำคัญกว่ากัน: เนื้อหาของภาพวาด หรือพื้นผิวที่รองรับ สำหรับผม นี่ไม่ใช่แค่คำถามเกี่ยวกับภาพวาดเท่านั้น แต่ยังเป็นคำถามเกี่ยวกับการดำรงอยู่ในฐานะศิลปิน มันถามว่าสิ่งใดมีคุณค่าในสายตาของผู้อื่น สิ่งใดควรได้รับความสนใจ และสิ่งใดคุ้มค่ากับเวลาของเรา—คำถามง่าย ๆ ที่อาจถูกตั้งขึ้นโดยภาพวาดเรียบง่าย แต่ความเรียบง่ายนี้เปิดโอกาสให้เราได้เรียนรู้เกี่ยวกับตัวเอง
ภาพประกอบ: มาร์ติน บาเร่ - 60-T-45, 1960 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 192 x 253 ซม. (สี่ผืน) ศูนย์ปอมปิดู พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งชาติ ปารีส © ศูนย์ปอมปิดู, MNAM-CCI/แบร์ทร็องด์ เปรโวส์/จัดจำหน่าย RMN-GP © มาร์ติน บาเร่, Adagp, ปารีส 2020
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
