แพทริค เฮอรอน และผลกระทบของเขาต่อศิลปะนามธรรมหลังสงคราม
ในปลายเดือนนี้ จะมีการจัดแสดงผลงานย้อนหลังของจิตรกรนามว่า Patrick Heron ซึ่งเป็นจิตรกรนามธรรมชาวอังกฤษที่มีความสามารถโดดเด่น ที่ Tate St. Ives ซึ่งจะเป็นการกลับบ้านของศิลปินในหลาย ๆ ด้าน เฮอรอนอาศัยอยู่ ทำงาน และเสียชีวิตในปี 1999 ที่หมู่บ้านชาวประมงที่สวยงามแห่งนี้ในคอร์นวอลล์ ประเทศอังกฤษ แม้ว่าเขาจะมีชื่อเสียงในหมู่ชุมชนท้องถิ่น แต่การจัดแสดงนี้จะเป็นครั้งแรกที่วิวัฒนาการทั้งหมดของตำแหน่งทางสุนทรียศาสตร์ของเขาจะถูกนำเสนอในเมืองที่ตอนนี้เป็นที่รู้จักไปทั่วโลกสำหรับ "โรงเรียน" ทางสุนทรียศาสตร์ที่โดดเด่นซึ่งเขาช่วยก่อตั้ง นอกจากนี้ยังจะเป็นการกลับบ้านของเฮอรอนสู่พิพิธภัณฑ์เอง ไม่ว่าพวกเขาจะรู้หรือไม่ก็ตาม ใครก็ตามที่เคยไปเยือน Tate St. Ives ก็ได้อยู่ในบรรยากาศของผลงานของเฮอรอนอย่างน้อยหนึ่งชิ้น เมื่อพิพิธภัณฑ์ถูกสร้างขึ้นในปี 1993 ศิลปินได้รับการว่าจ้างให้สร้างหน้าต่างกระจกสีสำหรับอาคารนี้ สถาปนิกได้ทุ่มเทให้กับการรวมหน้าต่างให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้เพื่อให้แสงสว่างเข้ามาได้มากที่สุด เนื่องจากศิลปินที่ St. Ives มีชื่อเสียงมายาวนานในด้านความสามารถในการจับแสงพิเศษของสถานที่ที่ไม่เหมือนใครนี้ พวกเขาให้เฮอรอนมีหน้าต่างขนาดใหญ่เพียงคนเดียว เขาใช้แนวทางที่ไม่ธรรมดาในการสร้างผลงานของเขา แทนที่จะเปลี่ยนหน้าต่างที่มีอยู่ด้วยหน้าต่างกระจกสีแบบดั้งเดิม เขาได้ติดตั้งแผ่นกระจกสีสี่เหลี่ยมลงบนกระจกที่มีอยู่ ทำให้เกิดหน้าต่างกระจกสีที่ไม่ใช้ตะกั่วที่ใหญ่ที่สุดในโลก หน้าต่างที่สูงกว่า 3 เมตรนี้เป็นการสรุปที่เป็นแบบอย่างของภาษาทัศนศิลป์ที่เฮอรอนพัฒนาขึ้นตลอดอาชีพของเขา มันเป็นผลงานชิ้นเอกของนามธรรมที่มีความเป็นผู้ใหญ่ซึ่งรูปทรงทั้งหมด รูปแบบทั้งหมด เนื้อหาทั้งหมด และความหมายทั้งหมดเกิดจากองค์ประกอบที่เรียบง่ายของสีและแสง.
การพัฒนาความรักในสี
ภาษาเชิงภาพที่ถูกกลั่นอย่างสมบูรณ์ซึ่งถูกผสมผสานเข้าไปในหน้าต่างกระจกสีขนาดใหญ่ของเขาที่ Tate St. Ives ไม่ได้มาอย่างง่ายดายสำหรับ Heron และก็ไม่ได้มาในทันที เขาเริ่มต้นในฐานะศิลปินเชิงรูปทรง โดยเลียนแบบผลงานของศิลปินคนแรกที่สร้างแรงบันดาลใจให้เขา หนึ่งในแรงบันดาลใจที่สำคัญที่สุดคือ Paul Cézanne ซึ่ง Heron ได้เห็นผลงานของเขาเป็นครั้งแรกในปี 1933 เมื่ออายุ 13 ปี วิธีที่ Cézanne จับแสงและสร้างความสัมพันธ์ของสีมีผลกระทบอย่างยาวนานต่อศิลปินหนุ่มคนนี้ สิบปีต่อมา หลังจากที่ Heron ได้เห็นภาพวาดของ Matisse ที่ชื่อ The Red Studio เขาได้รับแรงบันดาลใจให้เปลี่ยนไปสู่การทำงานเชิงนามธรรมอย่างเต็มที่ ภาพวาดนั้นมีผลกระทบอย่างทันทีและลึกซึ้งต่อเขาเพราะวิธีที่มันยกระดับสี ทำให้มันเป็นเนื้อหา สื่อ วัตถุ และความหมายในเวลาเดียวกัน เพียงสี่ปีต่อมาในปี 1947 Heron จะมีนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกที่แกลเลอรีเดียวกันที่เขาเห็น The Red Studio.
แพทริค เฮอรอน - บิ๊ก คอมเพล็กซ์ ไดอะแกรมด้วยอีเมอรัลด์และสีแดง : มีนาคม 1972 - กันยายน 1974, 1974, สีน้ำมันบนผ้าใบ. คอลเลกชันของแคเธอรีน เฮอรอน และซูซานนา เฮอรอน. © มรดกของแพทริค เฮอรอน. สงวนลิขสิทธิ์ทั้งหมด, DACS 2018
เส้นทางที่เฮอรอนเริ่มต้นสู่การนามธรรมเกี่ยวข้องกับการลดรูปทรงที่สามารถจดจำได้ ตัวอย่างที่สมบูรณ์แบบคือภาพวาด Interior with Garden Window เช่นเดียวกับมาติส เขาถูกดึงดูดไปยัง รูปทรงและรูปแบบ ที่เขาเห็นรอบตัวในสภาพแวดล้อมทางสายตาทุกวัน แต่สิ่งที่เฮอรอนต้องการจริงๆ คือการใช้สิ่งเหล่านี้เป็นวิธีในการจัดการกับสีและแสง เขาเป็นคนวิเคราะห์และตรงไปตรงมา ไม่ต้องการประกาศสิ่งใดที่ลึกลับด้วยผลงานของเขา เขาเพียงแค่ต้องการสร้างภาพวาดที่ยกย่องความงามของโลกทางสายตา โดยใช้สี หนึ่งในความก้าวหน้าของเขาเกิดขึ้นในปี 1956 เมื่อเขาหันมาใช้เส้นเป็นวิธีในการสร้างสรรค์องค์ประกอบของเขา ภาพวาด Verticals, January 1956 แสดงเฉพาะเส้นแนวตั้งโดยไม่มีการเสแสร้งว่าเส้นเหล่านั้นแทนสิ่งใดที่เป็นรูปธรรม ภาพวาด Green and Mauve Horizontals นำแนวคิดนี้ไปอีกขั้น โดยการซ้อนเส้นสีซ้อนกันจนไม่มีส่วนใดของภาพวาดที่สำคัญกว่าส่วนอื่นๆ
แพทริค เฮอรอน - ภายในกับหน้าต่างสวน : 1955, 1955, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 1219.2 x 1524 มม. คอลเลกชันส่วนตัว. © มรดกของแพทริค เฮอรอน. สงวนลิขสิทธิ์ทั้งหมด, DACS 2018
จิตรกรและนักคิด
ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1950 เป็นต้นมา เฮอรอนเป็นผู้ปกป้องนามธรรมบริสุทธิ์อย่างเข้มแข็ง เขายังคงทดลองพัฒนาแนวทางที่แตกต่างกันหลายแบบในสไตล์ของเขา ในช่วงเวลาหนึ่ง เขาสร้างสิ่งที่เขาเรียกว่า "ภาพวาดขอบแข็งที่สั่นไหว" ซึ่งมีรูปทรงที่เป็นสีบริสุทธิ์เหมือนใน ภาพวาดนามธรรมขอบแข็ง แต่รูปทรงที่วาดด้วยมือยังคงดูมีชีวิตชีวา หนึ่งในผลกระทบของขอบที่สั่นไหวคือการลดความสำคัญของรูปทรง ทำให้จุดสนใจอยู่ที่ความสัมพันธ์ของสี ต่อมา หลังจากที่ภรรยาของเขาเสียชีวิตอย่างไม่คาดคิด เฮอรอนได้เปลี่ยนแปลงเทคนิคของเขาอย่างมาก แทนที่จะใช้ข้อมือในการควบคุมแปรง เขาเริ่มใช้แขนทั้งหมด แปรงที่ใช้ในงานเหล่านี้มีการเคลื่อนไหวที่มีชีวิตชีวาและมีอารมณ์มากขึ้น เฮอรอนเข้าใจดีว่าจิตใจมนุษย์เชื่อมโยงกับการทำงานของแปรงในภาพวาดและจินตนาการถึงการสร้างสรรค์การเคลื่อนไหวที่ใช้ในการทำเครื่องหมายเหล่านั้นโดยอัตโนมัติ แปรงขนาดใหญ่ของเขาเป็นวิธีการเชื่อมต่อทางอารมณ์กับผู้ชมโดยไม่ทำให้อารมณ์เป็นหัวข้อหลักของงาน.
แพทริค เฮอรอน - เปียโน : 1943, 1943, สีน้ำมันบนกระดาษ. ขอบคุณจากแคเธอรีน เฮอรอน และซูซานนา เฮอรอน. © มรดกของแพทริค เฮอรอน. สงวนลิขสิทธิ์ทั้งหมด, DACS 2018
เราสามารถมั่นใจได้ว่าเฮอรอนตระหนักถึงสิ่งต่าง ๆ เช่น จิตวิทยาของผู้ชม เพราะนอกจากจะเป็นจิตรกรที่มีผลงานมากมายและมีอิทธิพลแล้ว เขายังเขียนเกี่ยวกับปรัชญาที่อยู่เบื้องหลังแนวทางของเขาอย่างกว้างขวางอีกด้วย ในความเป็นจริง ในช่วงต้นอาชีพของเขา เขากลายเป็นที่รู้จักในด้านการวิจารณ์ศิลปะไม่แพ้กับผลงานจิตรกรรมของเขา ความนิยมของเขาในฐานะนักเขียนทำให้เขาต้องยกเลิกคอลัมน์ประจำของเขาเพราะกลัวว่าจะถูกจดจำในฐานะนักเขียนที่วาดภาพมากกว่าที่จะเป็นในทางกลับกัน อย่างไรก็ตาม เขายังคงเขียนเรียงความในแคตตาล็อกและบรรณาธิการที่มีอิทธิพลเป็นครั้งคราวตลอดอาชีพของเขา ผ่านการเขียนเหล่านั้น เราสามารถเห็นว่าเขาคิดอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับทุกด้านของศิลปะของเขา ซึ่งเป็นข้อเท็จจริงที่เน้นย้ำถึงความสำคัญของเขาไม่เพียงแต่ต่อโรงเรียนเซนต์ไอว์ส แต่ยังต่อประวัติศาสตร์ของนามธรรมในอังกฤษโดยทั่วไป นิทรรศการย้อนหลัง Patrick Heron มีผลงาน 45 ชิ้นที่สำรวจการพัฒนาทั้งหมดของอาชีพของศิลปินที่สำคัญนี้ และจัดแสดงที่ Tate St. Ives ตั้งแต่วันที่ 19 พฤษภาคมถึง 30 กันยายน 2018.
ภาพเด่น: แพทริค เฮอรอน - ภาพวาดสวนสีแดง : 3 มิถุนายน - 5 มิถุนายน : 1985 1985, สีน้ำมันบนผ้าใบ. คอลเลกชันของแคเธอรีน เฮอรอน และซูซานนา เฮอรอน. © มรดกของแพทริค เฮอรอน. สงวนลิขสิทธิ์ทั้งหมด, DACS 2018
ภาพทั้งหมดได้รับความอนุเคราะห์จาก Tate St. Ives
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
