การวาดภาพแบบขอบแข็งและความงามของระเบียบเชิงนามธรรม

คุณอยากจะปีนเข้าไปใน ภาพวาดแบบ Hard-edge ไหม? ครั้งหน้าที่คุณไปลาสเวกัส ให้ไปที่โรงแรมและคาสิโน Cosmopolitan ที่ชั้นถนนมีร้านกาแฟ Starbuck’s อยู่ เดินเข้าไปข้างในและมองขึ้นไปที่ผนัง คุณจะสังเกตเห็นจุดสีสดใสที่ทาสีบนพื้นผิวและอุปกรณ์ต่างๆ บนหนึ่งในผนังคุณจะเห็นลายเซ็นของชายผู้ที่ทาสีจุดสีเหล่านี้: ศิลปินและช่างภาพชาวฝรั่งเศส Georges Rousse.

ถ้าคุณเดินไปที่ปลายสุดของห้อง คุณจะเห็นจุดที่ทำเครื่องหมายไว้บนพื้นเชิญชวนให้ผู้ชมยืนอยู่ที่นั่น จากจุดนั้นเพียงจุดเดียว และจากจุดนั้นเท่านั้น วิสัยทัศน์ของรูสซูจะถูกเติมเต็ม พื้นผิวที่ทาสีเหล่านั้นเป็นส่วนหนึ่งของภาพลวงตา การสร้างสรรค์สามมิติของภาพวาดนามธรรมเชิงเรขาคณิตที่ครอบครองพื้นที่สถาปัตยกรรม.

จอห์น แมคลาฟลิน - ไม่มีชื่อ, 1951, น้ำมันบนเมสันไทต์, 23 ¾ × 27 ¾ นิ้ว, ขอบคุณจาก Van Doren Waxter

การวาดภาพแบบขอบแข็งคืออะไร?

คำว่า hard-edge painting ถูกสร้างขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1950 โดย Jules Langsner นักเขียนศิลปะสำหรับหนังสือพิมพ์ Los Angeles Times คำนี้เป็นการอ้างอิงถึงแนวโน้มโบราณที่เริ่มกลับมาอีกครั้งในรูปแบบศิลปะนามธรรมที่หลากหลาย แต่มีความโดดเด่นเป็นพิเศษในแคลิฟอร์เนียในขณะนั้น แนวโน้มนี้เกี่ยวข้องกับการใช้รูปทรงเรขาคณิตที่ทาสีด้วยสีที่สดใสและเต็มไปด้วยสีที่แยกออกจากกันอย่างชัดเจนด้วยขอบที่แข็งและแน่นอน สองจิตรกร hard-edge ชั้นนำที่ Langsner กล่าวถึงเมื่อเขาสร้างคำนี้คือ John McLaughlin และ Helen Lundeberg.

การวาดภาพประเภทนี้ได้ถูกทำมาก่อนหน้านี้เป็นเวลาหลายศตวรรษ และได้แสดงให้เห็นถึงการมีอยู่ในวัฒนธรรมที่แตกต่างกันมากมาย แม้ในขอบเขตของศิลปะนามธรรมตะวันตก แนวโน้มในการทำงานด้วยสีที่สดใส รูปร่างที่ชัดเจน และขอบที่แข็งก็เคยปรากฏขึ้นมาก่อน เช่นในผลงานของ Kazimir Malevich และ Piet Mondrian.

ความงามของการวาดภาพแบบขอบแข็งได้ตกกระแสในช่วงปี 1940 และ 1950 ส่วนหนึ่งเป็นผลมาจากความนิยมที่เพิ่มขึ้นของงานที่มีอารมณ์และการเคลื่อนไหวที่ทำโดยกลุ่มศิลปินนามธรรม (Abstract Expressionists) เมื่อมันถูกนำมาใช้ในความหมายร่วมสมัย คำว่าการวาดภาพแบบขอบแข็ง (hard-edge painting) ไม่ได้หมายถึงสไตล์หรือขบวนการเฉพาะใด ๆ ในการวาดภาพ แต่เป็นแนวโน้มที่ศิลปินสมัยใหม่ในหลายสไตล์ที่แตกต่างกันได้ใช้และยังคงใช้ในความงามของพวกเขา.

เฮเลน ลันเดเบิร์ก - ดาวเคราะห์สีน้ำเงิน, 1965, อะคริลิคบนผ้าใบ, 60 x 60 นิ้ว, คอลเลกชันของมาริลินน์และคาร์ล โธม่า © มูลนิธิศิลปะไฟเทลสัน, ด้วยความอนุเคราะห์จากหลุยส์ สเติร์น ฟายน์ อาร์ตส์

Kazimir Malevich - Red Square, 1915, น้ำมันบนผ้าใบ, 21 × 21 นิ้ว, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ปรัชญาของความงาม

สำหรับหลายคน หนึ่งในองค์ประกอบที่ทำให้สับสนที่สุดของศิลปะนามธรรมคือมันไม่ดึงดูดต่อการนิยามความงามที่เป็นวัตถุประสงค์ อย่างน้อยในโลกตะวันตก ตลอดหลายศตวรรษ ความงามทางสุนทรียศาสตร์ในภาพวาดถูกกำหนดโดยหัวข้อที่เป็นธรรมชาติและมีรูปทรง เช่น ภาพเหมือนและทิวทัศน์ ก่อนที่การเกิดขึ้นของ นามธรรม สำหรับงานศิลปะที่จะถูกพิจารณาว่าสวยงามทางสุนทรียศาสตร์ มักจะคาดหวังว่ามันจะต้องเลียนแบบสิ่งที่ถือว่าสวยงามในโลกวัตถุ เช่น เทวดา หรือบุคคลในประวัติศาสตร์ หรือทุ่งหญ้า.

เมื่อศิลปินเริ่มวิเคราะห์องค์ประกอบของสิ่งที่เรียกว่าการวาดภาพ พวกเขาได้ท้าทายแนวคิดเกี่ยวกับสิ่งที่สามารถสวยงามได้ คุณสมบัติของแสงเพียงอย่างเดียวสามารถถือว่าสวยงามได้หรือไม่? ชาวอิมเพรสชันนิสต์คิดว่าได้ คุณสมบัติของสีเพียงอย่างเดียวสามารถถือว่าสวยงามในเชิงสุนทรียศาสตร์ได้หรือไม่? ชาวออร์ฟิสต์คิดว่าได้ ศิลปินและขบวนการศิลปะหลายคนตั้งแต่นั้นมาได้ท้าทายแนวคิดเกี่ยวกับความสวยงามในเชิงสุนทรียศาสตร์ว่ามีความเกี่ยวข้องหรือไม่ ศิลปะควรมีอะไรเกี่ยวข้องกับความสวยงามหรือไม่?

ปีเอต มอนเดรียน - คอมโพสิชัน II ในสีแดง สีน้ำเงิน และสีเหลือง, 1930, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 46 x 46 ซม., พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน

ความงามของความเป็นระเบียบ

ไม่ว่าจะเป็นเกมปรัชญาที่ศิลปิน นักวิจารณ์ และนักวิชาการเล่นกันอย่างไร ความจริงก็คือความงามมีความสำคัญต่อผู้ชม ผู้ชมงานศิลปะต้องการอยู่ในที่ที่มีวัตถุที่ช่วยทำให้พวกเขารู้สึกดี พวกเขาต้องการให้ศิลปะมีส่วนร่วมกับพวกเขาในเส้นทางการแสวงหาความพอใจ ไม่ว่าจะหมายถึงอะไรสำหรับพวกเขา แม้ว่านักวิจารณ์ศิลปะทุกคนในโลกจะเห็นว่าภาพวาดเฉพาะนั้นมีความสำคัญทางประวัติศาสตร์อย่างมาก แต่ถ้าผู้ชมไม่มีใครต้องการอยู่ใกล้ ๆ มันก็จะทำให้คุณค่าของมันลดลงอย่างถูกต้อง ความจริงพื้นฐานที่ว่ามนุษย์ชอบอยู่ใกล้สิ่งที่มีความสวยงามทางสุนทรียศาสตร์เป็นสิ่งที่ขบวนการศิลปะนามธรรมหลาย ๆ ขบวนการได้ต่อสู้กับมัน และมันเป็นสิ่งที่การวาดภาพแบบขอบแข็งได้ช่วยให้ผู้ชมหลายคนเผชิญหน้า.

มีความงามในระเบียบ มีความงามในเหตุผล มีความงามในสี มีความงามในเส้น มีความงามในสิ่งที่บริสุทธิ์ ไม่ถูกทำลาย สะอาด และมีเหตุผล ในขณะที่ผู้ชมหลายคนแม้ในวันนี้ยังมีปัญหาในการมองเห็นความงามของงานศิลปะ Cubist หรือภาพวาดนามธรรมของ Wassily Kandinsky ในตอนแรก แต่ไม่สามารถปฏิเสธได้ว่ามีบางสิ่งที่ดึงดูด หรืออย่างน้อยก็ทำให้จิตใจพอใจ เกี่ยวกับภาพวาดที่ตอบสนองต่อความต้องการของเราในการมีโครงสร้าง การนามธรรมเชิงเรขาคณิตที่มีขอบแข็งของภาพวาด Suprematist ของ Malevich และภาพวาด De Stijl ของ Mondrian มีความงามเพราะมันเป็นยารักษาโรคทางสุนทรียศาสตร์ต่อความยุ่งเหยิง

แจ็คสัน พอลล็อก - เสาสีน้ำเงิน หรือ หมายเลข 11, 1952, สีอีนาเมลและสีอะลูมิเนียมพร้อมกระจกบนผ้าใบ, 83.5 นิ้ว × 192.5 นิ้ว, หอศิลป์แห่งชาติออสเตรเลีย, แคนเบอร์รา

คำถามเรื่องรสนิยม

แน่นอนว่าไม่มีสิ่งใดที่กล่าวว่าศิลปะนามธรรมประเภทอื่นไม่สวยงาม ความงามเป็นเรื่องของรสนิยม ตัวอย่างเช่น ผู้ชมที่แตกต่างกันมีความสามารถในการคลี่คลายความซับซ้อนที่แตกต่างกัน สิ่งที่ดูเหมือนความยุ่งเหยิงต่อสายตาชุดหนึ่งกลับดูเหมือนสวรรค์ต่ออีกชุดหนึ่ง เห็นได้ชัดว่าทำไมจิตรกรแนวแอ็คชั่นอย่าง Jackson Pollock และ Willem de Kooning ถึงประสบความสำเร็จอย่างมากก็เพราะผู้ชมจำนวนมากพบว่าผลงานของพวกเขาเข้าถึงได้ สัมพันธ์ และสวยงาม แม้ว่าผู้ชมบางคนจะมองว่าภาพวาดอย่าง Blue Poles ของ Pollock เป็นความยุ่งเหยิง แต่ผู้ชมจำนวนมากกว่ากลับมองว่ามันเป็นการแสดงออกถึงความเป็นสากลของมนุษย์และความจริงส่วนตัวที่ดิบเถื่อน.

เหตุผลที่การวาดภาพแบบขอบแข็งกลับมาเป็นที่นิยมในช่วงปี 1950 อาจเป็นเพราะ อับสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ นั้นมีอารมณ์มากเกินไป มันเกิดขึ้นหลังจากช่วงเวลาที่รุนแรงที่สุดที่เต็มไปด้วยความหายนะและความกลัวในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติ หลังสงครามโลกครั้งที่ 2 และการเพิ่มขึ้นของสงครามนิวเคลียร์ มันจึงสมเหตุสมผลที่ผู้ชมที่ต้องเผชิญกับการสูญพันธุ์ของตนเองในทุกๆ วันจากข่าวตอนกลางคืนจะต้องการกลับไปสู่สิ่งที่เอื้อต่อความสงบภายในและความรู้สึกของระเบียบเรียบร้อยมากขึ้น

การวาดภาพแบบขอบแข็งในทศวรรษ 1950 และ 1960 เสนอสิ่งนั้น มันเสนอการกลับสู่คุณสมบัติทางรูปแบบและคลาสสิกของนามธรรมเชิงเรขาคณิต แทนที่จะมองไปที่ความน่ากลัวของจิตใจเราและความยุ่งเหยิงที่มีอยู่ในอารมณ์ดิบของเรา นามธรรมแบบขอบแข็งเสนอที่หลบภัยในพื้นที่ที่มีการพิจารณาและการทำสมาธิ ซึ่งรูปแบบ สี เส้น และพื้นผิวคือสิ่งที่สำคัญที่สุด ที่นั่น เราสามารถทำสมาธิในบล็อกพื้นฐานของสิ่งต่าง ๆ และอาจเปลี่ยนแปลงตัวเราเอง อย่างน้อยก็ชั่วคราว ให้กลายเป็นสิ่งอื่น.

โดนัลด์ จัดด์ - 15 ผลงานที่ไม่มีชื่อในคอนกรีต, 1980-1984, มาร์ฟา, เท็กซัส, มูลนิธิชินาติ, มาร์ฟา

ความเรียบง่ายและอื่นๆ อีกมากมาย

การกลับสู่ความงามที่เป็นทางการและมีขอบที่ชัดเจนช่วยกระตุ้นการพัฒนาทางสร้างสรรค์อย่างมหาศาลในศิลปะนามธรรมในกลางศตวรรษที่ 20 มันกระตุ้นการเกิดขึ้นของจิตรกร Color Field เช่น Kenneth Noland ซึ่งใช้พื้นผิวที่แบนราบและแถบสีขนาดใหญ่เพื่อสร้างภาพวาดที่ทำให้เกิดสมาธิซึ่งผู้ชมสามารถสัมผัสประสบการณ์ที่ยกระดับได้ มันกระตุ้นการนึกคิดของศิลปินเช่น Donald Judd และผู้ที่เกี่ยวข้องกับ Minimalism ซึ่งบรรลุถึงจุดสูงสุดของการแสดงออกที่ไม่มีอารมณ์โดยการยอมรับความเป็นทางการทางสุนทรียศาสตร์.

เจมส์ เทอร์เรล - เรธโร พิงค์ (การฉายมุม), 1968, © เจมส์ เทอร์เรล

มรดกที่ยิ่งใหญ่กว่า

การวาดภาพแบบ Hard-edge ยังเป็นแรงบันดาลใจให้กับศิลปินของขบวนการแสงและพื้นที่ ใครก็ตามที่เคยอยู่ภายในงานที่ดื่มด่ำของ James Turrell หรือพบกับหนึ่งในผลงานของเขาที่ใช้ "apertures" ซึ่งเป็นรูที่ตัดเป็นขอบแข็งบนพื้นผิวที่อนุญาตให้แสงเข้ามา สามารถเห็นความเชื่อมโยงระหว่างงานนี้และการวาดภาพแบบ Hard-edge ได้อย่างชัดเจน.

แม้แต่นักประดิษฐ์งานติดตั้ง เจมส์ เออร์วิน ก็ถูกเชื่อมโยงกับมรดกของจิตรกรแนวฮาร์ดเอดจ์ผ่านผลงานแสงของเขา ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงที่สุดคือการติดตั้งอะคริลิกของเออร์วิน ซึ่งชิ้นอะคริลิกที่ชัดเจน โค้ง และเป็นวงกลมจะยื่นออกมาจากผนังแล้วถูกแสงส่อง ทำให้เกิดเส้น รูปทรงเรขาคณิต และการเล่นของแสงและเงาบนพื้นผิวรอบๆ ผลงานเหล่านี้ขยายหลักการของการวาดภาพแนวฮาร์ดเอดจ์เข้าสู่พื้นที่สามมิติ ทำให้ผู้ชมสามารถเข้าไปมีส่วนร่วมได้.

Robert Irwin - ไม่มีชื่อ, 1969m สีอะคริลิกบนอะคริลิกหล่อ, เส้นผ่านศูนย์กลาง 137 ซม., © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก  

เรื่องของมุมมอง

ไม่ว่าจะเป็นการวาดภาพแบบขอบแข็งที่สวยงามกว่าการวาดภาพที่มีอารมณ์มากกว่าหรือในทางกลับกันนั้นเป็นเพียงเรื่องของความคิดเห็น และความคิดเห็นก็เปลี่ยนแปลงได้ หากย้อนกลับไปที่ Starbucks ในลาสเวกัส เราจะเห็นว่านี่คือแก่นแท้ที่แท้จริงของข้อความที่ Georges Rousse อาจพยายามสื่อสารผ่านผลงานของเขา การวาดภาพแบบขอบแข็งของรูปทรงเรขาคณิตสามารถมอบความเป็นระเบียบและความชัดเจนให้กับเรา แต่ไม่ใช่ทุกคนที่จะพบความสุขในความเป็นระเบียบและความชัดเจน บางคนชอบให้สิ่งต่าง ๆ ดูยุ่งเหยิง บางคนสนุกกับความยุ่งเหยิง ความงามที่แท้จริงของผลงานขอบแข็งของ Rousse คือการที่เพียงแค่ก้าวไปในทิศทางใดทิศทางหนึ่ง ขอบจะนุ่มนวลและเปลี่ยนแปลง พวกเขาพิสูจน์ว่ามุมมองนั้นคือทุกสิ่งทุกอย่างจริง ๆ

ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ