การวาดภาพแบบขอบแข็งและความงามของระเบียบเชิงนามธรรม

คุณอยากจะปีนเข้าไปใน ภาพวาดขอบแข็ง ไหม? ครั้งหน้าที่คุณไปลาสเวกัส ให้ไปที่โรงแรมและคาสิโน Cosmopolitan ที่ชั้นถนนจะมีร้านกาแฟสตาร์บัคส์ เดินเข้าไปข้างในแล้วมองขึ้นไปที่ผนัง คุณจะเห็นแผ่นสีสดใสของสีพื้นฐานทาบนพื้นผิวและอุปกรณ์ต่าง ๆ บนผนังหนึ่งผนัง คุณจะเห็นลายเซ็นของชายผู้วาดแผ่นสีเหล่านี้: ศิลปินและช่างภาพชาวฝรั่งเศส Georges Rousse

ถ้าคุณเดินไปยังปลายสุดของห้อง คุณจะเห็นจุดที่ทำเครื่องหมายบนพื้นเชิญชวนให้ผู้ชมยืนอยู่ ณ จุดนั้น จากจุดเดียว และเพียงจุดนั้น วิสัยทัศน์ของ Rousse จะสมบูรณ์ พื้นผิวที่ทาสีนั้นเป็นส่วนหนึ่งของภาพลวงตา การแสดงผลสามมิติของภาพวาดนามธรรมเรขาคณิตที่ครอบครองพื้นที่สถาปัตยกรรม

John McLaughlin - ไม่มีชื่อเรื่อง, 1951, สีน้ำมันบนเมสโซไนต์, 23 ¾ × 27 ¾ นิ้ว, ขอบคุณจาก Van Doren Waxter

ภาพวาดขอบแข็งคืออะไร?

คำว่า ภาพวาดขอบแข็ง ถูกบัญญัติขึ้นในปลายทศวรรษ 1950 โดย Jules Langsner นักเขียนศิลปะของหนังสือพิมพ์ Los Angeles Times คำนี้หมายถึงแนวโน้มโบราณที่เริ่มกลับมาในรูปแบบศิลปะนามธรรมหลากหลายรูปแบบ แต่โดดเด่นเป็นพิเศษในแคลิฟอร์เนียในเวลานั้น แนวโน้มนี้เกี่ยวข้องกับการใช้รูปทรงเรขาคณิตที่ทาสีด้วยสีสดใสเต็มที่ แยกจากกันอย่างชัดเจนด้วยขอบที่แข็งและมั่นคง ศิลปินภาพวาดขอบแข็งสองคนที่ Langsner อ้างถึงเมื่อบัญญัติคำนี้คือ John McLaughlin และ Helen Lundeberg

ภาพวาดประเภทนี้เคยมีมาก่อนเป็นร้อยปี และได้แสดงตัวตนในวัฒนธรรมต่าง ๆ มากมาย แม้ในวงการศิลปะนามธรรมตะวันตก แนวโน้มการใช้สีสด รูปทรงชัดเจน และขอบแข็งก็เคยปรากฏมาก่อน เช่น ในผลงานของ Kazimir Malevich และ Piet Mondrian

ความงามของภาพวาดขอบแข็งเคยตกยุคในทศวรรษ 1940 และ 50 ส่วนหนึ่งเพราะความนิยมที่เพิ่มขึ้นของงานที่แสดงอารมณ์และท่าทางโดยศิลปินนามธรรมแสดงออก แต่ในความหมายร่วมสมัย คำว่า ภาพวาดขอบแข็ง ไม่ได้หมายถึงสไตล์หรือขบวนการใดขบวนการหนึ่งโดยเฉพาะ แต่หมายถึงแนวโน้มที่ศิลปินสมัยใหม่ในหลายสไตล์ได้นำมาใช้และยังคงใช้ในความงามของพวกเขา

Helen Lundeberg - Blue Planet, 1965, อะคริลิกบนผ้าใบ, 60 x 60 นิ้ว, คอลเลกชัน Marilynn และ Carl Thoma. © Feitelson Arts Foundation, ขอบคุณ Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Red Square, 1915, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 21 × 21 นิ้ว, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ปรัชญาแห่งความงาม

สำหรับหลายคน หนึ่งในองค์ประกอบที่ทำให้ศิลปะนามธรรมสับสนที่สุดคือมันไม่ดึงดูดตามนิยามความงามที่เป็นวัตถุ อย่างน้อยในโลกตะวันตก ความงามในภาพวาดถูกกำหนดโดยเรื่องธรรมชาติและรูปคน เช่น ภาพเหมือนและทิวทัศน์ ก่อนการเกิดขึ้นของ นามธรรม เพื่อให้ผลงานศิลปะถูกมองว่าสวยงามตามหลักสุนทรียะ มักคาดหวังให้เลียนแบบสิ่งที่ถือว่าสวยงามในโลกวัตถุ เช่น เทวดา บุคคลในประวัติศาสตร์ หรือทุ่งหญ้า

เมื่อศิลปินเริ่มวิเคราะห์องค์ประกอบของภาพวาด พวกเขาท้าทายแนวคิดว่าสิ่งใดจะสวยงามได้ คุณสมบัติของแสงเพียงอย่างเดียวจะถือว่าสวยงามได้ไหม? ศิลปินอิมเพรสชันนิสต์คิดเช่นนั้น สีเพียงอย่างเดียวจะถือว่าสวยงามได้ไหม? ศิลปินออร์ฟิสต์คิดเช่นนั้น ศิลปินและขบวนการศิลปะหลายกลุ่มต่อมาท้าทายแนวคิดว่าความงามทางสุนทรียะยังเกี่ยวข้องหรือไม่ ศิลปะควรเกี่ยวข้องกับความงามหรือไม่?

Piet Mondrian - Composition II in Red, Blue, and Yellow, 1930, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 46 x 46 ซม., พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน

ความงามของระเบียบ

ไม่ว่าจะเป็นเกมทางปรัชญาที่ศิลปิน นักวิจารณ์ และนักวิชาการเล่นกัน ความจริงก็คือความงามมีความสำคัญต่อผู้ชม ผู้ชมศิลปะต้องการอยู่ใกล้วัตถุที่ช่วยให้พวกเขารู้สึกดี พวกเขาต้องการให้ศิลปะมีส่วนร่วมกับพวกเขาในการแสวงหาความพึงพอใจ ไม่ว่าจะหมายความว่าอย่างไรกับพวกเขา แม้ว่านักวิจารณ์ศิลปะทุกคนในโลกจะมองว่าภาพวาดใดภาพวาดหนึ่งมีความสำคัญทางประวัติศาสตร์อย่างยิ่งใหญ่ หากไม่มีผู้ชมอยากอยู่ใกล้ภาพนั้น มูลค่าของมันก็ลดลงอย่างถูกต้อง ความจริงพื้นฐานที่มนุษย์ชอบอยู่ใกล้สิ่งที่สวยงามตามสุนทรียะเป็นสิ่งที่ขบวนการศิลปะนามธรรมหลายกลุ่มได้ต่อสู้ และภาพวาดขอบแข็งช่วยให้ผู้ชมหลายคนเผชิญกับเรื่องนี้

มีความงามในระเบียบ มีความงามในเหตุผล มีความงามในสี มีความงามในเส้น มีความงามในสิ่งที่บริสุทธิ์ ไม่ถูกทำลาย สะอาด และสมเหตุสมผล แม้ว่าผู้ชมหลายคนในปัจจุบันยังคงมีปัญหาในการเห็นความงามของงานคิวบิสต์ หรืองานนามธรรมของ Wassily Kandinsky แต่ปฏิเสธไม่ได้ว่ามีบางสิ่งที่ดึงดูดใจ หรืออย่างน้อยก็ทำให้จิตใจพึงพอใจ เกี่ยวกับภาพวาดที่ตอบสนองความต้องการโครงสร้างของเรา ภาพนามธรรมเรขาคณิตขอบแข็งของภาพวาด Suprematist ของ Malevich และภาพวาด De Stijl ของ Mondrian นั้นงดงามเพราะเป็นการเยียวยาทางสุนทรียะต่อความวุ่นวาย

Jackson Pollock - Blue Poles, หรือ Number 11, 1952, สีเคลือบและสีอะลูมิเนียมกับแก้วบนผ้าใบ, 83.5 นิ้ว × 192.5 นิ้ว, หอศิลป์แห่งชาติออสเตรเลีย, แคนเบอร์รา

เรื่องของรสนิยม

แน่นอนว่านี่ไม่ได้หมายความว่าศิลปะนามธรรมประเภทอื่นไม่สวย ความงามเป็นเรื่องของรสนิยม ตัวอย่างเช่น ผู้ชมแต่ละคนมีความสามารถแตกต่างกันในการคลี่คลายความซับซ้อน สิ่งที่ดูเหมือนความวุ่นวายสำหรับตาคนหนึ่งอาจดูสงบสุขสำหรับอีกคน เหตุผลที่ศิลปินแอ็กชันเพนเตอร์อย่าง Jackson Pollock และ Willem de Kooning ประสบความสำเร็จมากเพราะผู้ชมจำนวนมากพบว่างานของพวกเขาเข้าถึงง่าย สัมพันธ์ได้ และสวยงาม แม้ว่าผู้ชมบางคนจะมองภาพวาดอย่าง Blue Poles ของ Pollock ว่าเป็นความยุ่งเหยิง แต่ผู้ชมส่วนใหญ่กลับมองว่าเป็นการแสดงออกถึงความเป็นสากลของมนุษย์และความจริงส่วนตัวขั้นพื้นฐาน

เหตุผลที่ภาพวาดขอบแข็งกลับมาได้รับความนิยมในทศวรรษ 1950 อาจเป็นเพราะ ศิลปะนามธรรมแสดงออก มีความรู้สึกมาก มันเกิดขึ้นหลังจากช่วงเวลาที่รุนแรง สลดใจ และน่ากลัวที่สุดในประวัติศาสตร์มนุษยชาติ หลังสงครามโลกครั้งที่สองและการเกิดขึ้นของสงครามนิวเคลียร์ เป็นเรื่องสมเหตุสมผลที่ผู้ชมที่เผชิญกับวันสิ้นโลกของตนเองในข่าวค่ำคืนวันแล้ววันเล่าจะต้องการกลับไปหาสิ่งที่ช่วยให้จิตใจสงบและมีระเบียบ

ภาพวาดขอบแข็งในทศวรรษ 1950 และ 60 มอบสิ่งนั้น มันนำกลับสู่คุณสมบัติทางรูปแบบและคลาสสิกของนามธรรมเรขาคณิต แทนที่จะมองความน่าสะพรึงกลัวของจิตใจและความวุ่นวายที่ฝังอยู่ในอารมณ์ขั้นพื้นฐาน ภาพนามธรรมขอบแข็งมอบที่หลบภัยในพื้นที่ที่สงบและไตร่ตรอง ที่ซึ่งรูปทรง สี เส้น และพื้นผิวเป็นสิ่งสำคัญ ที่นั่น เราสามารถไตร่ตรองบล็อกพื้นฐานของสิ่งต่าง ๆ และอาจเปลี่ยนแปลงตัวเอง อย่างน้อยก็ชั่วคราว เป็นสิ่งอื่น

Donald Judd - 15 ผลงานไม่มีชื่อในคอนกรีต, 1980-1984, Marfa, TX, มูลนิธิ Chinati, Marfa

มินิมัลลิสม์และอื่น ๆ

การกลับสู่ความงามแบบขอบแข็งช่วยจุดประกายวิวัฒนาการสร้างสรรค์ครั้งใหญ่ในศิลปะนามธรรมกลางศตวรรษที่ 20 มันเป็นแรงบันดาลใจให้เกิดศิลปินภาพวาดสีพื้น เช่น Kenneth Noland ที่ใช้พื้นผิวแบนและสีขนาดใหญ่เพื่อสร้างภาพวาดที่ทำให้ผู้ชมสัมผัสประสบการณ์เหนือจริง มันเป็นแรงบันดาลใจให้เกิดขบวนการนามธรรมหลังภาพวาด ซึ่งมุ่งเน้นการปกปิดฝีมือศิลปินและเน้นคุณสมบัติทางรูปแบบ เช่น สี เส้น รูปทรง และพื้นผิว นอกจากนี้ยังช่วยจุดประกายความคิดของศิลปินอย่าง Donald Judd และผู้ที่เกี่ยวข้องกับ มินิมัลลิสม์ ที่บรรลุการแสดงออกที่ไร้อารมณ์โดยยอมรับความงามทางรูปแบบ

James Turrell - Raethro Pink (การฉายมุม), 1968, © James Turrel

มรดกที่ยิ่งใหญ่กว่า

ภาพวาดขอบแข็งยังเป็นแรงบันดาลใจให้ศิลปินในขบวนการแสงและพื้นที่ ใครก็ตามที่เคยอยู่ในงานศิลปะที่ดื่มด่ำของ James Turrell หรือพบกับงานของเขาที่ใช้ “ช่องเปิด” รูขอบแข็งที่เจาะในพื้นผิวเพื่อให้แสงผ่านได้ จะเห็นความเชื่อมโยงระหว่างงานนี้กับภาพวาดขอบแข็งอย่างชัดเจน

แม้แต่ศิลปินติดตั้ง James Irwin ก็ถูกเชื่อมโยงกับมรดกของศิลปินภาพวาดขอบแข็งผ่านงานแสงของเขา ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงที่สุดคือการติดตั้งอะคริลิกของ Irwin ซึ่งชิ้นอะคริลิกใสโค้งเป็นวงกลมถูกยื่นออกมาจากผนังแล้วถูกแสงส่อง สร้างเส้น รูปแบบเรขาคณิต และการเล่นของแสงและเงาบนพื้นผิวรอบ ๆ งานเหล่านี้ขยายหลักการของภาพวาดขอบแข็งสู่พื้นที่สามมิติ ทำให้ผู้ชมสามารถเข้าไปอยู่ในนั้นได้

Robert Irwin - ไม่มีชื่อเรื่อง, 1969, สีอะคริลิกบนอะคริลิกหล่อ, เส้นผ่านศูนย์กลาง 137 ซม., © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก

เรื่องของมุมมอง

ไม่ว่าจะเป็นภาพวาดขอบแข็งสวยงามกว่าสไตล์ที่แสดงอารมณ์หรือไม่ เป็นเรื่องของความคิดเห็น และความคิดเห็นเปลี่ยนแปลงได้ กลับไปที่ร้านสตาร์บัคส์ในลาสเวกัส เราจะเห็นว่านั่นคือแก่นแท้ของข้อความที่ Georges Rousse อาจพยายามสื่อด้วยงานของเขา ภาพวาดขอบแข็งของรูปทรงเรขาคณิตสามารถให้ระเบียบและความชัดเจนแก่เรา แต่ไม่ใช่ทุกคนที่จะพบความสุขในระเบียบและความชัดเจน บางคนชอบสิ่งที่ไม่เป็นระเบียบ บางคนชอบความวุ่นวาย ความงามแท้จริงของงานขอบแข็งของ Rousse คือด้วยก้าวง่าย ๆ ไปในทิศทางใดก็ได้ ขอบจะนุ่มนวลและเปลี่ยนแปลง พิสูจน์ว่ามุมมองคือทุกสิ่ง

ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio