เรื่องราวเบื้องหลัง Composition VII ของวาซิลี คันดินสกี

“Composition VII” (1913) โดย Wassily Kandinsky ถือเป็นภาพวาดที่สำคัญที่สุดในศตวรรษที่ 20 สำหรับผู้ที่ชื่นชอบศิลปะนามธรรมหลายคน—บางทีอาจเป็นภาพวาดนามธรรมที่สำคัญที่สุดเท่าที่เคยสร้างมา อย่างไรก็ตาม เมื่อใครสักคนได้เห็นภาพนี้เป็นครั้งแรก มักจะมีปฏิกิริยาในทางลบ แสดงความโกรธ ความหงุดหงิด หรือแม้แต่ความรังเกียจ อย่างไม่อาจปฏิเสธได้ว่าภาพนี้เป็นภาพที่ยาก โดยเฉพาะสำหรับผู้ที่เพิ่งเริ่มรู้จักศิลปะนามธรรม ก่อนอื่นเลย ภาพนี้มีขนาดใหญ่โตมาก วัดได้ 200 x 300 เซนติเมตร ประการที่สอง พื้นผิวถูกปกคลุมด้วยรูปทรงที่ไม่ชัดเจนซ้อนทับกันนับไม่ถ้วน เส้นสายที่ดูเหมือนสุ่ม และสีสันมากมาย บางสีสดใส บางสีเบลอ ไม่มีสิ่งใดอ้างอิงถึงโลกธรรมชาติที่รู้จัก มีเพียงภาพลวงตาของความลึกที่รับรู้ได้ แต่พื้นที่ที่ลึกลงไปนั้นไม่เหมือนกับความเป็นจริง ภาพนี้อาจดูเหมือนไร้สาระสำหรับใครก็ตามที่ไม่เต็มใจจะพยายามไขความลับของมัน แต่สำหรับผู้ที่เต็มใจศึกษาด้วยใจเปิดกว้าง “Composition VII” สามารถให้ผลตอบแทนทางปัญญา ทางสายตา และแม้แต่ทางจิตวิญญาณที่ยาวนานตลอดชีวิต และผมไม่ได้พูดเกินจริง ภาพนี้มีความสำคัญต่อบางคนจริงๆ—ไม่ใช่เพียงเพราะคุณสมบัติทางสายตา ทางกายภาพ หรือทางรูปแบบเท่านั้น แต่เพราะสำหรับ Kandinsky และผู้ที่ชื่นชมเขา “Composition VII” ได้กลายเป็นตัวแทนที่ชัดเจนของความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณในศิลปะ

บันไดสู่เจ็ด

ระหว่างปี 1910 ถึง 1939 Kandinsky วาดภาพบนผืนผ้าใบ 10 ชิ้นที่เขาตั้งชื่อว่า “Composition” ปัจจุบันเหลือภาพเพียงเจ็ดภาพเท่านั้น ภาพสามภาพแรกถูกทำลายไปในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 1 แต่ยังมีภาพถ่ายของสามภาพแรกเหล่านั้นอยู่ แม้ว่าจะไม่มีข้อมูลสี แต่เราสามารถสังเกตได้จากภาพถ่ายเหล่านั้นถึงเบาะแสบางอย่างเกี่ยวกับแก่นแท้ของการเดินทางทางสายตาที่ Kandinsky กำลังดำเนินอยู่ในขณะที่สร้างแต่ละภาพ การเดินทางนั้นเริ่มต้นด้วยการเปลี่ยนภูมิทัศน์และรูปคนแบบดั้งเดิมให้กลายเป็นมวลชีวภาพที่เรียบง่าย จากนั้นจึงค่อยๆ ดึงมวลเหล่านั้นให้กลายเป็นรูปทรงที่นามธรรมมากขึ้นเรื่อยๆ ใน “Composition III” ตัวอย่างเช่น รูปทรงของมนุษย์และสัตว์ยังคงสามารถจดจำได้ กำลังเคลื่อนไหว อาจจะเล่นหรืออาจจะต่อสู้ หรือทั้งสองอย่างในสภาพแวดล้อมชนบท แต่ใน “Composition IV” (1911) รูปทรงแทบจะไม่สามารถจดจำได้เลย Kandinsky บอกเราว่าในภาพนี้มีรูปคนที่นอนเอนอยู่ด้านล่างขวา และมีสองหอคอยตั้งอยู่บนเนินเขาด้านบนขวา เป็นฉากที่เขาอธิบายว่าเป็นสงครามและสันติภาพพร้อมกัน แต่สำหรับผมแล้วคงยากที่จะสรุปเช่นนี้โดยไม่มีคำอธิบายของเขา

Wassily Kandinski - Composition VI, 1913. สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 195 x 300 ซม. พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจ

“Composition V” (1911) นามธรรมมากขึ้นอีก และความรู้สึกที่แสดงออกในภาพนี้ก็เข้มข้นกว่าภาพ Composition ก่อนหน้า ในภาพนี้ รูปทรงยังคงมีความเกี่ยวข้องกับโลกธรรมชาติอยู่บ้าง เนื่องจากมีรูปทรงที่คล้ายมนุษย์และลักษณะธรรมชาติบางอย่าง แม้จะถูกลดทอนแล้วก็ตาม แทรกอยู่ทั่วภาพ อย่างไรก็ตาม “Composition VI” ซึ่ง Kandinsky วาดขึ้นสองปีหลังจาก “Composition V” นั้นเกือบจะนามธรรมโดยสมบูรณ์ คุณสมบัติที่โดดเด่นที่สุดคือเส้นสาย เช่น เส้นขนานหกเส้นตรงกลางภาพที่ดูคล้ายคอกีตาร์ ภาพนี้ตามที่ Kandinsky กล่าวถึงคือ “น้ำท่วม” หมายถึงเรื่องราวในพระคัมภีร์ของโนอาห์ เขาพยายามกลั่นกรองสาระสำคัญทางอารมณ์ จิตใจ และจิตวิญญาณของเรื่องราว—การทำลายล้างและการสร้างใหม่; ความกลัวและความหวัง—ให้กลายเป็นการสำรวจทางสายตาเกี่ยวกับความสมดุลและความกลมกลืน เกี่ยวกับ “Composition VI” เขาเขียนว่า “แรงจูงใจดั้งเดิมของภาพ (น้ำท่วม) ถูกละลายและถ่ายโอนไปสู่การดำรงอยู่ภายในที่เป็นอิสระและเป็นวัตถุบริสุทธิ์ในเชิงภาพ” อย่างไรก็ตาม ภาพนี้ยังคงมีองค์ประกอบที่เป็นรูปธรรมบางส่วน ซึ่งเชื่อมโยงภาษาทางสายตาของภาพกับโลกภายนอก

การแสดงออกของความรู้สึกภายใน

“Composition VII” ถือว่าสำคัญมากเพราะเป็นครั้งแรกที่ Kandinsky รู้สึกว่าเขาบรรลุอุดมคติที่ซีรีส์ Composition ตั้งใจจะสื่อ ในย่อหน้าสุดท้ายของบทสุดท้ายในหนังสือสำคัญของเขา Concerning the Spiritual in Art ซึ่ง Kandinsky เผยแพร่ในปี 1910 เขาอธิบายแรงบันดาลใจทางศิลปะสามประเภท ประเภทแรกที่เขาเรียกว่า “impression” คือการรับรู้ศิลปะโดยตรงจากธรรมชาติภายนอก ประเภทที่สองที่เขาเรียกว่า “improvisation” คือ “การแสดงออกโดยไม่รู้ตัวและเกิดขึ้นโดยอัตโนมัติ” คล้ายกับการวาดภาพอัตโนมัติของกลุ่มเซอร์เรียลลิสต์ในภายหลัง ประเภทที่สามที่เขาเรียกว่า “composition” คือ “การแสดงออกของความรู้สึกภายในที่ค่อยๆ ก่อตัวขึ้น ซึ่งจะปรากฏออกมาเมื่อผ่านการเจริญเติบโตอย่างยาวนาน” สำหรับ “Composition VII” วลี “การเจริญเติบโตอย่างยาวนาน” เป็นกุญแจสำคัญ เมื่อเขาวาด “Composition VII” Kandinsky อาศัยอยู่ที่มิวนิก จากบันทึกประวัติศาสตร์ที่เขาเก็บไว้ในเวลานั้น เรารู้ว่าเขาวางแผน “Composition VII” เป็นเวลาหลายเดือน โดยสร้างภาพร่างเบื้องต้นมากกว่า 30 ชิ้นในสื่อหลากหลาย ภาพร่างแต่ละชิ้นก่อร่างสู่ภาพที่ปราศจากทั้ง “impression” และ “improvisation” อย่างสมบูรณ์

Wassily Kandinski - Composition VII, 1913. สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 79 x 119 นิ้ว (200.6 x 302.2 ซม.) หอศิลป์ Tretyakov

ไม่นานหลังจากเสร็จสิ้นผลงานชิ้นสำคัญนี้ Kandinsky ถูกบังคับให้กลับรัสเซียเนื่องจากสงครามโลกครั้งที่ 1 ที่ปะทุขึ้น เขารู้สึกท้อแท้กับสงครามจนแทบไม่ได้วาดภาพเลยเป็นเวลาหลายปี ใช้เวลาถึง 10 ปีก่อนที่เขาจะกลับมาทำซีรีส์ Composition ต่อ “Composition VIII” (1923) แปลงภาพนามธรรมของภาพก่อนหน้าให้กลายเป็นภาษาทางสายตาที่เป็นเรขาคณิตล้วนๆ “Composition IX” ซึ่งเสร็จสมบูรณ์ในปี 1936 ไม่ใช่นามธรรมล้วน แต่กลับนำแนวคิดของ “impression” กลับมาโดยเพิ่มรูปทรงดอกไม้และภาพธรรมชาติอื่นๆ “Composition X” (1939) ซึ่งเสร็จสมบูรณ์ห้าปีก่อน Kandinsky เสียชีวิต มีความหมายเชิงสัญลักษณ์สูง และดูทันสมัยอย่างน่าตกใจ แม้ในปัจจุบัน อย่างไรก็ตาม แม้ภาพ Composition ที่ตามมาทั้งหมด และภาพหกภาพก่อนหน้านั้นจะถือเป็นภาพที่มีวิสัยทัศน์ แต่สิ่งที่ทำให้ “Composition VII” โดดเด่นคือการที่มันบรรลุถึงนามธรรมที่มีความคิด รอบคอบ เป็นระบบ และสมบูรณ์แบบ ซึ่งเป็นอุดมคติสูงสุดที่ Kandinsky พยายามจะบรรลุ ไม่เพียงแต่ในซีรีส์นี้เท่านั้น แต่ในผลงานทั้งหมดของเขาในศตวรรษที่ 20 นี่เป็นครั้งแรกที่ Kandinsky บรรลุสิ่งที่เขาเชื่อว่านักดนตรีบรรลุด้วยดนตรี: การแปลความรู้สึกอย่างบริสุทธิ์เป็นองค์ประกอบนามธรรมที่สามารถแสดงออกถึงจิตวิญญาณของมนุษย์ได้

ภาพเด่น: Wassily Kandinski - Composition V, 1911. สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 74.8 x 108.2 นิ้ว (190 x 275 ซม.) คอลเลกชันส่วนตัว
ภาพทั้งหมดจาก Wikimedia Commons.
โดย Phillip Barcio