เรื่องราวเบื้องหลัง Composition VII ของวาซิลี คันดินสกี

“Composition VII” (1913) โดย Wassily Kandinsky ถือเป็นภาพวาดที่สำคัญที่สุดในศิลปะนามธรรมของศตวรรษที่ 20—อาจจะเป็นภาพวาดนามธรรมที่สำคัญที่สุดที่เคยสร้างขึ้นมาเลยก็ว่าได้ อย่างไรก็ตามบ่อยครั้งเมื่อมีใครสักคนมองมันเป็นครั้งแรก พวกเขามักจะมีปฏิกิริยาเชิงลบ แสดงความโกรธ ความหงุดหงิด หรือแม้กระทั่งความรังเกียจ ไม่ต้องสงสัยเลยว่ามันเป็นภาพวาดที่ยาก โดยเฉพาะสำหรับผู้ที่ยังใหม่กับศิลปะนามธรรม ก่อนอื่นมันมีขนาดใหญ่ โดยมีขนาด 200 x 300 เซนติเมตร ประการที่สอง พื้นผิวถูกปกคลุมไปด้วยรูปทรงที่ไม่เป็นระเบียบซ้อนทับกันอย่างไม่สิ้นสุด เส้นที่ดูเหมือนจะสุ่ม และสนามของสีที่มีทั้งสดใสและเบลอ ไม่มีอะไรที่อ้างอิงถึงโลกธรรมชาติที่รู้จัก เพียงแค่ภาพลวงตาของความลึกที่สามารถรับรู้ได้ แต่พื้นที่ที่มันถอยกลับไปนั้นไม่มีความคล้ายคลึงกับความเป็นจริง ภาพวาดนี้อาจดูเหมือนไร้สาระสำหรับใครก็ตามที่ไม่เต็มใจที่จะทำงานเพื่อคลี่คลายความลับของมัน แต่สำหรับผู้ที่เต็มใจที่จะศึกษาอย่างเปิดใจ “Composition VII” สามารถให้ผลตอบแทนทางปัญญา ทางสายตา และแม้กระทั่งทางจิตวิญญาณที่เพียงพอที่จะอยู่ได้ตลอดชีวิต และฉันไม่ได้พูดเกินจริง ภาพวาดนี้มีความสำคัญจริงๆ สำหรับบางคน—ไม่เพียงแต่เพราะคุณภาพทางสายตา ทางกายภาพ หรือทางรูปแบบเท่านั้น แต่เพราะสำหรับ Kandinsky และผู้ที่ชื่นชมเขา “Composition VII” ได้ถูกเข้าใจว่าเป็นการแสดงออกที่เป็นรูปธรรมของความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณในศิลปะ.

บันไดทางขึ้นเซเว่น

ระหว่างปี 1910 ถึง 1939 คานดินสกี้ได้วาดภาพบนผืนผ้าใบ 10 แผ่นซึ่งเขาได้ตั้งชื่อว่า “Composition” ปัจจุบันมีเพียงเจ็ดภาพที่ยังหลงเหลืออยู่ โดยสามภาพแรกถูกทำลายระหว่างสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง แต่มีภาพถ่ายของสาม Composition แรกที่มีอยู่ แม้ว่าจะขาดข้อมูลสี แต่เราสามารถสรุปได้จากภาพเหล่านั้นเกี่ยวกับแก่นแท้ของการเดินทางทางสายตาที่คานดินสกี้ได้ดำเนินการขณะสร้างแต่ละภาพ การเดินทางนั้นเริ่มต้นจากการเปลี่ยนภูมิทัศน์และรูปทรงแบบดั้งเดิมให้กลายเป็นมวลที่เรียบง่ายและ biomorphic และจากนั้นจึงดึงดูดมวลเหล่านั้นให้กลายเป็นรูปทรงและรูปแบบที่มีความเป็นนามธรรมมากขึ้นเรื่อยๆ ใน “Composition III” ตัวอย่างเช่น รูปร่างของมนุษย์และสัตว์ยังคงสามารถจดจำได้ กำลังเคลื่อนไหวอยู่ อาจจะเล่นหรืออาจจะต่อสู้ หรือทั้งสองอย่างในสภาพแวดล้อมที่มีบรรยากาศชนบท แต่ใน “Composition IV” (1911) รูปร่างแทบจะไม่สามารถจดจำได้ เราได้รับข้อมูลจากคานดินสกี้ว่าในภาพนี้มีรูปทรงนอนอยู่ที่มุมขวาล่าง และมีหอคอยสองแห่งตั้งอยู่บนเนินเขาที่มุมขวาบน ซึ่งเขาอธิบายว่าเป็นฉากที่มีสงครามและสันติภาพเกิดขึ้นพร้อมกัน แต่จะเป็นการยากสำหรับฉันที่จะสรุปถึงข้อสรุปนี้หากไม่มีคำอธิบายของเขา.

วาซิลี คันดินสกี - คอมโพซิชัน VI, 1913. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 195 x 300 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐเฮอร์มิเทจ

“Composition V” (1911) มีความเป็นนามธรรมมากขึ้น และอารมณ์ที่มันแสดงออกมารู้สึกเข้มข้นกว่าผลงานก่อนหน้านี้ ในภาพวาดนี้ รูปทรงในภาพยังคงมีความสัมพันธ์กับโลกธรรมชาติอยู่บ้าง เนื่องจากมีรูปทรงที่คล้ายมนุษย์และลักษณะเกือบธรรมชาติ แม้ว่าจะถูกตัดทอนลงไป แต่ก็ยังแทรกซึมอยู่ทั่วทั้งภาพ อย่างไรก็ตาม “Composition VI” ซึ่งคานดินสกีวาดขึ้นสองปีหลังจาก “Composition V” นั้นแทบจะเป็นนามธรรมทั้งหมด คุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดคือเส้นต่างๆ เช่น เส้นขนานหกเส้นในกลางภาพที่คล้ายกับคอของกีตาร์ สิ่งที่ภาพวาดนี้แสดงถึง ตามที่คานดินสกีกล่าวคือ “น้ำท่วม” ซึ่งหมายถึงเรื่องราวในพระคัมภีร์เกี่ยวกับโนอาห์ เขาพยายามกลั่นกรองสาระทางอารมณ์ จิตวิทยา และจิตวิญญาณของเรื่องราว—การทำลายและการสร้าง; ความกลัวและความหวัง—ให้เป็นการสำรวจเชิงภาพของความสมดุลและความกลมกลืน เกี่ยวกับ “Composition VI” เขาเขียนว่า “แรงจูงใจดั้งเดิมของภาพวาด (น้ำท่วม) ถูกละลายและถ่ายโอนไปยังการมีอยู่ภายในที่บริสุทธิ์ เป็นภาพลักษณ์ที่เป็นอิสระและวัตถุประสงค์” อย่างไรก็ตาม ภาพวาดนี้ยังคงมีองค์ประกอบเชิงรูปภาพบางอย่างที่เชื่อมโยงภาษาทางภาพของมันกับโลกภายนอก.

การแสดงออกถึงความรู้สึกภายใน

“Composition VII” ถือว่ามีความสำคัญมากเพราะเป็นครั้งแรกที่คานดินสกี้รู้สึกว่าเขาบรรลุถึงอุดมคติที่ชื่อชุด Composition ของเขาได้ ในย่อหน้าสุดท้ายของบทสุดท้ายในหนังสือที่สำคัญของเขา เรื่อง Concerning the Spiritual in Art ซึ่งคานดินสกี้เผยแพร่ในปี 1910 เขาอธิบายถึงแรงบันดาลใจทางศิลปะสามประเภทที่แตกต่างกัน ประเภทแรกที่เขาเรียกว่า “impression” เขาอธิบายว่าเป็นการสร้างความประทับใจทางศิลปะโดยตรงจากธรรมชาติภายนอก ประเภทที่สองที่เขาเรียกว่า “improvisation” เขาอธิบายว่าเป็น “การแสดงออกที่ไม่รู้ตัวและเกิดขึ้นเอง” ซึ่งคล้ายกับการวาดภาพอัตโนมัติในภายหลังของแนวทางเซอร์เรียลลิสม์ ประเภทที่สามที่เขาเรียกว่า “composition” เขาอธิบายว่าเป็น “การแสดงออกของความรู้สึกภายในที่ค่อยๆ ก่อตัวขึ้น ซึ่งจะถูกแสดงออกมาเพียงหลังจากการเติบโตอย่างยาวนาน” เมื่อพูดถึง “Composition VII” วลี “การเติบโตอย่างยาวนาน” เป็นกุญแจสำคัญ เมื่อเขาวาด “Composition VII” คานดินสกี้อาศัยอยู่ในมิวนิค จากบันทึกทางประวัติศาสตร์ที่เขาเก็บไว้ในขณะนั้น เรารู้ว่าเขาวางแผน “Composition VII” มานานหลายเดือน โดยสร้างสเก็ตช์เบื้องต้นมากกว่า 30 ชิ้นสำหรับมันในสื่อที่หลากหลาย สเก็ตช์เบื้องต้นแต่ละชิ้นสร้างขึ้นเพื่อภาพที่ปราศจากทั้ง “impression” และ “improvisation” อย่างสิ้นเชิง.

วาซิลี คันดินสกี - คอมโพซิชัน VII, 1913. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 79 x 119 นิ้ว (200.6 x 302.2 ซม). หอศิลป์เทรเตียคอฟ

ไม่นานหลังจากที่เสร็จสิ้นเหตุการณ์สำคัญนี้ คันดินสกี้ถูกบังคับให้กลับบ้านที่รัสเซียเนื่องจากการระบาดของสงครามโลกครั้งที่ 1 เขารู้สึกซึมเศร้าเกี่ยวกับสงครามและแทบจะไม่วาดภาพเลยเป็นเวลาหลายปี ใช้เวลา 10 ปีกว่าที่เขาจะกลับมาทำงานในชุด Composition ของเขา “Composition VIII” (1923) แปลภาพนามธรรมของรุ่นก่อนเข้าสู่ภาษาทางสายตาที่เป็นเรขาคณิตอย่างแท้จริง “Composition IX” ซึ่งเสร็จสมบูรณ์ในปี 1936 ไม่ได้เป็นนามธรรมอย่างแท้จริง แต่ได้กลับมาแนะนำแนวคิดของ “ความประทับใจ” โดยการเพิ่มรูปแบบดอกไม้และภาพธรรมชาติอื่น ๆ “Composition X” (1939) ซึ่งเสร็จสมบูรณ์ห้าปีก่อนที่คันดินสกี้จะเสียชีวิต มีสัญลักษณ์สูงและดูทันสมัยอย่างน่าตกใจ แม้ในปัจจุบัน อย่างไรก็ตาม แม้ว่าชุด Composition หลังนี้แต่ละชุด และแต่ละชุดจากหกชุดที่มาก่อนหน้านี้ จะถือว่าเป็นวิสัยทัศน์ แต่สิ่งที่ทำให้ “Composition VII” แตกต่างคือความจริงที่ว่า โดยการบรรลุการนามธรรมที่มีความคิด มีระเบียบ มีความเป็นผู้ใหญ่ และสมบูรณ์ มันได้เติมเต็มอุดมคติสูงสุดที่คันดินสกี้พยายามบรรลุ ไม่เพียงแต่กับชุดนี้ แต่กับผลงานทั้งหมดของเขาในศตวรรษที่ 20 นี่เป็นครั้งแรกที่คันดินสกี้บรรลุด้วยการวาดภาพในสิ่งที่เขาเชื่อว่านักดนตรีบรรลุด้วยดนตรี: การแปลความรู้สึกอย่างบริสุทธิ์เข้าสู่ส่วนประกอบนามธรรมที่เป็นทางการซึ่งสามารถแสดงออกถึงจิตวิญญาณของมนุษย์ได้.

ภาพเด่น: วาซิลี คันดินสกี - คอมโพซิชัน V, 1911. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 74.8 x 108.2 นิ้ว (190 x 275 ซม.). คอลเลกชันส่วนตัว.
ภาพทั้งหมดผ่าน Wikimedia Commons.
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ