Un Art Autre - อับสแตรกชันในปารีสหลังสงครามที่ Levy Gorvy

ในปี 1952 นักวิจารณ์ศิลปะและผู้ดูแลพิพิธภัณฑ์ชาวฝรั่งเศส มิเชล ทาปี ได้สร้างสรรค์วลี "Un Art Autre" ซึ่งหมายถึง "ศิลปะอีกประเภทหนึ่ง" เพื่ออ้างถึงแนวโน้มที่เขาเห็นในศิลปะนามธรรมที่ห่างไกลจากเหตุผล และมุ่งสู่ความเป็นอิสระ แนวโน้มนี้ไม่ได้ปรากฏเฉพาะในฝรั่งเศส ซึ่งเป็นที่ตั้งของทาปี แต่ยังมีศิลปินจำนวนมากจากทั่วโลกที่เดินทางมายังฝรั่งเศสในช่วงปี 1950 และ 60 เพื่อแบ่งปันการสำรวจปรากฏการณ์ทางสุนทรียศาสตร์นี้ บางคนเป็นทหารผ่านศึกจากสงครามโลกครั้งที่สองที่อยู่ในยุโรปหลังสงครามหรือกลับไปที่นั่นเพื่อศึกษาและทำงาน คนอื่น ๆ ก็ถูกดึงดูดไปยังความตื่นเต้นของเมืองและวัฒนธรรมที่พยายามจะสร้างใหม่ โดยใช้ประโยชน์จาก "วัฒนธรรมคาเฟ่" ที่ไม่เหมือนใครของปารีส กลุ่มศิลปินและนักคิดนานาชาติได้แบ่งปันความคิดของพวกเขาอย่างอิสระ สร้างฉากที่น่าตื่นเต้นและดิบเถื่อน วัฒนธรรมที่น่าสนใจนี้กำลังเป็นหัวข้อของนิทรรศการที่เลวี กอร์วี ในลอนดอน ซึ่งตั้งชื่อตามขบวนการที่ทาปีตั้งชื่อ "Un Art Autre" มีผลงานจิตรกรรม 22 ชิ้นจากจิตรกร 5 คน ได้แก่ ปิแอร์ ซูลาจ, จ้าว วู-คิ, ฌอง ปอล ริโอเปล, โจน มิทเชล และแซม ฟรานซิส ซึ่งแต่ละคนในช่วงปี 1950 และ 60 เคยเรียกปารีสว่าเป็นบ้าน โดยเป็นตัวแทนจากฝรั่งเศส จีน แคนาดา และสหรัฐอเมริกา ศิลปินเหล่านี้แต่ละคนได้นำมุมมองที่เป็นเอกลักษณ์และประวัติส่วนตัวมาด้วย พวกเขามีความสัมพันธ์ที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิงกับการวาดภาพและชีวิต แต่พวกเขาทุกคนมีความปรารถนาที่จะเชื่อมต่อกับสิ่งที่เป็นสัญชาตญาณและอิสระ โดยไม่ใช่ศิลปินทั้งห้านี้เป็นเสียงเดียวของ "ศิลปะอีกประเภทหนึ่ง" ที่พัฒนาขึ้นจากยุคหลังสงครามในยุโรป แต่การได้เห็นผลงานของพวกเขาร่วมกันในนิทรรศการนี้ก็เสนอจุดเริ่มต้นที่มีความหมายเข้าสู่ขบวนการที่พวกเขาเป็นส่วนหนึ่ง นอกจากนี้ยังให้โอกาสผู้ชมร่วมสมัยได้ตรวจสอบความแตกต่างระหว่างขบวนการนี้กับแนวโน้มที่คล้ายกันที่ปรากฏในที่อื่นในช่วงเวลานี้ เช่น อับสแตรกต์ เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ในสหรัฐอเมริกา.

สีและขาวดำ

วันนี้, ปิแอร์ ซูลาจ ถูกมองโดยหลายคนว่าเป็นจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่ยังมีชีวิตอยู่ เขาเป็นที่รักสำหรับภาพวาดสีดำที่สง่างามและมักจะมีอารมณ์ที่เข้มข้น แม้ว่าเมื่อซูลาจเริ่มพัฒนาสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ในปารีสหลังสงคราม เขาก็มีความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับการทำงานของสีดำในภาพวาดของเขา เขามองว่ามันไม่ใช่วิธีการแสดงความมืด แต่เป็นวิธีการ "สร้างแสง" โดยการเปรียบเทียบพื้นผิวมันเงาและด้าน และสร้างความสัมพันธ์ระหว่างพื้นที่สีดำและสีขาวของผืนผ้าใบ เขาสร้างโอกาสให้แสงมีปฏิสัมพันธ์กับพื้นผิวและเฉดสี ความสัมพันธ์ระหว่างพื้นที่ต่าง ๆ ของผืนผ้าใบเป็นส่วนหนึ่งที่ทำให้ภาพวาดของเขามีความสว่าง ในงานนิทรรศการนี้ เราเห็นผืนผ้าใบห้าผืนของเขา แม้ว่าโครงสร้างการจัดองค์ประกอบที่แน่นหนาในภาพวาดเช่น "Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957" (1957) และ "Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957" (1957) แต่สีดำที่สดใสและการปัดแปรงที่ทรงพลังทำให้พื้นผิวของพวกเขามีชีวิตชีวา พวกเขาไม่ใช่สีดำที่บริสุทธิ์ แต่การเล่นระหว่างสีเหลืองอำพัน สีน้ำเงิน และสีขาวทำให้สีดำเปล่งประกายมากยิ่งขึ้น.

โจน มิทเชลล์ - ไม่มีชื่อ, 1957. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 69 x 58 1/2 นิ้ว (175.2 x 148.5 ซม.). คอลเลกชันส่วนตัว, ซานตาบาร์บารา. © มรดกของโจน มิทเชลล์.

ความสัมพันธ์ของสีมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อโจน มิทเชล ซึ่งผลงานของเธอสี่ชิ้นอยู่ในนิทรรศการนี้ ทั้งสี่ชิ้น—ซึ่งน่าจะเป็นผลงานใหม่สำหรับผู้เข้าชมส่วนใหญ่ เนื่องจากถูกจัดทำขึ้นจากคอลเลกชันส่วนตัวทั้งหมด—แสดงให้เห็นถึงความสามารถอันยอดเยี่ยมของมิทเชลในการถ่ายทอดอารมณ์ผ่านพาเลตสีของเธอ สิ่งที่เรากำลังเห็นในผลงานของเธอชัดเจนว่าเป็นสิ่งที่ "มาจากธรรมชาติ" แม้ว่าภาพจะเป็นนามธรรมโดยสิ้นเชิง ความรู้สึกของธรรมชาตินั้นยิ่งถูกยกระดับขึ้นโดยสไตล์การวาดที่เกือบจะตื่นเต้นที่มิทเชลพัฒนาขึ้นระหว่างการเยี่ยมชมบ่อยครั้งและการย้ายไปยังฝรั่งเศส—สไตล์ที่ถูกนำเสนออย่างสวยงามโดยผลงานในนิทรรศการนี้ คอมโพสของเธอมีความหลวมและรู้สึกอิสระที่สุดในบรรดาผลงานทั้งหมดในนิทรรศการ: เป็นเครื่องพิสูจน์ถึงความปรารถนาของเธอที่จะหายไปในตัวเองขณะวาดภาพ และเพื่อจับภาพความรู้สึกของสิ่งที่เป็นส่วนตัวตามความทรงจำของเธอเกี่ยวกับโลกธรรมชาติ.

แซม ฟรานซิส - อาร์คูอิล, 1956/58. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 80 3/4 x 76 นิ้ว (205.1 x 193 ซม.). พิพิธภัณฑ์ศิลปะมิลด์เรด เลน เคมเปอร์, มหาวิทยาลัยวอชิงตันในเซนต์หลุยส์. ของขวัญจากคุณและคุณนายริชาร์ด เค. ไวล์, 1962. © มูลนิธิแซม ฟรานซิส, แคลิฟอร์เนีย / DACS 2019.

ช่วงเต็มของแรงกระตุ้น

ผลงานที่จัดแสดงโดย Jean Paul Riopelle แสดงให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงที่น่าทึ่งที่เกิดขึ้นในวิธีการของเขาในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ผลงานที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในนิทรรศการคือ “Abstraction (Orange)” (1952) หนึ่งในผลงานขนาดใหญ่ในนิทรรศการ การเคลื่อนไหวที่เต็มไปด้วยพลังของมันสร้างความสัมพันธ์ทันทีไปยังภาพวาดแบบสแปลเตอร์ที่มักเกี่ยวข้องกับจิตรกร Abstract Expressionist เช่น Jackson Pollock ในผลงานที่ตามมาเช่น “Horizontal, Black and White” (1955) เราเห็น Riopelle สร้างเทคนิคที่มีความตั้งใจมากขึ้น โดยมีรอยแปรงที่แน่นและวัดได้ซึ่งเต็มไปด้วยความวิตกกังวล ในขณะที่ยังคงรักษาพลังงานที่กระตุ้นซึ่งทำให้ผลงานของเขามีชีวิตชีวา ในอีกด้านหนึ่งของมาตราส่วนแรงกระตุ้น เราเห็นภาพวาดที่งดงามสามภาพโดย Zao Wou-Ki พาเลตต์ที่นุ่มนวลและความสมดุลขององค์ประกอบที่กลมกลืนแสดงให้เห็นถึงจิตรกรที่สร้างสมดุลที่น่าหลงใหลระหว่างการแสดงออกอย่างอิสระและความสงบที่มีการวัด.

ฌอง ปอล ริโอเปล - แนวนอน, ขาวดำ, 1955. สีน้ำมันบนผ้าใบ. ขนาด 28 3/4 x 36 1/4 นิ้ว (73 x 92 ซม.). ภาพถ่าย: Øystein Thorvaldsen. คอลเลกชัน Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, นอร์เวย์. © SODRAC, มอนทรีออล และ DACS, ลอนดอน, 2019.

จิตรกรที่ฉันไม่คุ้นเคยมากที่สุดจากนิทรรศการนี้คือ แซม ฟรานซิส หลังจากได้เห็นตัวอย่างผลงานของเขาห้าชิ้นในงานนี้ ฉันรู้สึกว่ามีอะไรให้เรียนรู้เกี่ยวกับเขาอีกมาก ความเบาบางที่ไร้สาระของผลงานที่ไม่มีชื่อซึ่งมีสีส้ม สีเหลือง และสีน้ำเงิน ทำให้ฉันนึกถึงเฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ ในขณะที่ "Blue Series No. 1" (1960) ทำให้ฉันนึกถึงอีฟส์ คลายน์ ท作品อีกสองชิ้น—"Composition" (ประมาณ 1957-58) และ "Untitled" (1959)—เสนอสิ่งที่ชัดเจนมากขึ้น: ความตื่นเต้นที่เกือบจะไฟฟ้า ราวกับว่าฉันกำลังมองดูภาพของการเปลี่ยนแปลงและการไหลอยู่จริงๆ แนวคิดเหล่านั้นจริงๆ แล้วอยู่ที่หัวใจของสิ่งที่นิทรรศการนี้ต้องการสื่อเกี่ยวกับ "ศิลปะอีกประเภทหนึ่ง" ที่เกิดขึ้นในปารีสในทศวรรษ 1950 และ 60 มันยากที่จะระบุให้ชัดเจน และยากที่จะตั้งชื่อ แต่เป็นศิลปะที่ถูกกำหนดโดยความสามารถในการเปลี่ยนแปลง และความเต็มใจที่จะปล่อยวาง Un Art Autre กำลังจัดแสดงที่ Levy Gorvy London จนถึงวันที่ 5 กรกฎาคม 2019.

ภาพเด่น: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 31 7/8 x 51 3/16 นิ้ว (81 x 130 ซม.). คอลเลกชันส่วนตัว. © DACS 2019.
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio