Un Art Autre - อับสแตรกชันในปารีสหลังสงครามที่ Levy Gorvy

ในปี 2495 นักวิจารณ์ศิลปะและผู้ดูแลนิทรรศการชาวฝรั่งเศส มิเชล ตาปิเอร์ ได้บัญญัติคำว่า “Un Art Autre” ซึ่งหมายถึง “ศิลปะแบบอื่น” เพื่ออ้างถึงแนวโน้มที่เขาเห็นในศิลปะนามธรรมที่หันเหจากเหตุผลและมุ่งสู่ความเป็นธรรมชาติ แนวโน้มนี้ไม่ได้เกิดขึ้นเฉพาะในฝรั่งเศสซึ่งเป็นที่ตั้งของตาปิเอร์เท่านั้น แต่ศิลปินจากทั่วโลกต่างเดินทางมายังฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษ 1950 และ 60 เพื่อแบ่งปันการสำรวจปรากฏการณ์ทางสุนทรียะนี้ บางคนเป็นทหารผ่านศึกสงครามโลกครั้งที่สองที่ยังคงอยู่ในยุโรปหลังสงครามหรือกลับมาศึกษาและทำงานที่นั่น บางคนถูกดึงดูดด้วยความตื่นเต้นของเมืองและวัฒนธรรมที่พยายามฟื้นฟูตัวเอง โดยใช้ประโยชน์จาก “วัฒนธรรมคาเฟ่” อันเป็นเอกลักษณ์ของปารีส กลุ่มศิลปินและนักคิดนานาชาติกลุ่มนี้ได้แลกเปลี่ยนความคิดอย่างเสรี สร้างบรรยากาศที่น่าตื่นเต้นและดั้งเดิม วัฒนธรรมที่น่าหลงใหลนี้เป็นหัวข้อของนิทรรศการที่จัดขึ้นที่ Levy Gorvy ในลอนดอน ซึ่งใช้ชื่อจากขบวนการที่ตาปิเอร์ตั้งชื่อไว้ นิทรรศการ Un Art Autre นำเสนอภาพวาด 22 ชิ้นโดยศิลปินห้าคน— ปิแอร์ ซูลาเฌส์, เจา วู-กี, ฌอง ปอล ริโอเปล, โจน มิทเชลล์ และแซม ฟรานซิส—ซึ่งแต่ละคนเคยอาศัยอยู่ในปารีสในช่วงทศวรรษ 1950 และ 60 โดยเป็นตัวแทนจากฝรั่งเศส จีน แคนาดา และสหรัฐอเมริกา ตามลำดับ ศิลปินเหล่านี้แต่ละคนมีมุมมองและประวัติส่วนตัวที่เป็นเอกลักษณ์ มีความสัมพันธ์กับการวาดภาพและชีวิตที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง แต่ทั้งหมดต่างมีความปรารถนาที่จะเชื่อมโยงกับสิ่งที่เป็นสัญชาตญาณและเสรี ศิลปินทั้งห้านี้ไม่ใช่เสียงเดียวของ “ศิลปะแบบอื่น” ที่เกิดขึ้นหลังสงครามในยุโรป แต่การได้เห็นผลงานของพวกเขารวมกันในนิทรรศการนี้เป็นจุดเริ่มต้นที่ลึกซึ้งในการเข้าใจขบวนการที่พวกเขาเป็นส่วนหนึ่ง นอกจากนี้ยังเปิดโอกาสให้ผู้ชมยุคปัจจุบันได้พิจารณาความแตกต่างระหว่างขบวนการนี้กับแนวโน้มที่คล้ายกันที่เกิดขึ้นในที่อื่นในช่วงเวลาเดียวกัน เช่น ศิลปะแสดงออกนามธรรมในสหรัฐอเมริกา

สีสันและขาวดำ

ปัจจุบัน ปิแอร์ ซูลาเฌส์ ถือเป็นจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งในยุคนี้ เขาเป็นที่รักใคร่สำหรับภาพวาดสีดำที่สง่างามและมักจะทรงพลังทางอารมณ์ แม้ในช่วงที่ซูลาเฌส์เริ่มพัฒนาสไตล์เฉพาะตัวในปารีสหลังสงคราม เขาก็มีความเข้าใจลึกซึ้งเกี่ยวกับบทบาทของสีดำในภาพวาดของเขา เขาไม่มองสีดำเป็นเพียงการแสดงความมืดมน แต่เป็นวิธี “สร้างแสงสว่าง” โดยการวางเคลือบเงาและด้านเคียงกัน และสร้างความสัมพันธ์ระหว่างพื้นที่สีดำและขาวบนผืนผ้าใบ เขาสร้างโอกาสให้แสงสว่างโต้ตอบกับพื้นผิวและเฉดสี ความสัมพันธ์ระหว่างพื้นที่ต่าง ๆ บนผืนผ้าใบเป็นส่วนหนึ่งที่ทำให้ภาพวาดของเขาส่องสว่าง ในนิทรรศการนี้ เราได้เห็นผลงานห้าชิ้นของเขา แม้จะมีโครงสร้างองค์ประกอบที่เข้มงวดในภาพวาดเช่น “Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957” (1957) และ “Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957” (1957) แต่สีดำที่สดใสและการลากแปรงที่ทรงพลังทำให้พื้นผิวของภาพมีชีวิตชีวา สีดำเหล่านี้ไม่ใช่สีดำบริสุทธิ์ แต่การเล่นระหว่างสีเหลืองหม่น น้ำเงิน และขาวกลับทำให้สีดำดูเปล่งประกายยิ่งขึ้น

โจน มิทเชลล์ - ไม่มีชื่อ, 1957. สีน้ำมันบนผืนผ้าใบ ขนาด 69 x 58 1/2 นิ้ว (175.2 x 148.5 ซม.) คลังส่วนตัว ซานตาบาร์บารา © มรดกโจน มิทเชลล์.

ความสัมพันธ์ของสียังมีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับโจน มิทเชลล์ ซึ่งมีผลงานสี่ชิ้นในนิทรรศการนี้ ทั้งสี่ชิ้นซึ่งน่าจะเป็นผลงานใหม่สำหรับผู้ชมส่วนใหญ่ เนื่องจากรวบรวมมาจากคอลเลกชันส่วนตัวทั้งหมด แสดงให้เห็นถึงความสามารถอันชำนาญของมิทเชลล์ในการถ่ายทอดโทนอารมณ์ผ่านพาเลตสีของเธอ สิ่งที่เราเห็นในผลงานของเธอชัดเจนว่าเป็นสิ่งที่ “มาจากธรรมชาติ” แม้ว่าภาพจะเป็นนามธรรมโดยสิ้นเชิง ความรู้สึกของธรรมชาตินี้ยิ่งชัดเจนขึ้นด้วยสไตล์การวาดที่เกือบจะเป็นการแสดงออกอย่างร่าเริงที่มิทเชลล์พัฒนาขึ้นในช่วงที่เธอเดินทางบ่อยและย้ายไปฝรั่งเศส—สไตล์ที่แสดงออกอย่างงดงามในผลงานที่จัดแสดง องค์ประกอบของเธอเป็นอิสระและหลวมที่สุดในบรรดาผลงานทั้งหมดในนิทรรศการนี้ เป็นเครื่องยืนยันถึงความปรารถนาที่จะหลุดลอยเข้าไปในตัวเองขณะวาดภาพ และจับความรู้สึกส่วนตัวที่อิงจากความทรงจำของเธอเกี่ยวกับโลกธรรมชาติ

แซม ฟรานซิส - Arcueil, 1956/58. สีน้ำมันบนผืนผ้าใบ ขนาด 80 3/4 x 76 นิ้ว (205.1 x 193 ซม.) พิพิธภัณฑ์ศิลปะมิลเดรด เลน เคมเปอร์ มหาวิทยาลัยวอชิงตันที่เซนต์หลุยส์ ของขวัญจากคุณและคุณนาย ริชาร์ด เค. ไวล์, 1962 © มูลนิธิแซม ฟรานซิส, แคลิฟอร์เนีย / DACS 2019.

ช่วงเต็มของแรงกระตุ้น

ผลงานที่จัดแสดงโดย ฌอง ปอล ริโอเปล แสดงให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงอย่างมากในวิธีการของเขาในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ผลงานที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในนิทรรศการคือ “Abstraction (Orange)” (1952) ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานขนาดใหญ่ที่มีการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วและดุเดือด คล้ายกับภาพสาดสีที่มักเกี่ยวข้องกับจิตรกรแสดงออกนามธรรมอย่างแจ็คสัน พอลลอค ในผลงานต่อมาเช่น “Horizontal, Black and White” (1955) เราเห็นริโอเปลสร้างเทคนิคที่รอบคอบมากขึ้น ด้วยการลากแปรงที่เข้มงวดและเต็มไปด้วยความวิตกกังวล แต่ยังคงรักษาพลังงานแห่งแรงกระตุ้นที่ทำให้ผลงานของเขามีชีวิตชีวา ในอีกด้านหนึ่งของสเกลแรงกระตุ้น เราเห็นภาพวาดที่งดงามสามชิ้นโดย เจา วู-กี พาเลตสีที่นุ่มนวลและความสมดุลขององค์ประกอบแสดงให้เห็นถึงจิตรกรที่สร้างสมดุลระหว่างการแสดงออกอย่างเสรีและความสงบที่มีการควบคุมอย่างงดงาม

ฌอง ปอล ริโอเปล - Horizontal, Black and White, 1955. สีน้ำมันบนผืนผ้าใบ ขนาด 28 3/4 x 36 1/4 นิ้ว (73 x 92 ซม.) ภาพถ่าย: Øystein Thorvaldsen คลังผลงาน Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, นอร์เวย์ © SODRAC, มอนทรีออล และ DACS, ลอนดอน, 2019.

จิตรกรที่ฉันคุ้นเคยน้อยที่สุดในนิทรรศการนี้คือ แซม ฟรานซิส หลังจากได้เห็นผลงานห้าชิ้นของเขาในนิทรรศการนี้ ฉันรู้สึกว่ายังมีอีกมากที่ต้องเรียนรู้เกี่ยวกับเขา ความเบาและล่องลอยขององค์ประกอบสีส้ม เหลือง และน้ำเงินที่ไม่มีชื่อเรื่อง ทำให้ฉันนึกถึงเฮเลน แฟรงเคนทาลเลอร์ ขณะที่ “Blue Series No. 1” (1960) ของเขาทำให้นึกถึงอีฟส์ ไคลน์ ผลงานอีกสองชิ้น—“Composition” (ประมาณ 1957-58) และ “Untitled” (1959)—แสดงสิ่งที่โดดเด่นกว่า: ความตื่นเต้นเหมือนกระแสไฟฟ้า ราวกับว่าฉันกำลังมองภาพของการเปลี่ยนแปลงและการไหล แนวคิดเหล่านี้เป็นหัวใจของสิ่งที่นิทรรศการนี้ต้องการสื่อเกี่ยวกับ “ศิลปะแบบอื่น” ที่เกิดขึ้นในปารีสในช่วงทศวรรษ 1950 และ 60 มันยากที่จะกำหนดและตั้งชื่อ แต่มันคือศิลปะที่นิยามด้วยความสามารถในการเปลี่ยนแปลง และความเต็มใจที่จะปล่อยวาง นิทรรศการ Un Art Autre จัดแสดงที่ Levy Gorvy London ถึงวันที่ 5 กรกฎาคม 2562

ภาพเด่น: เจา วู-กี - 16.09.69, 1969. สีน้ำมันบนผืนผ้าใบ ขนาด 31 7/8 x 51 3/16 นิ้ว (81 x 130 ซม.) คลังส่วนตัว © DACS 2019.
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio