การแสดงออกเชิงนามธรรมในช่วงท้ายในผลงานของแซม ฟรานซิส

บางคนกล่าวว่าสำหรับศิลปินแท้จริงแล้ว การสร้างงานศิลปะไม่ใช่ทางเลือก แต่เป็นความจำเป็น พวกเขาสร้างผลงานศิลปะไม่ว่าจะได้รับค่าตอบแทนหรือไม่ แม้จะถูกมองข้ามก็ตาม กล่าวอีกนัยหนึ่ง ศิลปินสร้างงานศิลปะเพราะพวกเขาไม่สามารถไม่สร้างงานศิลปะได้ อย่างจริงจังเช่นนั้น แซม ฟรานซิส มองความสัมพันธ์ระหว่างศิลปินกับการสร้างงานศิลปะว่ายิ่งลึกซึ้งกว่า เขาเห็นว่าการสร้างงานศิลปะไม่ใช่สิ่งที่ศิลปินทำ แต่เป็นสิ่งที่มีอยู่เพราะศิลปินมีอยู่ เขากล่าวว่า “ศิลปินคือผลงานของเขาและไม่ใช่มนุษย์อีกต่อไป” สำหรับฟรานซิส การแยกงานศิลปะออกจากศิลปินเป็นไปไม่ได้เหมือนกับการแยกฝนออกจากเมฆ ฝนคือเมฆ งานศิลปะคือศิลปิน ไม่มีการแยก พวกเขาคือหนึ่งเดียวกัน

ความมืดเป็นเพียงสีหนึ่ง

เมื่อย้อนดูประวัติศาสตร์ของ แอบสแตรกต์ เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ จะเห็นได้อย่างรวดเร็วว่าศิลปินที่เกี่ยวข้องกับช่วงแรกของขบวนการนี้ได้รับอิทธิพลอย่างลึกซึ้งจากความวิตกกังวลในยุคนั้น พวกเขาเป็นคนรุ่นที่ถูกกำหนดโดยความทุกข์ทรมานและการเสียสละ ถูกหลอกหลอนด้วยความน่าสะพรึงกลัวของสงครามและความกลัวระเบิดปรมาณู ผ่านผลงานศิลปะของพวกเขา พวกเขาพยายามเชื่อมต่อกับจิตใต้สำนึกและแสดงออกถึงสภาพภายในของตน ความมืดในยุคนั้นมักปรากฏชัดในงานศิลปะ ไม่ว่าจะเป็นในโทนสีหรือความกังวลในท่าทาง รูปทรง พื้นผิว หรือองค์ประกอบ แต่ผลงานเหล่านั้นก็เปิดเผยนำผู้ชมไปสู่สภาวะจิตที่สูงส่งและครุ่นคิด ดังนั้นพวกเขาจริงๆ แล้วแสดงความมืดหรือไม่?

แซม ฟรานซิส เป็นศิลปินรุ่นที่สองของแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ เขาโด่งดังหลังจากได้เข้าร่วมแสดงในนิทรรศการ 12 ศิลปินอเมริกัน ที่ MoMA ในปี 1956 ปีเดียวกับที่ แจ็คสัน พอลลอค ศิลปินชั้นนำในช่วงแรกของขบวนการเสียชีวิต ฟรานซิสร่ำเรียนการวาดภาพในโรงพยาบาลขณะฟื้นตัวจากบาดแผลที่กระดูกสันหลังซึ่งได้รับขณะเป็นนักบินรบในสงครามโลกครั้งที่สอง หลังสงครามเขากลับไปเรียนที่แคลิฟอร์เนียบ้านเกิด ได้รับปริญญาโทจาก UC Berkeley ในปี 1950 ที่นั่นเขาได้พบกับศิลปินแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์รุ่นแรก รวมถึง มาร์ก รอธโก ที่สอนอยู่ที่ California School of Fine Arts ในซานฟรานซิสโกในเวลานั้น ฟรานซิสได้รับแรงบันดาลใจจากความมุ่งมั่นของศิลปินเหล่านี้ที่เน้นการเป็นและการกลายเป็น และความตั้งใจในการค้นหาตัวตนที่แท้จริง

แซม ฟรานซิส - ไม่มีชื่อเรื่อง, 1959, กัวชบนกระดาษ, ขนาด 11.5 x 36 ซม. © มูลนิธิแซม ฟรานซิส

การรวมกันของความมืดและแสง

สำหรับแซม ฟรานซิส ความมืดและแสงไม่ใช่พลังที่ขัดแย้งกัน แต่เป็นพลังที่เสริมกัน หรือบางทีอาจเป็นการแสดงออกที่เปลี่ยนแปลงของคุณสมบัติเดียวกัน เขาเคยกล่าวว่า “แสงที่เพิ่มขึ้นทำให้ความมืดเพิ่มขึ้น” เขากำลังบอกว่าแสงและความมืดเป็นหนึ่งเดียวกันหรือ? หรือเขากำลังพูดถึงวิธีที่แสงสร้างเงา หมายความว่าแสงที่สว่างขึ้นเงาก็จะมืดขึ้น? หรือเขากำลังพูดถึงการตรัสรู้ และผลกระทบทางจิตวิญญาณของการตระหนักว่า ยิ่งเรารู้มากเท่าไร เรายิ่งรู้ว่าเรารู้น้อยเพียงใด?

เขาอาจไม่ได้หมายถึงสิ่งเหล่านั้นเลย เขายังเคยกล่าวว่า “สีเกิดจากการแทรกซึมของแสงและความมืด” ดังนั้นเป็นไปได้ว่าเขากำลังพูดถึงความแตกต่าง และวิธีที่พื้นที่ว่างสีขาวบนผืนผ้าใบแสดงถึงความมืดของสี ในทุกกรณี ความเห็นของเขาอย่างน้อยก็ให้มุมมองที่ละเอียดอ่อนในการตีความความมืดที่เห็นได้ชัดของขบวนการแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์โดยทั่วไป และเป็นจุดเริ่มต้นในการเข้าใจวิธีที่เขาเผชิญกับความมืด แสง และ สี ในงานวาดของเขาเอง

แซม ฟรานซิส - SF 70 42, 1970. © มูลนิธิแซม ฟรานซิส

12 จิตรกรอเมริกัน

ฟรานซิสแสดงภาพวาดเจ็ดภาพในนิทรรศการกลุ่มที่ทำให้เขาเป็นที่รู้จักที่ MoMA ภาพเหล่านี้มีขนาดใหญ่ที่สุด ภาพที่เล็กที่สุดสูงกว่าหกฟุต และภาพที่ใหญ่ที่สุดกว่าสิบสองฟุตคูณสิบฟุต ภาพทั้งหมดตั้งชื่อตามสี ได้แก่ น้ำเงินดำ, เหลือง, แดงใหญ่, ดำในแดง, แดงในแดง, เทา, และ ส้มเข้มบนดำ ภาพเหล่านี้มีความงามร่วมกันที่ทำให้ฟรานซิสเป็นจิตรกรที่มีสไตล์ภาพที่ชัดเจน พวกเขาประกอบด้วยรูปทรงชีวภาพซ้อนทับกันที่เสริมด้วยหยดสีที่ไม่ถูกจำกัด

ผืนผ้าใบเหล่านี้โอบล้อมผู้ชมในองค์ประกอบ เสียงของผลงานนิยามคำว่าองค์ประกอบใหม่ โดยเน้นน้อยลงที่การจัดเรียงองค์ประกอบสวยงาม และเน้นที่ความหมายของการรู้สึกสงบ พวกเขาสื่อถึงความควบคุม ความมั่นใจ และความกลมกลืน พวกเขาให้ความรู้สึกว่าทุกสิ่งที่จำเป็นในการเข้าใจภาพวาดนั้นอยู่ในพื้นที่ของผืนผ้าใบ และถึงอย่างนั้นธรรมชาติที่ชวนสัมผัสและเป็นส่วนตัวของพวกเขาก็เชื้อเชิญให้เราสำรวจลึกลงไปในสิ่งที่ยังซ่อนอยู่ภายใน

แซม ฟรานซิส - ส้มเข้มบนดำ, 1955, สีน้ำมันบนผืนผ้าใบ. © มูลนิธิแซม ฟรานซิส

การกักเก็บ

ไม่นานหลังจากที่แซม ฟรานซิสเป็นที่รู้จักในสไตล์เฉพาะตัว เขาก็ขยายขอบเขตสีของเขาให้รวมถึงสีสดใสบริสุทธิ์หลากหลาย และสำรวจวิธีการจัดองค์ประกอบหลายรูปแบบ รวมถึงการแสดงรูปทรงชีวภาพในชุดผลงานชื่อ ลูกบอลสีน้ำเงิน ซึ่งมีลูกบอลสีน้ำเงินเด่นชัด ได้รับแรงบันดาลใจจากการต่อสู้กับโรคไตของเขา ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 เขาได้พัฒนาสไตล์ที่โดดเด่นอีกแบบหนึ่งที่มีลักษณะเป็นเส้นแปรงสีสันสดใสรอบขอบภาพล้อมรอบพื้นที่ว่างสีขาวเกือบว่างเปล่าภายใน

ผลงานเหล่านี้พูดอย่างตรงไปตรงมาและงดงามถึงแนวคิดที่ฟรานซิสแสดงเกี่ยวกับความสว่างและความมืด พื้นที่ว่างสีขาวที่เพิ่มขึ้น หรือความสว่าง ช่วยเพิ่มการแสดงออกของความมืดที่สื่อผ่านสี สีถูกลดทอนแต่กำหนดภาพเหล่านั้น ภาพเหล่านี้ท้าทายธรรมชาติที่ครอบคลุมของผลงานแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์จำนวนมาก พวกเขาพูดถึงความว่างเปล่าและพลังของความละเอียดอ่อน และดึงดูดความสนใจไปยังสิ่งที่ไม่ได้ถูกแสดงออก

แซม ฟรานซิส - ไม่มีชื่อเรื่อง, 1965, กัวชบนกระดาษ (ซ้าย) และ แซม ฟรานซิส - ไม่มีชื่อเรื่อง (SF-106A), 1969, ลิโธกราฟ (ขวา). © มูลนิธิแซม ฟรานซิส

ไร้ข้อจำกัด

ตลอดอาชีพส่วนใหญ่ ฟรานซิสหลีกเลี่ยงวงการศิลปะนิวยอร์ก ชอบใช้ชีวิตและทำงานในปารีส โตเกียว และแคลิฟอร์เนีย เขาไม่ถูกจำกัดด้วยแฟชั่น เขาใช้เทคนิคที่เกี่ยวข้องกับการวาดภาพแบบแอ็คชัน เช่น การหยด การเท และการสาดสี และยังใช้การย้อมสีและแปรงแบบดั้งเดิม เขาทำภาพพิมพ์ ลิโธกราฟ และโมโนไทป์ ทำงานกับสื่อและพื้นผิวหลากหลาย และพัฒนาสไตล์การจัดองค์ประกอบอย่างไม่หยุดยั้ง ในทศวรรษ 1970 และ 80 เขามักใส่รูปทรงเรขาคณิตในภาพวาด และบางครั้งก็วาดงานเรขาคณิตแบบขอบแข็ง

เขามักถูกจดจำในฐานะผู้สร้างภาพสาดสีสดใสในทศวรรษ 1980 เทคนิคที่เขายึดถือซึ่งถูกละทิ้งโดยศิลปินรุ่นเดียวกันหลายคนทำให้ผลงานของเขาโดดเด่นอย่างมั่นใจ คุณสมบัติดั้งเดิมของพวกเขาพูดคุยกับงานนีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ของศิลปินอย่างบาสเกียต โทนสีของพวกเขาสะท้อนถึงศิลปะป็อปและกลุ่มชิคาโกอิมเมจิสต์ และภาพลักษณ์ของพวกเขาก็เรียกถึงประวัติศาสตร์ศิลปะแอบสแตรกต์ โดยนึกถึงศิลปินอย่าง มีโร, แคลเดอร์ และ กอร์กี้

แซม ฟรานซิส - ไม่มีชื่อเรื่อง, 1983, โมโนไทป์ (ซ้าย) และ แซม ฟรานซิส - ไม่มีชื่อเรื่อง (SF-330), 1988, ลิโธกราฟบนกระดาษทอ (ขวา). © มูลนิธิแซม ฟรานซิส

เกินกว่ารุ่นที่สอง

แซม ฟรานซิสไม่เคยหยุดพัฒนาศิลปะส่วนตัว แม้หลังจากสูญเสียการใช้มือขวาไม่นานก่อนเสียชีวิต เขาก็เรียนรู้ที่จะวาดด้วยมือซ้ายและสร้างผลงานชุดใหญ่ใหม่ที่เขาทำต่อเนื่องจนถึงวาระสุดท้าย แม้จะเปลี่ยนสไตล์ความงาม เขาไม่เคยละทิ้งหลักการสำคัญของแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ ในความทุ่มเทของเขา เขายังเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้งว่าขบวนการนี้จะเป็นอย่างไร ไม่ใช่เพื่อเปลี่ยนแปลง แต่เพื่อรักษาองค์ประกอบสำคัญไว้ เขาไม่เคยหยุดวาดภาพอย่างสัญชาตญาณ เชื่อมต่อกับสภาพภายในของตน และโต้ตอบกับผืนผ้าใบในฐานะสนามที่เกิดเหตุการณ์ขึ้น แต่เขายังเพิ่มความหมายใหม่ สิ่งที่เขาเพิ่มสรุปได้ดีในคำอธิบายของเขาเองเกี่ยวกับการวาดภาพว่า “การวาดภาพคือความงามของพื้นที่และพลังของการกักเก็บ”

ทุกอย่างอยู่ในสี่คำนี้ งาม พื้นที่ พลัง และการกักเก็บ แซม ฟรานซิสไล่ตามความงามอย่างไม่อาย เขายอมรับทั้งข้อจำกัดและความเป็นไปได้ของพื้นที่ที่กำหนด เขายอมรับและรับผิดชอบต่อความจริงพื้นฐานของการแสวงหาอำนาจของมนุษย์ และสุดท้าย เขาแสดงความมั่นใจและความปลอดภัยที่เกิดจากความรู้สึกว่าสิ่งใดสิ่งหนึ่งได้รับการกักเก็บ เปรียบเทียบกับสิ่งที่แจ็คสัน พอลลอคเคยกล่าวเกี่ยวกับการวาดภาพว่า “ภาพวาดมีชีวิตของมันเอง ฉันพยายามปล่อยให้มันแสดงออกมา” นอกจากทุกสิ่งที่ผลงานของพวกเขาเป็นแล้ว พอลลอคและศิลปินรุ่นแรกของแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ยังไม่ถูกจำกัดในการทดลอง พวกเขากำลังจับเสือป่าที่หาง ตื่นเต้นที่จะค้นพบว่ามันจะทำอะไรต่อไป เปิดรับความเป็นไปได้อย่างเต็มที่ และที่สำคัญที่สุดคือมุ่งมั่นที่จะรักษาความดุร้ายของมันให้นานที่สุดเท่าที่จะทำได้ แซม ฟรานซิสช่วยทำให้เสือเชื่อง ในการทำเช่นนั้นเขายังให้สิทธิ์แก่ศิลปินรุ่นต่อไปในการกำหนดความหมายของแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์สำหรับพวกเขาเอง

ภาพเด่น:แซม ฟรานซิส - ไม่มีชื่อเรื่อง, 1962, อะคริลิกและกัวชบนกระดาษ. © มูลนิธิแซม ฟรานซิส
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบเท่านั้น
โดย ฟิลลิป Barcio