（重新）发现维维安·斯普林福德的污点画作
纽约的Almine Rech画廊最近举办了Vivian Springford的第二次大型个展。这位艺术家自上世纪90年代末开始逐渐被重新评价，当时她年迈的切尔西工作室几乎被遗弃，堆满了尘封多年的画作，被她的看护人发现。发现时，Springford几乎默默无闻，已经十多年未作画（她在1980年代中期因黄斑变性失明后停止作画）。她已有超过15年未展出作品。然而，在1960年代初，她正准备跻身同代最著名艺术家之列。正当她的声誉逐渐确立时，Springford放弃了带来关注的受抽象表现主义启发的挥洒风格，转而采用浸染色域绘画技法。她几乎停止了作品的销售和展出，除了几十年间的少数几次展览。她将职业生涯的最后二十年献给了发展一种独特且一眼可辨的抽象视觉语言，其特征是同心的、生物形态的半透明色环。2003年去世时，她不仅留下了令人惊叹但鲜为人知的作品集，还留下了一个引人入胜的谜团——为何一位才华横溢且人脉广泛、正走向成名之路的艺术家会突然离开深爱她的艺术市场？Almine Rech当前的展览是将这位艺术家的作品重新带入聚光灯下的最新尝试。展览中的近20件作品进一步巩固了Springford作为艺术大师的声誉，同时也提供了一些线索，说明这位艺术家为何最终选择隐居而非站在舞台中央。
形态与虚无
Springford生命最后二十年创作的同心圆浸染画作，在我看来，与她早期作品在形态与虚无之间的互动上有根本不同。她早期作品偏爱不透明、深色、无定形的色块，快速绘制，继承了中国书法的笔触传统。这些深色的挥洒区域充满情感，原始而强烈，主导了构图，为观者提供了明确的视觉焦点。即使画中具体形态难以辨认，厚重的暗色颜料也营造出明确的存在感。相反，在她后期的圆形浸染画中，Springford拥抱了半透明和光亮，避免任何元素主导画面。
Vivian Springford - 无题，1972年。丙烯画布。124.5 x 124.5 厘米（49 x 49 英寸）。
她后期作品中赋予每一层颜料、每一种颜色和画面区域同等价值的选择，不仅体现了审美的演变，也反映了Springford心态的转变。通过让观者参与表面、色彩与光线的互动，这些画作邀请我们进入它们的生成过程。它们更强调自由与松散，而非结构与情感。它们是转变的图像，悬浮于掌控与完全试验之间。相比她早期带有衍生感的抽象表现主义作品，这些浸染画作展现出一种真实性，表明画家对边界空间的接受与舒适。不需要确定感似乎与不需要认可感相关，这或许解释了Springford为何极少展出这些作品。
Vivian Springford - 无题，1983年。丙烯画布。69.2 x 67.3 厘米（27 1/4 x 26 1/2 x 1 1/8 英寸）。
时间的度量
我也觉得称这些后期浸染画为过程作品很自然。我并非暗示作为物件它们不如创作过程重要，而是它们揭示了过程的重要性。就像被砍倒树桩上的同心年轮，这些画作的同心环记录了时间的流逝。每一圈都提醒我们涂抹一层颜料、扩散并与画布融合所需的时间。这些画作没有匆忙。它们的美学存在是逐渐扩散的力量的结果，遵循着意想不到的规则。画作引导我们关注创作过程，同时也引发我们对过程这一概念的思考。
Vivian Springford展览装置图，Almine Rech纽约，2020年11月13日 - 2021年1月13日
Springford曾说，对她而言，绘画是“试图与宇宙整体认同……我想找到属于自己的小片能量图案，用节奏运动和色彩表达内心的自我。宇宙、星辰和自然的广阔中心，是我在抽象层面上的永恒挑战。”作为艺术家，她专注于起始，犹如宇宙大爆炸前的那一刻。她的每幅浸染画实际上都像是大爆炸后仍在膨胀、爆炸、变形为某种独特存在的宇宙，其终极形态未知。她或许将整个作品集和职业生涯视为她对每幅画的感知。这也解释了为何她的责任不是展览或销售作品，甚至不一定要让人知道她创作了这些画。她的首要任务是理解材料的本质，发现技法中的力量，并将这些力量释放到她创造的世界中。我认为，Springford如同神一般，愿意让我们去担心这一切最终会走向何方。
封面图：Vivian Springford - 无题，1971年。丙烯画布。127 x 127 x 2.5 厘米（50 x 50 x 1 英寸）。
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作者：Phillip Barcio
