蓝色的力量：从历史大师到当代抽象艺术

当你看到蓝色时，你有什么感觉？你会把它描述得和听到“蓝色”这个词，或者在页面上读到“蓝色”这个词时的感觉不同吗？色调传达的信息和它的名称传达的信息有区别吗？无论你感觉如何，这种感觉有可能是普遍的吗？还是蓝色对不同的人意味着不同的东西？动物呢？它们会将颜色与情感联系起来，还是仅仅用颜色感受器来生存？这些问题几个世纪以来一直困扰着颜色研究者，在某种程度上，我们今天对这些问题的理解并不比一百年前更进一步。但Phaidon出版社最近出版的一本书让我们对颜色，至少是与艺术相关的颜色，有了更深入的理解。这本书由前洛杉矶县艺术博物馆策展人、前纽约大都会艺术博物馆项目主管斯特拉·保罗撰写，名为《色彩迷恋：艺术中的颜色故事》，书中重点介绍了240件艺术作品。她对颜色的详尽探索不仅为艺术家们在历史上使用十种不同颜色类别的无数方式带来了新的视角，还探讨了颜色与科学、情感、美学及人类文化其他领域的交汇。今天，我们想深入了解保罗书中提到的几位艺术家的作品，以展示蓝色的多样性和力量：海伦·弗兰肯塔勒、巴勃罗·毕加索和伊夫·克莱因，并看看他们的遗产如何在当代抽象艺术中延续。

看见颜色：视觉的主观性

关于颜色的奇怪之处之一是，两个人可以在同一时间、同一地点看着同一个物体，却仍然声称他们看到的颜色不同。我们会想，“这怎么可能？颜色不是客观的吗？”但简短的答案是否定的。颜色往往是主观的。原因与人类如何感知颜色的科学有关。人类（以及大多数其他能看见颜色的动物）是三色视觉者。这意味着人眼中的感受器能感知三种基本波长，对应颜色。你可能听说过一些打印机使用的RGB颜色模型。RGB的首字母代表红色、绿色和蓝色。这是最接近人类视觉的颜色模型。显然，红、绿、蓝并不是人眼能感知的唯一颜色。事实上，大多数人能感知多达七百万种不同的色调。但这些不同的色调都是在眼睛首先感知为红、绿、蓝的某种组合后，在大脑中被解读的。

此外，我们感知一个物体颜色不仅仅取决于物体本身。是的，我们可以分析物体的材质，并根据其化学成分推断该材质可能呈现的颜色。但物质的化学成分并不是决定我们感知颜色的唯一因素。人类能够感知颜色的原因是光。而光本身也可以有颜色，这种情况下它会改变我们眼睛看到表面颜色的方式。此外，不同人的眼睛对光的敏感度也可能不同，或者敏感方式不同，这导致两个人的大脑对颜色的解读也会不同。基本上，使我们能看到颜色的同样因素，也会改变我们对颜色的感知。因此，谈论颜色有时确实显得主观，而争论某物的颜色到底是什么，有时看起来甚至有些可笑。

海伦·弗兰肯塔勒 - 可移动的蓝色 - 1973年

蓝色的情感重量

然而，不同人在看到某种特定颜色时所感知的差异，通常不会像例如一个人看到红色而另一个人看到蓝色那样戏剧性。通常，这种差异更为微妙，比如一个人看到天空蓝，另一个人看到碧绿色。但大脑在看到某种颜色时感知的其他方面，超出其物理属性，可能会有很大差异。正如《Chromaphilia: The Story of Color in Art》一章开头关于蓝色的句子所说，“蓝色有许多种——色调相同，但在外观、效果、起源和意义上有无穷的变化。”

外观我们已经讨论过了。但真正有趣的是当我们考虑“效果、起源和意义”时。就效果而言，有人看到蓝色会感到平静，而另一些人看到蓝色则会感到悲伤。我们对颜色的反应很大程度上取决于我们过去与这种颜色的经历。起源是另一个引人入胜的方面，因为每种蓝色的变化都源自某种根本不同的元素混合。蓝色颜料的变化可能来自不同的结合剂和矿物的组合。蓝色光的变化可能与空气中不同的粒子有关。至于意义，那就更加复杂了。每个人、每个群体和每种文化都与蓝色建立了自己独特的关系。因此，在艺术作品中使用蓝色时，最终观众会感知到什么样的意义是无法预测的。为了探讨艺术中蓝色感知的巨大差异，可以考虑《色彩狂热：艺术中的色彩故事》中提到的三位艺术家：伊夫·克莱因、海伦·弗兰肯塔勒和毕加索的作品。

巴勃罗·毕加索：蓝色如忧郁

色彩对巴勃罗·毕加索来说至关重要，尤其是在他艺术生涯的早期阶段。他那个时期的作品常常根据色彩来分类，比如他的玫瑰时期和蓝色时期。这些分类显然与他当时绘画中使用的主要颜料有关，但也与他个人生活的环境有关，据说这些环境影响了他选择用不同色调表现的主题。例如，他的玫瑰时期大约从1904年持续到1906年。这一时期恰逢他与情人费尔南德·奥利维耶的恋情开始，以及他搬到巴黎蒙马特区。他玫瑰时期的作品多为欢乐的形象，如丑角和马戏团。正是在玫瑰时期的末期，毕加索创作了具有开创意义的粉色调作品《亚维农的少女》，这幅作品常被认为是立体主义的前奏。

毕加索的蓝色时期早于他的玫瑰时期，大约从1901年持续到1904年。这段时间他的生活被抑郁和悲伤的意识所主导。毕加索曾说：“当我得知卡萨赫马斯去世时，我开始用蓝色作画。”这句话指的是他的挚友卡洛斯·卡萨赫马斯，他在毕加索外出时在巴黎一家咖啡馆开枪自杀。毕加索回到巴黎后，住进了卡萨赫马斯的工作室，开始创作几乎是单色的蓝色作品。正如斯特拉·保罗在《色彩迷恋：艺术中的色彩故事》中指出，“《老吉他手》中弥漫的蓝色是悲伤、被剥夺权利和边缘化的物质表现。暮光般的低落情绪笼罩着画中人物那不自然的蓝色皮肤、衣服和周围空间。这个沮丧的盲人音乐家那棱角分明的动作和细长的四肢与面部特征强化了蓝色所传达的印象。”但从伊夫·克莱因、海伦·弗兰肯塔勒和巴勃罗·毕加索这三个例子中我们可以看到，蓝色并不总是传达悲伤，也不总是指天空或大海。我们所说的蓝色涵盖的色调范围几乎是无穷无尽的。同样，我们能从这种颜色中引发的情感、感觉、语境和意义的潜在范围也同样广阔。

巴勃罗·毕加索 - 《盲人的早餐》，1903年，布面油画

伊夫·克莱因：蓝色如无限

说到20世纪艺术和蓝色，没有哪个艺术家比伊夫·克莱因更能迅速浮现在大多数人脑海中。传说年轻时，克莱因曾与他的朋友、艺术家阿尔曼和法国作曲家克洛德·帕斯卡尔一起在海滩上闲逛。三人将世界划分为三部分。阿尔曼选择了大地，帕斯卡尔选择了书写符号，而克莱因选择了天空，随即举手在空中签下自己的名字。从那一刻起，颜色对克莱因变得重要。他最早的展览之一展示了用各种纯色绘制的单色画布。但当观众未能理解他想表达的内容时，他意识到必须简化，只用一种颜色来表达他的观点。于是他开始开发自己的标志性色调。

正如Stella Paul在《Chromaphiliaa: 艺术中的色彩故事》中解释的：“[Klein]与Edouard Adam合作，后者是巴黎的一位颜料供应商，曾与罗纳-普朗克的化学家协商，创造了一种合成粘合剂……结果是Rhodopas M60A，可以用乙醇和乙酸乙酯调节粘度。这种粘合剂保留了颜料的神奇光泽……Klein委托使用这种新粘合剂定制了自己的合成颜料，并将其专利命名为IKB（国际克莱因蓝）；从1957年起，他几乎专门使用这种颜料。”Klein使用国际克莱因蓝创作了标志性的单色蓝色画布和多个大型公共装置。他还用它创作了他最具影响力的作品之一：表演艺术作品，裸体模特将自己涂满IKB颜料，然后以各种姿势将身体压在画布上。

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives

Helen Frankenthaler：蓝色如抒情的记忆

抽象画家Helen Frankenthaler是20世纪另一位精通蓝色的艺术大师。Frankenthaler发明了一种名为浸染法的绘画技术。这种技术是将颜料直接倒在铺在地板上的未上底漆、未拉伸的画布表面，然后让颜料渗入纤维，自行扩散覆盖画布表面。Frankenthaler最初用油画颜料进行这种技术，但很快发现油画颜料会迅速损坏生画布。因此，她成为丙烯颜料的早期支持者，因为丙烯颜料不会对画布产生同样的破坏作用。然而，丙烯颜料在色调上具有鲜艳、明亮的特质。通过将不同的纯色直接倒在画布上，Frankenthaler能够引导颜料流动，以新的方式探索色彩关系，而不受线条、形状、质感或形式等元素的概念干扰。

在《色彩迷恋：艺术中的色彩故事》中，Stella Paul特别关注Helen Frankenthaler于1952年创作的画作《山与海》。这被认为是Frankenthaler首次使用浸染技法创作的画布。Paul这样评价这件作品：“从新斯科舍的短暂停留回到纽约工作室后，Frankenthaler回忆说她已经将加拿大的风景内化，这不仅深植于她的心中，也融入了她的肩膀和手腕。在这种心身背景下，她创作了一幅抒情的田园抽象画，通过色彩唤起对一个地方的记忆。”Frankenthaler将倾倒颜料的过程概念化为将内化于体内的某种东西转化为画布上外显的表达。这幅画几乎完全使用了红色、绿色和蓝色的色调，其中各种蓝色调最为突出，作为海洋的抽象而非具象表现。

Helen Frankenthaler - 蓝色流动（Harrison 134）- 1987年

今日收藏蓝色：当代大师

正如我们从这些历史例子中看到的，蓝色并不总是传达悲伤，就像它并不总是指天空或大海一样。我们所说的蓝色所涵盖的色调范围似乎无穷无尽，而我们能从这种颜色中引发的情感、语境和意义的潜在范围同样广阔。

要理解Klein的概念蓝与Frankenthaler的物理沉浸如何在当代艺术中融合，必须关注无可争议的当代光、空间与视觉大师：James Turrell。

在他著名的沉浸式Ganzfeld装置和建筑Skyspaces中，Turrell剥离了所有物质，孤立出纯净、饱和且极为特定波长的蓝色光。通过用单色光填满整个房间，他迫使观众的眼睛适应一种密集、振动的蓝色氛围，在那里深度感知停止发挥作用。光不再是透明的；它成为一种物理的、可触摸的物质，完全填满空间。对Turrell来说，颜色不是表面上的一层油漆，而是一种决定我们生物学极限的物理体验。他以宏大的规模展示了蓝色是一种心理目的地——一个改变我们与无限概念关系的门户。

James Turell - 椭圆食天空间 - Venet基金会

如今，许多收藏家渴望将这种深刻的蓝色情感共鸣带入日常生活，推动他们收藏当代抽象艺术。在IdeelArt上浏览超过3000件独家精选抽象艺术作品的丰富藏品，可以轻松看到当今领先的当代画家如何通过深刻的智识和高度独特的风格手法，延续这一强大色彩的遗产：

硬边极简主义与简约抽象

美国艺术家Joanne Freeman利用纯色颜料的纯粹且毫不妥协的冲击力，探索简约抽象的核心原则。在《Covers 3 Ultramarine》和《Covers 2 Cobalt》等作品中，她运用硬边极简形状，在手工Khadi纸上形成鲜明对比。深受包豪斯和中世纪图形设计几何实用性的影响，Freeman通过平衡胶带封闭的控制区域与自发的手势标记，传达纯蓝色的物理权威感——让人联想到伊夫·克莱因。她的作品巧妙地将城市标志和建筑阴影简化为纯净、明亮的色彩关系。

Joanne Freeman - Covers 24 Blue D Summer - 2016

概念驱动的网格与结构化色彩场

韩国艺术家Kyong Lee将色调视为既广阔的感官领域，又是高度精确、概念驱动的语言。Lee开发了一个包含400多种独特色调的个人“色彩字母表”，每种色调都精心对应特定的情感或心理状态。在她的情感色彩场和情感色彩变化系列中，她平滑、纯净的蓝色渐变绝非随机，而是经过精心计算的心理过渡。在她的“颜色作为形容词-名词的绘画”系列中，她利用严格的几何网格组织深蓝色调，将平面色彩场转化为人类心理的结构化语言地图。

Kyong Lee - 情感色彩变化 53 - 2025

抒情抽象与反思性过程绘画

总部位于纽约的Emily Berger继承了抒情抽象和抽象表现主义的丰富传统，探索色彩的氛围重力和触觉重量。在《Elegy》和《Blue on Blue》等作品中，Berger在木板上层叠涂抹油画颜料的手势式水平带，从上到下堆叠。她刮擦、涂抹并引导颜料，展现时间的物理痕迹。由于颜料带在重力作用下轻微下垂，她的作品成为绘画事件的不完美且深具人性化的记录。她深沉、忧郁的色调唤起毕加索蓝色时期的内省情绪，通过安静、冥想的过程实现。

Emily Berger - 蓝中之蓝 - 2020

手势抽象与行动绘画

德国画家Manuela Karin Knaut打破了蓝色必须是平静力量的任何观念，传达了手势抽象和战后行动绘画的原始、物理能量。她的表现主义混合媒介画作，如《Expedition》和《Right from the Source》，在画布上呈现爆炸性、混乱的事件。Knaut通过直觉的添加与擦除过程构建她的构图，将传统丙烯颜料与日常街头废弃物如胶水、织物和废纸混合。这是一种“抽象朋克”美学，赞美城市废墟的美和自发的身体动作，将蓝色转化为狂野、未经修饰的自然力量。

Manuela Knaut - 高线（四联画）- 2025

后极简主义、色域绘画与感知深度

美国艺术家Macyn Bolt的作品处于后极简主义和色域绘画的交汇处，探讨颜色和边界的变化如何改变我们对空间的理解。在如Day for Night 3、从这里到那里（现在时）（下图）和Skipstep AA等丰富如天鹅绒般的作品中，Bolt运用平坦且高度饱和的蓝色大面积色块，间或被细微且对比鲜明的内部边界打断。这些变化的边缘——从电光钴蓝到深邃阴影的群青色——创造出强烈的视觉和结构张力。Bolt的画作不是平面、被动的单色，而是作为物理门户，挑战观者的眼睛去导航那一空间平面结束与另一空间平面开始的精确而难以捉摸的边界。

Macyn bolt - 从这里到那里 - （现在时）- 2023

蓝色拒绝被限定为单一含义。无论你是在寻找群青的醒目图形冲击、色域的氛围深度，还是原始能量的混沌飞溅，完美的蓝色艺术作品都有能力彻底改变你的收藏和家居的氛围。

封面图片：伊夫·克莱因 - 无题蓝色单色画，1960年，照片©伊夫·克莱因档案
所有图片版权归艺术家所有，仅用于说明目的

作者：Phillip Barcio（2017年）和Francis Berthomier（2026年）

常见问题：艺术中蓝色的历史、化学与收藏

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