阿尔曼如何重新定义组合
对于艺术爱好者来说，没有什么比听到艺术家用自己语言讲述自己的故事更令人兴奋。年轻的阿尔芒·费尔南德斯如何转变为阿尔曼，20世纪最具创新性的概念艺术家之一的故事，最初是在1968年为美国艺术档案馆录制的阿尔曼艺术家采访中亲自讲述的。在这次迷人的采访中，阿尔曼详细而迷人地讲述了他到那时为止的生活故事。他回忆起战前的青春，和慈爱的父母在尼斯一起成长。他的父亲出身于富裕家庭，性格温和，是一位“周日（业余）画家”，还拥有一家古董店。阿尔曼的母亲来自贫困家庭，没有被丈夫的富裕亲属接受。她坚强而聪慧，专注且是一位才华横溢的音乐家。阿尔曼回忆起在纳粹占领期间几乎饿死的经历，并自豪地谈到他的战后艺术史和柔道教育。最后，他讲述了导致他成为新现实主义创始成员的冒险经历，他在采访中表示这个运动“持续了二十分钟。”
阿尔曼、克莱因和帕斯卡尔划分世界
阿尔曼与新现实主义创始成员的故事，是三位年轻朋友在二战后一起游历欧洲的故事。某个下午，这三位朋友（艺术家伊夫·克莱因和诗人克劳德·帕斯卡）发现自己在海滩上。阿尔曼回忆道，“……我们决定成为国王，但不是为了戴上王冠，而是要成为负责任、有意识的国王……然后我们划分了世界。伊夫·克莱因负责一切有机生命……活着的。克劳德·帕斯卡负责一切自然但没有生命的东西，比如石头。而我，负责一切人造的。”
阿尔芒 - 资产阶级垃圾 (Déchéts Bourgeois), 1959. © 2018 阿尔芒工作室
在接下来的六十年里，阿尔曼通过美学地表达生产、消费和毁灭的过程，扩展了他对“一切被制造的东西”的统治。他组装了大量的产品，专注于同类物品、发现物和垃圾的收藏。他创造了组合物，制作了版画和绘画，建造了雕塑和浮雕，并常常将他的作品封装在有机玻璃或混凝土中。他专注于探索一种基于大规模生产、制造产品的重复视觉语言。他丰硕努力的结果是，到他在2005年去世时，阿尔曼已成为世界上最著名的概念艺术家之一，专注于组合技法。
阿尔曼 - 孩子的垃圾 (Poubelle des Enfants), 1960. © 2018 阿尔曼工作室
积累的艺术
在阿尔曼的职业生涯中，他积累了许多东西。他是一个天生的收藏家。他最早的积累行为之一是收集和展示垃圾的积累。他以他称之为Poubelles（法语中的垃圾桶）作品的形式展出了他的垃圾积累。阿尔曼的一些Poubelles被展示在木头或有机玻璃制成的盒子里。在他或许是最著名、最宏伟和最雄心勃勃的Poubelle中，阿尔曼用垃圾填满了巴黎Iris Clert画廊的整个展览空间。这个展览被称为“满了”，是对两年前在同一画廊由他的朋友伊夫·克莱因举办的展览“虚空”的回应，在那个展览中，画廊被涂成纯白色，除了墙边的一个空柜子外，展览中没有其他物品。
阿尔曼的愤怒 - 立体主义磨坊，1961年。© 2018 阿尔曼工作室
除了垃圾，阿尔曼还收集了一些仍然可以作为产品使用的类似物品。他从简单的物品积累开始，比如熨斗、橡皮图章和油漆管。与他的垃圾积累一样，他将这些物品的积累展示在亚克力玻璃或木箱中。到1960年代，他开始积累具有更戏剧性美学影响的物品，如斧头、钻头、乐器、机器零件、汽车零件和衣物。当他开始将这些物品组合成三维雕塑物体时，他创造了最终成为他标志性拼装风格的作品。
阿尔曼的愤怒 - 巴尼的斧头，1962年。© 2018 阿尔曼工作室
阿尔芒·费尔南德斯艺术中的惊艳美学
除了汇编他标志性的积累和创造他标志性的组合，这些作品从消费和浪费的角度审视制造物品，阿尔芒还花了大量时间思考破坏。在他称之为Colères的作品中，阿尔芒故意砸碎或焚烧物品，然后将其破碎的碎片以抽象的方式排列在画布上。法语中的“colères”意为愤怒，阿尔芒称这些作品为他的“愤怒”。他的Colères包括砸碎钢琴、萨克斯风和小提琴等乐器，以及咖啡磨、打字机和相机等日常物品。
阿尔芒 - 大提琴椅，1993年，铸铜大提琴形状的椅子，33 1/2 x 16 x 19 英寸。© 2018 阿尔芒工作室
阿尔曼还从切割的角度探索了破坏，通过将物体切成几部分。与他破碎的物体一样，他经常将乐器等物体切开，并将它们展示在画布上。在其他情况下，他会切割雕塑的部分，例如一尊1962年的圣女贞德小雕像，他从中切割了她身体的大部分。有时，这些切割的物体似乎像一个哲学谜题，试图通过拆解某物来研究它是如何运作的，以至于它不再运作。其他时候，比如他1997年的切割拼装作品《雅马哈的精神》，则显得有些异想天开，甚至可能是荒谬的。
阿尔曼 - 《公牛部分》，1956年，橡胶印章痕迹附在面板上，19.7 x 12.1 英寸。© 2018 阿尔曼工作室
阿尔曼制作人对阿尔曼艺术家
阿尔曼不仅对发现的物品和废弃物感兴趣。除了研究产品的积累、消费和破坏，阿尔曼还在他的职业生涯中花费了大量时间研究生产的行为。他通过雕塑来实现这一点。他曾经为他的朋友伊夫·克莱因的裸体身体制作了一个石膏模具，铸成青铜后又将其涂成伊夫·克莱因蓝色。与他其他技术一样，他在雕塑中也常常回归到乐器的主题。有时他的乐器雕塑是成组制作的，有时则被拆分开来以零件形式展示，有时他将它们制作成家具，如桌子底座或椅子。
阿尔芒 - 《吊带的魅力》，1958年，纸上墨水装裱在画布上，150 x 204 厘米。© 2018 阿尔芒工作室
二维作品
阿尔曼也是一位多产的二维艺术创作者。在他发明自己标志性的拼贴风格之前，他开始对多重作品进行研究，最初是通过二维作品。他对多重作品的最早研究以他所称的Cachets和Allures的形式出现。Cachets是通过使用传统橡皮图章在表面上进行重复标记而创作的二维作品。Allures则类似，但涉及使用浸入墨水的普通物体的印章状印记来制作抽象构图。
阿尔曼 - 无题，1994年，丙烯颜料和画刷装裱在画布上。© 2018 阿尔曼工作室
通过他称之为刷子画的作品，阿尔曼弥合了他二维作品与积累和组合实践之间的概念差距。在这些作品中，他使用刷子将媒介涂抹到二维表面上，然后将刷子附着在表面上。结果是一幅包含了绘制它的刷子本身的雕塑元素的画作。尽管阿尔曼在他的职业生涯中对立体主义者做出了许多致敬和引用，但这些作品在捕捉时间和过程的能力上代表了一种概念上的胜利，因其存在而变得四维，实现了立体主义者们所珍视的东西。
阿尔曼 - 长期停车，1982年。© 2018 阿尔曼工作室
阿尔曼的公共遗产
阿尔曼最重要的天赋之一就是他的真实性。从小他就是一个收藏家，欣赏制造物品，这些特质受到他父亲作为古董商的工作的影响。他真正热爱音乐，这一特质受到他母亲的鼓励，她是一名大提琴演奏家。在战争期间，他和大多数邻居一样，经历了多年的饥饿。那些早期的影响表现为对乐器美学的欣赏，对囤积、浪费和被丢弃资源的迷恋，以及对收藏、保护和保存的热爱。
阿尔芒 - 中国之夜，1976年。© 2018 阿尔芒工作室
当阿尔曼在1960年代来到美国时，他目睹了一种与他所离开的战后欧洲截然不同的文化。他见证了前所未有的大规模消费。对他所融入的文化的持久评论，最好通过他的一件纪念性公共雕塑来总结，这件作品高达18米，名为长期停车。这件作品由60辆汽车封闭在混凝土中组成。
阿尔曼 - 雅马哈的精神，1997年，切片大钢琴与雅马哈摩托车。© 2018 阿尔曼工作室
尽管其含义可能模糊，这件雕塑与阿尔芒的许多作品一样，传达了一种直观而现代的东西，任何当代人都无法置身事外。它传达了组合的理念：将不同的部分拼凑在一起，将我们丢弃的碎片、破损的部分、废墟和我们的集体身份转变为有意义的东西，如果我们幸运的话，还是美丽的。
特色图片：阿尔曼 - 《积累雷诺106号》，1967年
所有图片仅用于说明目的
由 Barcio 贡献
