خلف ممارسة جوان سنايدر المتجاوزة
جوان سنايدر حققت شيئًا نادرًا ما يحققه الفنانون: لقد أصبحت رمزًا. عادةً، لكي يُعتبر الفنان أيقونيًا، يجب أن يركز على أسلوب واحد، أو تقنية واحدة، أو طريقة توقيع واحدة. جاكسون بولوك هو رمز بسبب لوحاته المتناثرة؛ جورجيا أوكيف هي رمز بسبب لوحات الزهور الخاصة بها؛ مارك روثكو هو رمز بسبب لوحات حقل اللون الخاصة به؛ إيف كلاين هو رمز بسبب استخدامه المميز لـ "IKB Blue". يمكن أن تستمر القائمة إلى ما لا نهاية. ما يجعل سنايدر رمزًا مثاليًا لزماننا، مع ذلك، هو أنها ليست معروفة بشيء محدد واحد. لقد بذلت جهدًا لتجنب إنتاج نوع معين من الأعمال، أو استخدام أي طريقة أو تقنية معينة. منذ أن حصلت على الاعتراف بعملها في أواخر الستينيات، تطورت ممارستها باستمرار. كل لوحة تصنعها تأخذ منطقها الخاص، محددة بالماضي فقط بقدر ما يتم إبلاغها به. تمتلك سنايدر نوعًا من الحدس المحبب بطبيعته، والذي قد يُعتبر في بعض الدوائر حكمة أو تنويرًا ولكنه في الحقيقة أقرب إلى التواضع. إنها تحتضن ما كان، وتقبل تأثيره على ما هو، ولا تتظاهر بمعرفة ما سيكون. هذه العقلية تبقيها متفائلة بحذر على الرغم من المعاناة التي مرت بها، وتبقي لوحاتها جديدة بلا حدود. لن يتمكن المشاهدون أبدًا من توقع ما ستفعله سنايدر بعد ذلك في استوديوها، لأنها هي نفسها لا تعرف حقًا. على الرغم من أنها تخطط وترسم وتدوّن الأفكار بشغف، إلا أنها تقول إن لوحاتها تشبه في الواقع الجاز - "إنها تحدث فقط." تتجاوز سنايدر أي محاولات لوصف عملها من خلال رفض تقييده. تظل منفتحة وصادقة وحرة. على عكس معظم الفنانين الأيقونيين الآخرين، الذين يتم أسرهم بواسطة بعض الحقائق المعتمدة المفروضة عليهم من قبل التاريخ أو السوق، تعتبر سنايدر مثالًا أيقونيًا لفنانة تعرف أنها تحتاج فقط أن تكون صادقة مع نفسها.
المتطرف الأول
إذا كان هناك كلمة واحدة قد تخاطر سنايدر بأن تُوصف بها، فستكون المصطلح "ماكسيماليست". وُلدت في عام 1940، وحصلت على درجة الماجستير في الفنون الجميلة في عام 1966 من جامعة روتجرز، على بعد بضعة أميال من المكان الذي نشأت فيه في هايلاند بارك، نيو جيرسي. كان عالم الفن في ذلك الوقت يت flirt مع عدد قليل من الحركات المميزة: فن البوب، فن الأوب آرت، الموجة الثانية من التعبيرية التجريدية، الفن المفاهيمي، فن الأداء. ولكن بلا شك، كانت الاتجاهات الناشئة الأكثر هيمنة هي الحد الأدنى. كان الفنانون مثل دونالد جاد، سول ليويت و فرانك ستيلا يدهشون عيون وعقول عشاق الفن بتكويناتهم المبسطة وغير العاطفية. بالنسبة للعديد من المشاهدين، القيمين، والتجار، بدا أن أعمالهم هي الترياق المثالي لعقدين من الأعمال المشحونة عاطفياً من قبل فنانين مصممين على التعبير عن كل واحدة من مشاعرهم اللاواعية العميقة.
جون سنايدر - هل يمكننا تحويل غضبنا إلى شعر، 1985. طباعة ملونة على ورق ريفس BFK. 30 1/4 × 44 1/4 بوصة؛ 76.8 × 112.4 سم. نسخة طباعة تجريبية/20 + 1AP. أندرس والستيد للفنون الجميلة، نيويورك. © جون سنايدر
رأت سنايدر هؤلاء الحداثيين وقدّرت الهيكل والثقة في أعمالهم. لكنها أدركت أيضًا أن أعمالهم لا تتعلق بها شخصيًا. وبالمثل، لم تعتقد بشكل خاص أن أيًا من تلك الحركات الأخرى لها علاقة بها أيضًا. كانت تدرك أن جميع هذه الحركات الفنية قد تطورت من سوق فني أبوي ورؤية مشوهة وغير مكتملة تركز على الذكور لتاريخ الفن. لم تكن تعرف بالضبط نوع اللوحات التي تريد أن تصنعها، لكنها كانت تعرف أنه مهما رسمت، سيكون ذلك صادقًا مع نفسها. كانت أولى اللوحات التي صنعتها بعد المدرسة استكشافات فنية للغة الشبكة. ثم جاءت سلسلة من اللوحات المعروفة باسم "Stroke"، التي رسمت اللغة البصرية لضربات الفرشاة. كانت كلاهما محاولات لبناء تركيب شخصي يمكنها من خلاله التواصل مع روايات شخصية معقدة ومتعددة الطبقات. في هذه الأثناء، كانت الشيء الوحيد الذي تركز عليه فوق كل شيء آخر هو إضافة المزيد والمزيد إلى العمل حتى يقول ما تريد أن يقوله. تقول: "كانت فكرتي بالكامل هي أن يكون هناك المزيد، وليس أقل في اللوحة." تم تسمية نهجها "الحد الأقصى".
جون سنايدر - أغنية الخريف، 2002. زيت ووسائط مختلطة على قماش. 50 × 96 بوصة؛ 127 × 243.8 سم. معرض ألكسندر، نيويورك. © جون سنايدر
تراث من النضال
لقد قارن سنايدر أحيانًا أعمالها بالسيمفونيات. بلا شك، يمكن قراءة مزيج طبقات الإيمباسو، والفتات، والتقطيرات، والأشكال الكروية في لوحات مثل "أمور ماتريس" (2015) أو "سيمفونية السابعة" (2014) كأنها موسيقى بصرية تنتظر الترجمة بواسطة آلة أرواحنا المعذبة. ومع ذلك، تشترك هذه اللوحات أيضًا في شيء ما مع الأدب الملحمي. تتكشف السرديات، مدفوعة إلى الأمام بواسطة الظلام الشديد والنور للألوان والنغمات. الأشكال الخام والبدائية تعلن عن نفسها بوجود شخصية وفخر؛ إن نضالها لتصبح شيئًا أكثر يمثل تحديًا هائلًا لعيوننا وعقولنا. الكلمات التي يقدمها سنايدر إلى لوحات مثل "لآلئ مسحوقة" (2017) - أحيانًا من خلال كتابتها وأحيانًا من خلال خدشها في الوسط - توجه أفكارنا ومزاجنا. في النهاية، ومع ذلك، فإن الأغاني التي نسمعها أو القصص التي نقرأها في هذه الصور لها علاقة أكبر بسردنا الداخلي أكثر من أي شيء آخر دفع سنايدر لوضع الفرشاة على السطح.
جون سنايدر - لآلئ مسحوقة، 2017. وسائط مختلطة. زيت، أكريليك، قماش، قلم ملون، باستيل، خرز، وبريق على قماش. 137.0 × 91.5 سم. 53.9 × 36.0 بوصة. معرض فرانكلين باراش. © جون سنايدر
بغض النظر عن كيفية اختيارنا للنظر إلى اللوحات التي يصنعها سنايدر، فإن الشيء الذي لا يمكن إنكاره هو أن جميعها تشترك في تراث من النضال. لقد ناضلت سنايدر مع نفسها لتجعلها موجودة - وهو واقع يتضح من تعقيدها البصري الهائل وعمقها المادي. ومع ذلك، فهي ليست دليلاً على نوع النضال الذي نفضل تجنبه. بدلاً من ذلك، هي دليل على نضال شبه مبهج. إنها تتألق بنوع من الفخر الشبابي الذي نحمله معنا في أي عمر كلما تغلبنا على قلقنا البشري الطبيعي. وكأنها في سردها المتجول تحاول أن تقدم لنا حلولاً يصعب شرحها ولكنها لا يمكن إنكارها لمشاكل كنا نعلم دائماً أننا نملكها، ولكن بفضل سنايدر وجهودها لتكون صادقة مع نفسها، نعلم الآن أننا نشاركها.
الصورة المميزة: جون سنايدر - منظر بحري صغير، 2011. زيت وأكريليك على الكتان. 18 × 24 بوصة؛ 45.7 × 61 سم. معرض ألكسندر، نيويورك. © جون سنايدر
جميع الصور المستخدمة لأغراض توضيحية فقط
بواسطة فيليب Barcio
