خمسة تماثيل بارزة لـ Anthony كارو
عندما توفي في عام 2013، كان Anthony Caro يُعتبر أكثر النحاتين البريطانيين تأثيرًا في جيله. جاء تأثيره من عمله ومن تدريسه على حد سواء. كان يدرّس في مدرسة سانت مارتن للفنون في لندن يومين في الأسبوع من عام 1953 حتى 1981. أثناء وجوده هناك، كانت إحدى ابتكاراته الرئيسية هي دمج دروس النحت والرسم، مغيرًا تركيز الدروس من تقليد المواضيع إلى "فهمها". نفس هذا المنظور حدّد أيضًا عمله كفنان. في بداياته، كان يقلد تماثيله من الحياة. كان يصنع أعماله الأولى عن طريق التشكيل أو النحت من الحجر، ويضعها على قواعد بالطريقة التقليدية. لكن في عام 1960، غيّر فجأة أسلوبه إلى صنع تماثيل غير تصويرية ومجردة من المعدن، ووضعها مباشرة على الأرض. بدلاً من أن يشعر المشاهدون بأن هذه الأعمال منفصلة عن بيئتها، كانوا يشعرون بالاتصال بها ويمكنهم حتى التجول حولها وملاحظة التغيرات في مظهرها أثناء تحركهم. هدفه في الفهم، ثم التعبير عن الجوهر المجرد لموضوعاته، قاده أيضًا إلى استنتاج أنه يجب أن يستخدم الأشياء والمواد المعثور عليها في عمله. هذه، كما شعر، هي أشياء الحياة اليومية الحديثة. المعنى الكامن فيها يتحدث بصوت عالٍ للمشاهدين المعاصرين. تطوره كفنان جعل من Caro جسرًا مثاليًا بين فنانين مثل مارسيل دوشامب، الذي جمع أولاً الأشياء الجاهزة من الحياة اليومية في تماثيل، وفنانين معاصرين مثل جيسيكا ستوكهولدر، الذين يوسعون هذا المفهوم إلى خلق تجارب إدراكية واسعة النطاق تعيد تعريف العلاقات الإنسانية مع الفضاء. الإرث الذي تركه Caro هو إرث من الاختراع الدؤوب، وهنا خمسة من أبرز أعماله:
امرأة تستيقظ (1955)
تعلم Caro النحت من الطبيعة أثناء دراسته في الأكاديمية الملكية في لندن. تم تعليمه تقليد تماثيل الفنانين اليونانيين والرومان والإتروسكان مباشرة. بعد تخرجه، انتقل من لندن إلى هيرتفوردشاير حيث اتصل بشكل غير متوقع بهنري مور، النحات البيومورفي الحديث العظيم، وطلب وظيفة كمساعد في ورشته. رفضه مور، لكنه أخبره بالعودة بعد ستة أشهر. عاد Caro وحصل على وظيفة. ومع احترامه لمور، كان Caro يعاني من صراع داخلي بين تدريبه الأكاديمي وتأثير مور عليه. عندما حصل Caro على أول معرض فردي له في عام 1956، كانت تلك التأثيرات المزدوجة واضحة تمامًا، خاصة في التمثال الأكثر إثارة للجدل في المعرض: "امرأة تستيقظ" (1955). وضعية المرأة تشبه بلا شك الأشكال الأنثوية المستلقية التي نحتها مور، في حين أن الخصائص الجسدية والعاطفية البطولية للعمل تستحضر العديد من الإشارات الكلاسيكية.
أربع وعشرون ساعة (1960)
على الرغم من صراعه الداخلي لإيجاد صوت أصلي، كانت التماثيل التصويرية التي صنعها Caro تحظى بترحيب الجمهور. عُرض أحدها في بينالي البندقية 1958، وفاز آخر بجائزة النحت في بينالي باريس 1959. لكن الشهرة جلبت له أيضًا اتصالًا بفنانين تجريديين مؤثرين من الولايات المتحدة، مثل هيلين فرانكنثالير، كينيث نولاند، وروبرت ماذرويل. تفاعله معهم غذى دافعه الغريزي نحو التجريد، وشجعه على امتلاك الثقة لإجراء تغيير جذري في أسلوبه. ظهر نهجه الجديد لأول مرة في عام 1960 مع "أربع وعشرون ساعة". نجاح هذا العمل دفعه إلى إعادة هيكلة منهج تدريسه بشكل جذري، مما وضعه في طليعة الطليعة الأكاديمية البريطانية.
في صباح مبكر (1962)
في عام 1963، أقامت معرضًا فرديًا في معرض وايت تشابل في لندن لخمسة عشر تمثالًا تجريديًا لـ Caro، وهو المعرض الذي أطلق شهرته الدولية. بالنسبة للعديد من المشاهدين، بدا الفضاء الداخلي للمعرض كما لو أن هناك أعمال بناء جارية—أشكال معدنية متناثرة تنتظر غلافًا خارجيًا. من بين الأشكال الأخرى، كان هناك تجميع كبير ومضيء من الفولاذ والألمنيوم باللون الأحمر بعنوان "في صباح مبكر" (1962). التقاء الأشكال والخطوط والزوايا خلق هذا الشكل الذي لا يمكن تعريفه: بوضوح نتيجة قرارات فكرية؛ اختيارات وليست حوادث. كل منظور يُشاهد منه القطعة يقدم إمكانيات جديدة. هذا ليس دعمًا لبناء آخر، بل دعم لرحلة باطنية، هدفها ببساطة هو النظر والحلم.
الأرجوحة الصفراء (1965)
عندما سافر Caro لأول مرة إلى أمريكا في عام 1959، كان من أكثر الاتصالات تأثيرًا التي أقامها مع النحات ديفيد سميث، وهو تعبيريو تجريدي كان يعمل بالفعل بالمعدن الملحوم في ذلك الوقت. أصبح سميث وCaro صديقين ومنافسين في الوقت نفسه. صنع Caro التمثال "الأرجوحة الصفراء" (1965) في نفس العام الذي توفي فيه سميث في حادث سيارة. الخصائص المتعددة الأوجه للعمل تسمح بتفسيرات بصرية لا نهائية تقريبًا مع تحرك المشاهد حوله. تم دمج الفراغ في التكوين، وأحيانًا يمارس سلطة إدراكية على المواد الصلبة. استخدامه الحي للألوان يعبر عن الرغبة التي تحدث عنها Caro ذات مرة بأن يُنظر إليه وإلى معاصريه كخلفاء لروح الانطباعية—حُماة الموقف التجريبي الثوري.
إيما ديبر (1977)
في عام 1977، وجد Caro نفسه في مأزق عندما أدرك أنه من الاستوديو النائي في ساسكاتشوان، كندا، حيث جاء للعمل مؤقتًا، لم يتمكن من الوصول إلى مواده المعتادة. لذلك تكيف مع ممارسته ليشمل نوع المعدن الرقيق المستخدم محليًا في التطبيقات الزراعية. "إيما ديبر" (1977)، المعروض أعلاه، كان أول تمثال صنعه من هذه المادة. سُمي على اسم بحيرة إيما، حيث كان يقع استوديوه. وُصف العمل بالتواضع، لأنه يقلل من أهمية التمثال نفسه. الخطوط المعدنية الرقيقة تأخذ دورًا ثانويًا أمام الأشكال التي تشكلها من الفراغات داخل وحول العمل. التمثال يشبه جوهر اللغز الطاوي الذي يقول إن الوعاء هو مجرد شكل فارغ، ومع ذلك فإن الفراغ بداخله هو ما نجده مفيدًا.
الصورة المميزة: Sir Anthony Caro - إيما ديبر، 1977. 2130 × 1700 × 3200 مم. فولاذ مطلي. مجموعة. بإذن من Barford Sculptures Ltd
جميع الصور المستخدمة لأغراض توضيحية فقط
بقلم فيليب Barcio
