التعبيرية التجريدية المتأخرة في أعمال سام فرانسيس

يقول بعض الناس إن الفنانين الحقيقيين لا يعتبرون صنع الفن خيارًا؛ بل هو إكراه. إنهم يصنعون الأعمال الفنية سواء تم دفع أجر لهم أم لا، حتى لو تم تجاهلهم. بعبارة أخرى، يصنع الفنانون الفن لأنهم لا يستطيعون عدم صنع الفن. على الرغم من أن ذلك يبدو جادًا، إلا أن سام فرانسيس اعتبر العلاقة بين الفنانين وصنع الفن أكثر كثافة. لقد رأى أن صنع الفن ليس شيئًا يفعله الفنان، بل هو شيء موجود ببساطة لأن الفنان موجود. قال: “الفنان هو عمله ولم يعد إنسانًا.” بالنسبة لفرانسيس، كان فصل الفن عن الفنان مستحيلًا مثل فصل المطر عن السحاب. المطر هو السحاب. الفن هو الفنان. لا يوجد فصل. إنهم واحد.

الظلام هو مجرد لون

عند النظر إلى تاريخ التعبيرية التجريدية، يتضح بسرعة أن الفنانين المرتبطين بأيام الحركة الأولى تأثروا بشدة بمخاوف عصرهم. كانوا من جيل محدد بالمعاناة والتضحية، مطاردين بأهوال الحرب وخوف القنبلة الذرية. من خلال أعمالهم الفنية، حاولوا بجد الاتصال بعقولهم الباطنة والتعبير عن حالاتهم الداخلية. غالبًا ما يبدو ظلام عصرهم واضحًا في فنهم، إما في لوحة الألوان أو في قلق الإيماءات والأشكال والقوام أو التراكيب. لكن تلك الأعمال نفسها تكشف أيضًا، مما يؤدي بالمشاهدين إلى تجربة حالات وعي متعالية وتأملية. فهل هو حقًا الظلام الذي يعبرون عنه؟

سام فرانسيس مرتبط بالجيل الثاني من التعبيرية التجريدية. برز بعد أن تم تضمينه في معرض 12 فنان أمريكي في متحف الفن الحديث (MoMA) في عام 1956، وهو نفس العام الذي توفي فيه جاكسون بولوك، الشخصية الرائدة في الحركة المبكرة. بدأ فرانسيس الرسم في المستشفى أثناء تعافيه من إصابة في العمود الفقري تعرض لها أثناء خدمته كطيار مقاتل في الحرب العالمية الثانية. بعد الحرب، عاد إلى المدرسة في مسقط رأسه كاليفورنيا، وحصل على درجة الماجستير من جامعة كاليفورنيا في بيركلي في عام 1950. أثناء وجوده هناك، التقى ببعض رسامي التعبيرية التجريدية من الجيل الأول، بما في ذلك مارك روثكو الذي كان يدرس في مدرسة كاليفورنيا للفنون الجميلة في سان فرانسيسكو في ذلك الوقت. وجد فرانسيس الإلهام في التركيز الذي كان لدى هؤلاء المبدعين على الوجود والتحول، وفي التزامهم بالبحث عن الذات الأصيلة. 

Sam Francis - Untitled, 1959, gouache on paper, 11.5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

زواج الظلام والنور

بالنسبة لسم فرانسي، لم تكن الظلمة والنور قوى متعارضة. بل كانت قوى تكاملية، أو ربما حتى تجليات متقلبة لنفس الجودة. قال ذات مرة: “زيادة النور تعني زيادة الظلام.” هل كان يقول إن النور والظلام هما واحد؟ أم كان يتحدث عن الطريقة التي يلقي بها النور ظلًا، مما يعني أن كلما زاد سطوع النور، زاد الظل الذي يلقيه؟ أم كان يشير إلى التنوير، والأثر الميتافيزيقي لإدراك أنه كلما تعلمنا أكثر، أدركنا كم نعرف القليل؟

لم يكن من الممكن أن يعني أيًا من تلك الأشياء. كما قال ذات مرة، “اللون يولد من تداخل الضوء والظلام.” لذا من الممكن أنه كان يتحدث ببساطة عن التباينات، وكيف أن المساحة البيضاء على القماش تعبر عن ظلام الطلاء. على أي حال، فإن تعليقاته على الأقل تقدم وجهة نظر دقيقة يمكن من خلالها تفسير الظلام الظاهر لحركة التعبيرية التجريدية بشكل عام. كما أنها تعطي لنا نقطة انطلاق لفهم الطريقة التي واجه بها الظلام، والضوء واللون في لوحاته الخاصة.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 رسام أمريكي

عرض فرانسيس سبع لوحات في معرض مجموعته المنفصلة في متحف الفن الحديث (MoMA). كانت ضخمة من حيث الحجم. كانت أصغرها أكثر من ستة أقدام ارتفاعًا وأكبرها أكثر من اثني عشر قدمًا في عشرة أقدام. كانت جميع اللوحات تحمل أسماء ألوان: أسود أزرق، أصفر، أحمر كبير، أسود في أحمر، أحمر في أحمر، رمادي، وبرتقالي داكن على أسود. كانت كل واحدة من هذه اللوحات تشترك في جمالية مشتركة، مما أسس لفرانسيس كرسام له أسلوب بصري محدد. كانت تتكون من أشكال حيوية متعددة الطبقات معززة بالتنقيط غير المقيد.

تغلف هذه اللوحات المشاهدين في التراكيب. تعيد أصوات الأعمال تعريف كلمة التركيب، لتركز أقل على ترتيب العناصر الجمالية وأكثر على ما يعنيه أن تشعر بالتكوين. إنها تبعث إحساسًا بالتحكم، والثقة، والانسجام. تعطي انطباعًا بأن كل ما هو ضروري لفهم اللوحة موجود داخل مساحة القماش. ومع ذلك، فإن طبيعتها الحسية والشخصية تدعونا إلى استكشاف أعمق لما تبقى مخفيًا بداخلها.

Sam Francis - Deep Orange on Black, 1955, oil on canvas. © The Sam Francis Foundation

الاحتواء

لم يمض وقت طويل على أن أصبح سام فرانسيس معروفًا بجماليته الفريدة حتى تجاوزها. وسع لوحة ألوانه لتشمل مجموعة حيوية من الألوان الزاهية والنقية. واستكشف مجموعة متنوعة من الأساليب في التكوين، بما في ذلك التمثيل البيومورفي في سلسلة من الأعمال تسمى الكرات الزرقاء، التي تتميز بأوراق زرقاء بارزة مستوحاة من معركته مع مرض الكلى. في منتصف الستينيات، توصل إلى أسلوب جمالي مميز آخر يتميز بضربات فرشاة ملونة حول حواف لوحاته تحيط بمساحة بيضاء شبه فارغة في الداخل.

تتحدث هذه الأعمال مباشرة وبأناقة عن المفاهيم التي عبر عنها فرانسيس حول الخفة والظلام. إن زيادة المساحة البيضاء، أو الخفة، تعزز التعبير عن الظلام الذي يتم نقله من خلال اللون. اللون مُقلل ومع ذلك يُعرّف الصورة. هذه الصور تتحدى الطبيعة الشاملة للعديد من أعمال التعبيرية التجريدية. إنها تتحدث عن العدم وعن قوة الفروق الدقيقة، وتجذب الانتباه إلى ما لا يتم التعبير عنه.

Sam Francis - Untitled, 1965, gouache on paper (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-106A), 1969, lithograph (Right). © The Sam Francis Foundation

بدون قيود

على مدار معظم مسيرته المهنية، تجنب فرانسيس مشهد الفن في نيويورك، مفضلًا العيش والعمل في باريس وطوكيو وكاليفورنيا. لم يكن مقيدًا بالاتجاهات. استخدم التقنيات المرتبطة بالرسم الحركي، مثل التنقيط، والصب، والتبخيل، كما استخدم التلوين وعمل باستخدام الفرش التقليدية. صنع مطبوعات، وحجرات طباعة، وأعمال أحادية، وعمل مع مجموعة من الوسائط والأسطح المختلفة. وتطور بلا كلل أسلوبه التكويني. في السبعينيات والثمانينيات، غالبًا ما كان يتضمن أشكالًا هندسية في لوحاته، وأحيانًا كان يرسم حتى أعمالًا هندسية حادة.

يُذكر في الغالب بسبب لوحات التلطيخ الملونة الزاهية التي أنشأها في الثمانينيات. إن التزامها بتقنيات تخلت عنها العديد من الرسامين من جيله يميزها بثقة. كانت خصائصها البدائية تتحدث في حوار مع أعمال النيو-تعبيرية لرسامين مثل باسكيات. كانت لوحة ألوانها تردد صدى فن البوب والفنانين في شيكاغو. وصورهم استحضرت تاريخ الفن التجريدي، مستذكرة رسامين مثل ميرو، كالدر و غوركي.

Sam Francis - Untitled, 1983, monotype (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-330), 1988, lithograph on wove paper (Right). © The Sam Francis Foundation

ما وراء الجيل الثاني

لم يتوقف سام فرانسيس عن تطوره الفني الشخصي. حتى بعد أن فقد استخدام يده اليمنى قبل وفاته بقليل، تعلم أن يرسم بيده اليسرى وشارك في إنشاء مجموعة كبيرة جديدة من الأعمال التي استمر في إنتاجها حتى وفاته. على الرغم من تغييره لأسلوبه الجمالي، إلا أنه لم يتخل عن المبادئ الأساسية للتعبيرية التجريدية. ومع ذلك، في تفانيه لها، قام أيضًا بتحويل ما يمكن أن تكون عليه التعبيرية التجريدية بشكل جذري. ليس من الصحيح القول إنه غيرها. لقد حافظ على عناصرها الجوهرية. لم يتوقف أبدًا عن الرسم بشكل حدسي، أو عن الاتصال بحالته الداخلية، أو عن التفاعل مع القماش كحلبة يحدث فيها حدث. لكنه أضاف أيضًا إلى التعريف. ما أضافه يلخص بشكل جيد في وصفه الخاص لماهية الرسم: “الرسم يتعلق بجمال الفضاء وقوة الاحتواء.”

كل شيء في الكلمات الأربع: الجمال، الفضاء، القوة، والاحتواء. سعى سام فرانسيس بلا خجل وراء الجمال. احتضن كل من القيود والإمكانات لفضاء محدد. اعترف وتحمل المسؤولية الشخصية عن الواقع البدائي للبحث البشري عن القوة. وأخيرًا، عبر عن الثقة والأمان المتأصلين في الإحساس بأن شيئًا ما قد تم احتواؤه. قارن ذلك بما قاله جاكسون بولوك ذات مرة عن الرسم: “الرسم له حياة خاصة به. أحاول أن أتركه يظهر.” بالإضافة إلى كل شيء آخر كانت أعمالهم تتعلق به، كان بولوك والجيل الأول من التعبيريين التجريديين غير مقيدين في تجاربهم. كانوا يمسكون نمرًا بريًا من ذيله، متحمسين لاكتشاف ما قد يفعله بعد ذلك، مفتوحين تمامًا على الإمكانيات، والأهم من ذلك ملتزمين بالحفاظ عليه بريًا لأطول فترة ممكنة. ساعد سام فرانسيس في ترويض النمر. ومن خلال ذلك، منح الأجيال القادمة من الفنانين الإذن لتعريف ما يعنيه التعبير التجريدي لهم.

الصورة المميزة:سام فرانسيس - بدون عنوان، 1962، أكريليك وغواش على ورق. © مؤسسة سام فرانسيس
جميع الصور المستخدمة لأغراض توضيحية فقط
بواسطة فيليب Barcio