Kunstens Ønske - Huguette Caland på Tate St Ives
Denne sommer får den libanesiskfødte kunstner Huguette Caland sin første soloudstilling på museum i Storbritannien, på Tate St Ives i Cornwall. Født i 1931 i Beirut flyttede Caland til Paris i 1970, hvor hun boede og arbejdede i næsten to årtier. For at tage denne beslutning forlod hun sin mand og sine tre børn i Beirut, en beslutning, som hun siger var drevet af et dybt ønske om at definere sig selv som kunstner frem for at blive defineret af sine andre traditionelle kvindelige sociale roller. Mens hun var i Paris, drevet af en nyfundet følelse af frihed og en empati med den fremvoksende feministiske kunstbevægelse, udviklede hun sine kunstneriske metoder drastisk. Hun forlod den rene figurative kunst og udviklede sin nu karakteristiske blanding af figurativ og abstrakt kunst, hvor abstrakte former og figurer uventet smelter sammen med referencer til den nøgne menneskekrop. Gennem 1970’erne og 80’erne eksperimenterede Caland frit og udforskede ideer om skønhed, erotik og sociale tabuer, især i relation til den kvindelige form. Med værker fra denne afgørende periode i hendes karriere, og med flere værker, der vises i Storbritannien for første gang, lover udstillingen Huguette Caland på Tate St Ives at give en afgørende introduktion til denne underrepræsenterede kunstners virke. Udstillingen spænder over maleri, tegning og mode og vil demonstrere både alvoren og legesygen i hendes værker, samtidig med at den fremhæver Calands unikke evne til at sammenflette modernistiske og postmodernistiske idéer.
At blive Huguette Caland
I et nyligt interview med Detroit Public Television beskriver Caland sin beslutning om at forlade Beirut som et ønske om at blive kendt som andet end sin fars datter; sin mands hustru; sin brors søster; og sine børns mor. Udover de sædvanlige forventninger, som sådanne betegnelser lægger på en kvindelig kunstner, følte Caland et ekstra pres, fordi hendes far var tidligere præsident i Libanon. Hun fortæller, hvordan hendes barndomsvenner forlod hende, fordi de var franske, og hendes far var en del af kampen for uafhængighed. ”Libanon kæmpede for sin uafhængighed,” siger Caland, ”men jeg kæmpede for min egen.” Hun rejste til Europa og USA på jagt efter kunstnerisk frihed, men vigtigere endnu på jagt efter sig selv. Den menneskelighed, der kom til udtryk gennem denne proces, er tydelig i de værker, hun skabte i denne kritiske periode. Hendes tegninger er erotiske og sanselige, men samtidig ungdommelige, humoristiske og fulde af kærlighed. Det er også tydeligt, at hun har optaget globale påvirkninger. Hendes fine streger vækker mindelser om illustratorsprog; hendes sukkerspindslignende farver minder om arven fra Color Field-kunstnere som Helen Frankenthaler og Mark Rothko; hendes primitive former refererer til det barnlige præg fra Art Brut.
Men de særprægede metoder, Caland udviklede, modsiger også enhver direkte tilknytning til en forudbestemt retning. Hendes vision defineres i stedet af den nuancerede måde, hvorpå hun blander det genkendelige med det ukendte. Et perfekt eksempel på denne grundlæggende kombination er maleriet ”Bribes De Corps” (1973), som vil være udstillet på Tate St Ives. To biomorfe, orange former samles i midten af lærredet midt i et strålende rødt felt, med en tynd stribe hvidt imellem dem. Øjet kan ikke undgå at forestille sig, at det er et billede af en åben mund med hængende mandler. Så forvandler det sig gradvist til måske et billede af en nøgen menneskekrop, bøjet forover og set bagfra. Eller også er det ingen af delene. Det er måske en gengivelse af noget abstrakt – et billede af relationer; et billede af samhørighed; en antydning af former, der finder hinanden i et fremmed landskab og skaber noget rent, nyt og lysende imellem sig. Uanset hvordan man tolker det, eller om man slet ikke gider tolke det, er maleriet ladet med en følelse af enkel, personlig glæde og en dyb påskønnelse af små ting – en passende beskrivelse af den person, Caland fandt, da hun fandt sig selv.
En kærlig omfavnelse
Et væsentligt værkområde, som Caland er blevet kendt for – og som flere eksempler på vil være udstillet på Tate St Ives – er hendes kaftaner. En kaftan er en slags mesopotamisk kappe, der er almindelig i mellemøstlige kulturer. Fra 1979 samarbejdede Caland med modedesigneren Pierre Cardin og skabte en kollektion på mere end 100 kaftaner. Traditionelle kaftaner er ofte prangende med klare, stærke farver og indviklede, dekorative mønstre, ligesom traditionelle kimonoer eller vesteuropæiske sommerkjoler. Caland skabte subtile designs baseret på sin unikke visuelle stil, ofte med figurative elementer fra sine malerier og tegninger. En kaftan havde den finurlige omrids af en nøgen kvindefigur på ryggen og forsiden; en anden havde en kærlig tegning af arme, der omsluttede den i en blid omfavnelse; en tredje havde en lineær tegning af et delt ansigt på reversen.
Som med hendes malerier og tegninger blander hendes kaftaner de visuelle sprog fra figurativ og abstrakt kunst. De viser en række ansigter og kropsdele, der smelter sammen og forvandler sig foran vores øjne til surrealistiske landskaber fulde af bulende bjerge og skiftende horisontlinjer. Vi er ikke sikre på, om vi ser noget, vi skal genkende, eller om vi kigger ind i et abstrakt spejl. De er ideelle eksempler på den humor, der altid har ledt Caland i hendes arbejde – at se dem på en mannequin er én ting; at forestille sig dem på en menneskelig bærer er noget andet. Når de bæres, folder de sig ud til bløde, organiske, levende kunstværker. De underholder og glæder med deres abstrakte ynde og udtrykker langsomt komplekse udtryk for kvindelighed, fulde af erotik, medfølelse og humor: det bedste, Caland har fundet i sin søgen efter sig selv. Huguette Caland kan ses på Tate St Ives fra 24. maj til 1. september 2019.
Fremhævet billede: Huguette Caland - Uden titel, 1970. Olie på lærred. 54 x 65 cm. Venligst udlånt af kunstneren. Tate St Ives-samlingen.
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
