Nøglefigurer i mønster- og dekorationbevægelsen

Pattern and Decoration-bevægelsen har en særlig plads i den moderne kunsthistorie. Bevægelsen opstod ud af den feministiske kunstbevægelse i 1960'erne og erklærede sig selv som en slags "tredje metode" mellem figuration og abstraktion. Bevægelsens ledere anerkendte, at instinktet til at lave dekorativ kunst har været et væsentligt aspekt af hver menneskelig kultur siden civilisationens begyndelse. Alligevel indså de også, at det patriarkalske vestlige samfund af en eller anden grund, et sted undervejs, havde vedtaget den holdning, at dekorativ kunst skulle underkastes som mindre vigtig og mindre seriøs end andre såkaldte skønne kunstformer. Grundlæggerne af Pattern and Decoration-bevægelsen afviste fuldstændig denne antagelse og erklærede, at deres formalistiske tilgang til dekorativt arbejde var lige så relevant, meningsfuld og historisk vigtig som enhver anden æstetisk position. Den overordnede filosofi for Pattern and Decoration-bevægelsen blev formuleret i 1978 af to af bevægelsens grundlæggere—Valerie Jaudon og Joyce Kozloff—i deres vidunderligt bombastiske manifest, Art Hysterical Notions of Progress and Culture. Dets åbningsafsnit siger: "Som feminister og kunstnere, der udforsker det dekorative i vores egne malerier, var vi nysgerrige på den nedladende brug af ordet 'dekorativ' i den moderne kunstverden. Ved at genlæse de grundlæggende tekster om moderne kunst indså vi, at fordommene mod det dekorative har en lang historie og er baseret på hierarkier: skøn kunst over dekorativ kunst, vestlig kunst over ikke-vestlig kunst, mænds kunst over kvinders kunst. Ved at fokusere på disse hierarkier opdagede vi et foruroligende trossystem baseret på den moralske overlegenhed af kunsten fra den vestlige civilisation." Bevægelsens ledere satte således ud for at henlægge disse forældede og unyttige hierarkier til historiens aske. Arven fra deres arbejde er en af visceral skønhed og intellektuel undren. Faktisk er det først nu, at publikum virkelig absorberer kraften i denne vitale bevægelse, og den rolle, den fortsat spiller i dag for at gøre det moderne kunstfelt mere retfærdigt, mere åbent og mere komplet.

Fem ledere af bevægelsen

Allerede i 1960 opgav Miriam Schapiro de dominerende æstetiske tendenser i tiden til fordel for at opdage en unikt personlig visuel stemme, en der i høj grad var baseret på hendes identitet som kvinde. Hendes første proto-feministiske værker var hendes "Shrines", som fungerede som en slags hellig bro mellem femininitet, spiritualitet og den opdelt modernistiske sprog af gitteret. Hun fortsatte med at skabe flere andre distinkte feministiske værker, herunder hendes monumentale "Fans", og en serie af hårde, geometriske abstrakte værker, der præsenterer dristige, lysende billeder af arketypisk kvindelig symbolik. I 1973 deltog Schapiro i "Womanhouse", et af de vigtigste feministiske kunstværker nogensinde. Hun opfandt også senere termen "Femmage" for sin distinkte metode til at blande fine kunstteknikker som collage og assemblage med håndværksteknikker som syning.

Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Akryl, tekstiler, papir på lærred. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Estate of Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.

Joyce Kozloff fik sin åbenbaring om den historiske nedvurdering af dekorative kunstarter efter at have boet i Mexico og derefter besøgt Marokko og Tyrkiet i begyndelsen af 1970'erne. Inspireret af hvordan de gamle æstetiske traditioner i disse steder stadig var levende og blomstrende i hverdagen, forfulgte hun sine egne ideer om dette emne på en række forskellige fronter. Hun begyndte at lave storslåede malerier og multimedieinstallationer, der anvendte metoder og materialer, der traditionelt var tildelt dekorative håndværk; hun sluttede sig til Heresies Collective, som deltog i feministiske sociale aktioner og udgav tidsskriftet HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics; og hun co-skrevet det førnævnte Pattern and Decoration manifest. I de årtier, der er gået siden grundlæggelsen af bevægelsen, er Kozloff blevet mere aktiv inden for det offentlige kunstfelt og har udviklet en distinkt æstetisk stemme baseret på ideen om kortlægning, både i en kartografisk og en kulturel forstand.

Joyce Kozloff - Hvis jeg var botaniker Middelhavet. 3 paneler af et 9 panelers værk. Akryl, arkiv digital inkjettryk og collage på lærred. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff

Udover at co-skrive Pattern and Decoration-manifestet, har Valerie Jaudon etableret sig som en af de mest selvsikre æstetiske stemmer i bevægelsen. Hendes karakteristiske stil blander kalligrafiske mærker med mønstre og designs, der er inspireret af mellemøstlige dekorative stilarter. Udover hendes malerier og værker på papir har Jaudon udført mere end et dusin store offentlige projekter, fra indlagte gulve til loftsmalerier til massive offentlige parkinstallationer. Det største af disse projekter er det monumentale "Filippine Garden (2004), en cementsti på grunden af den føderale domstol i St. Louis, Missouri. Dets komposition er typisk for hendes værk i den måde, det på én gang virker velkendt og eksotisk; dets rødder er smukt uklare, og det smelter sømløst ind i den naturlige og arkitektoniske ramme.

Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Olie på lærred. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.

Allerede i slutningen af 1960'erne begyndte Susan Michod at udvikle en æstetisk position midt imellem modernistisk abstraktion og de æstetiske tendenser fra forskellige gamle indfødte traditioner. Hendes arbejde balancerer mellem disse to samarbejdende perspektiver, og minder om både den hypnotiske undren ved Op Art og de dystre geometriske mønstre, der er hjemmehørende i kunstformer fra prækolumbiansk Mellemamerika. Udover hendes bidrag til Pattern and Decoration Movement som kunstner, var Michod medstifter af Artemisia Gallery i Chicago, et indflydelsesrigt udstillingsrum for kvindelige kunstnere, hvor sådanne lysende skikkelser som Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff og Nancy Spero, blandt mange andre, viste deres tidlige værker.

Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Akryl på papir. 40 x 30 tommer. © Susan Michod

Sammen med Miriam Schapiro hjalp Robert Kushner med at organisere nogle af de tidligste Pattern and Decoration-udstillinger. Kushner kom til kunstverdenen fra reklameillustrationens verden, som han forlod i 1961 efter at have set en udstilling med værker af Franz Kline. Det tog ham dog nogle år, før han fik selvtillid til at udvikle sin egen unikke stemme. Efter at have eksperimenteret med en række stilarter, fra Abstrakt Ekspressionisme til Minimalisme, til Color Field Painting, opgav han til sidst de dominerende tendenser for at tage et personligt stilistisk spring i 1972, hvor han anvendte stencilerede "former" på sine lærreder i et "all-over" mønster. I løbet af 1970'erne udviklede disse mønstrede stencilmalerier sig til at inkludere mere blomsterbilleder, idet de omfavnede et mellemrum mellem formalistiske fejring af dekoration og figurative repræsentationer af symmetriske haver.

Robert Kushner - Pink Leaves, 1979. Akryl, forskellige tekstiler. 205 x 330,5 cm. Venligst Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest, Schenkung Peter og Irene Ludwig / donation af Peter og Irene Ludwig. Foto: Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest. © Robert Kushner

Fremhævet billede: Susan Michod - Uden titel, 1977. Akvarel på papir. 30 tommer x 22,5 tommer (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery i Long Island City, NY. © Susan Michod
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio