Hvorfor Jackie Winsor er ekscentrisk abstrakt

Værket af Jackie Winsor giver en perfekt vidunderlig kontrast til akademiske teorier om nutidig abstraktion. Debatten, der driver de fleste nuværende samtaler om abstrakt kunst, drejer sig uundgåeligt om forskellen mellem ren abstraktion—kunst, der slet ikke har nogen relation til den såkaldte virkelige verden—og abstraktion, der er afledt af eller abstraheret fra noget figurativt. I mere end fem årtier har Winsor lavet værker, der i teorien kunne passe ind i begge sider af denne debat. For eksempel kunne den uhyggelige tilstedeværelse af "Chunk Piece" (1970), en rullet hampstamme, betragtes som noget, der er abstraheret fra den virkelige verden, på trods af at der ikke findes noget, der ligner det i virkeligheden. I mellemtiden kunne "Pink and Blue Piece" (1985), en spejlet kube, kaldes ren formalistisk abstraktion, da det blot er en simpel, geometrisk form, der hviler i rummet. Alligevel kunne begge disse værker også beskrives på utallige andre måder. Den angiveligt formalistiske kube kunne være figurativ, da den ligner adskillige andre objekter i den virkelige verden; og den angiveligt abstraherede stamme er måske slet ikke abstrakt—den kan være et konkret, selvrefererende objekt, der eksisterer uden anden grund end at udtrykke sine egne kvaliteter. Så ekscentriske og individualistiske er de skulpturer, Winsor laver, at de fuldstændig opløser abstraktionsdebatten. De eksisterer uden for samtalen, hvilket gør den irrelevant. Alligevel er de så overbevisende på et visceralt niveau—så sublimt deklarative for noget essentielt, men uden for vores intellekt—at jeg ikke kan lade være med at tænke, at de er essentielle for vores forståelse af abstraktion. Ligesom to andre visionærer fra hendes generation—Richard Serra og Eva Hesse—repræsenterer Winsor løftet om, at abstrakt kunst samtidig kan være ufatteligt esoterisk og ubestrideligt menneskelig.

At Stædigt Eksistere

I 1979, i en alder af 37, fik Winsor en soloudstilling på Museum of Modern Art i New York. Udstillingen præsenterede 24 værker. I katalogessayet til udstillingen blev Winsor beskrevet som "en af nutidens mest dygtige yngre skulptører." Essayet giver dog ikke meget klarhed over, hvad det præcist var, der fik kuratorerne til at mene, at det arbejde, Winsor udfører, var så vigtigt. Uden at overdrive påpeger det blot om arbejdet "dens objekthed eller, som Ellen Johnson, der citerer Rilke, siger, dens 'stædige eksistens.'" Værkerne i MoMA-udstillingen delte en universel kvalitet, der bedst beskrives som værende kommunikativ for omhyggeligt, langvarigt arbejde: de var bevis på arbejde. "Bound Square" (1972) ser så grundlæggende ud som en simpel træramme, men de miles af snor, der er viklet omkring dens hjørner, skjuler det faktum, at Winsor sad i utallige timer og metodisk bandt stykket sammen. "Four Corners" (1972) er en simpel arrangement af fire runde former på gulvet, men hvor mange timer gik der med at rulle kuglerne i form? Ligeledes antyder de utallige søm, der er drevet ind i den trætop af "Nail Piece" (1970), en manisk kvalitet, mens det selvreferentielt betitlede "30 to 1 Bound Trees" (1971-72) synes at undersøge værdien af alt menneskeligt arbejde i forhold til naturen.

Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Træ og snor. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191,8 x 193 x 36,8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., til ære for James Thrall Soby og Grace M. Mayer Fund til ære for Alfred H. Barr, Jr. MoMA Collection. © 2019 Jackie Winsor

Den første reaktion, man kunne have, når man møder skulpturer som "Bound Square", "Four Corners", "Nail Piece" og "30 to 1 Bound Trees", er at beundre den abstrakte enkelhed i formerne. Måske føler man for det andet en visceral tiltrækning til de rå fysiske materialer - træet, hampen og metallet. Men det er i processen med endelig at forestille sig den indsats, der gik ind i skabelsen af skulpturerne, at vores menneskelige forbindelse til disse former og disse materialer når sit højdepunkt. Det er da, vi indser, at de enkle geometriske former ikke kun blev valgt for deres formelle abstrakte kvaliteter, men fordi de i høj grad egner sig til gentagende, monotone arbejde. At forestille sig følelsen af at holde træet og hampen og hammeren og sømmene i vores hænder time efter time forbinder skulpturerne med vores kød og blod menneskelighed. Stykkerne eksisterer faktisk stædigt, på trods af vores evne til at beskrive dem, validere dem eller tildele dem mening; de besætter også stædigt intellektuel territorium og fejrer med deres eksistens den iboende smukke, men forvirrende natur af al indsats.

Jackie Winsor - Brændt Stykke, 1977-78. Cement, brændt træ og trådnet. 33 7/8 x 34 x 34" (86.1 x 86.4 x 86.4 cm). Gave fra Agnes Gund. MoMA Samling. © 2019 Jackie Winsor

Slutningen af etiketter

En af de mere tvivlsomme etiketter, der ofte er blevet tildelt Winsor, er "Process Art", som er en måde at beskrive æstetiske fænomener, hvor slutobjektet ikke er vigtigt - det er skabelsesprocessen, der betyder mest. Hvad der uden tvivl forvirrer folk omkring Winsor, er, at processen så åbenlyst er vital for hendes kreationer. Faktisk kunne intet, hun laver, komme til uden at hun ofte opfinder helt nye processer, som inkorporerer nye metoder og teknikker, der måske kun er specifikke for skabelsen af en bestemt skulptur. Så vigtige som hendes processer er, forbliver slutobjektet dog vitalt. Ja, det er resultatet af processen og valideringen af processen, men det er også processen's raison d'être. Uden den vision, Winsor havde for et objekt, der stædigt eksisterer i virkelig rum og tid, ville processen ikke have nogen grund til at eksistere.

Jackie Winsor - Laminattræ, 1973. Træplader. 7 1/2 x 48 x 48" (19.1 x 121.9 x 121.9 cm). Gave fra Gilman Foundation til minde om J. Frederic Byers III. MoMA Samling. © 2019 Jackie Winsor

En anden betegnelse, der ofte tildeles Winsor, er Post-Minimalisme. Denne betegnelse har også lidt at gøre med hendes arbejde. Post-Minimalistisk kunst bruger Minimalisme som et udgangspunkt eller et referencepunkt, men omfavner ikke alle dens konceptuelle overbevisninger. Winsor adskiller sig fra denne forvirrede beskrivelse og alle andre halvhjertede etiketter. Ligesom Marcel Duchamp er hun en en-kvindes kunstbevægelse. Hun bringer skulpturer til live, der selvsikkert taler om, hvad det betyder at have en tilstedeværelse; at indeholde tekstur; at besætte plads; at være resultatet af arbejde. Hun laver kunst, der erklærer, at den har lige så meget ret til at være her som enhver sten eller træ eller skabning. Hendes skulpturer behøver ikke at blive valideret af teori eller forklaret akademisk for at kunne hævde deres agens. De befrier os fra at skulle kategorisere eller endda forstå. Alt, hvad vi skal gøre for at værdsætte hendes arbejde, er simpelthen at værdsætte det for, hvad det uomtvisteligt er: konkret; abstrakt; esoterisk; eccentric; og menneskelig.

Fremhævet billede: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Hamp. 36 x 38 tommer. (91,4 x 96,5 cm). Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio