Hvorfor Jackie Winsor er ekscentrisk abstrakt
Værket af Jackie Winsor udgør en helt vidunderlig kontrast til akademiske teorier om nutidig abstraktion. Debatten, der driver de fleste aktuelle samtaler om abstrakt kunst, drejer sig uundgåeligt om forskellen mellem ren abstraktion – kunst, der slet ikke har nogen forbindelse til den såkaldte virkelige verden – og abstraktion, der er afledt af eller abstraheret fra noget figurativt. I mere end fem årtier har Winsor lavet værker, der i teorien kunne passe ind på begge sider af denne debat. For eksempel kunne den uhyggelige tilstedeværelse af “Chunk Piece” (1970), en sammenrullet hampestok, betragtes som noget abstraheret fra den virkelige verden, på trods af at der ikke findes noget helt magen til i virkeligheden. Imens kunne “Pink and Blue Piece” (1985), en spejlet kube, kaldes ren formalistisk abstraktion, da det blot er en enkel, geometrisk form, der hviler i rummet. Alligevel kunne begge disse værker også beskrives på utallige andre måder. Den formodede formalistiske kube kunne være figurativ, da den ligner adskillige andre genstande i den virkelige verden; og den formodede abstraherede stok er måske slet ikke abstrakt – den kan være en konkret, selvhenvisende genstand, der eksisterer uden anden grund end at udtrykke sine egne egenskaber. Så excentriske og individualistiske er de skulpturer, Winsor laver, at de fuldstændigt opløser abstraktionsdebatten. De eksisterer uden for samtalen og gør den irrelevant. Alligevel er de så overbevisende på et kropsligt plan – så sublimt erklærende noget essentielt, men uden for vores intellekt – at jeg ikke kan lade være med at tænke, at de er afgørende for vores forståelse af abstraktion. Ligesom to andre visionære fra hendes generation – Richard Serra og Eva Hesse – repræsenterer Winsor løftet om, at abstrakt kunst samtidig kan være ufatteligt esoterisk og ubestrideligt menneskelig.
At eksistere stædigt
I 1979, i en alder af 37 år, fik Winsor en soloudstilling på Museum of Modern Art i New York. Udstillingen viste 24 værker. I katalogessayet til udstillingen blev Winsor beskrevet som “en af nutidens mest dygtige yngre billedhuggere.” Essayet giver dog ikke meget klarhed om, hvad det præcist var, der fik kuratorerne til at mene, at Winsors arbejde var så vigtigt. Uden nogen overdrivelse påpeger det blot om værkerne “deres genstandskarakter eller, som Ellen Johnson, der citerer Rilke, udtrykker det, deres ‘stædige eksistens.’” Værkerne på MoMA-udstillingen delte en universel kvalitet, der bedst kan beskrives som at være kommunikative om omhyggeligt, langvarigt arbejde: de var bevis på arbejde. “Bound Square” (1972) ligner en simpel træramme, men de mange meter snor, der er viklet om hjørnerne, afslører, at Winsor har siddet utallige timer med metodisk at binde værket sammen. “Four Corners” (1972) er en enkel opstilling af fire runde former på gulvet, men hvor mange timer er der ikke gået med at rulle kuglerne til form? Ligeledes antyder de utallige søm, der er slået ind i træpladen på “Nail Piece” (1970), en manisk kvalitet, mens det selvhenvisende titulerede “30 to 1 Bound Trees” (1971-72) synes at undersøge værdien af alt menneskeligt arbejde i forhold til naturen.
Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Træ og snor. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191,8 x 193 x 36,8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., til ære for James Thrall Soby og Grace M. Mayer Fund til ære for Alfred H. Barr, Jr. MoMA-samling. © 2019 Jackie Winsor
Den første reaktion, man kan have, når man møder skulpturer som “Bound Square,” “Four Corners,” “Nail Piece” og “30 to 1 Bound Trees,” er at beundre den abstrakte enkelhed i formene. Måske føler man dernæst en kropslig tiltrækning til materialernes rå fysiskhed – træet, hampen og metallet. Men det er i processen med endelig at forestille sig den indsats, der er lagt i skabelsen af skulpturerne, at vores menneskelige forbindelse til disse former og materialer når sit højdepunkt. Det er da, vi indser, at de simple geometriske former ikke kun blev valgt for deres formelle abstrakte kvaliteter, men fordi de bedst egner sig til gentaget, ensformigt arbejde. At forestille sig følelsen af at holde træet, hampen, hammeren og sømmene i hænderne time efter time forbinder skulpturerne med vores kød og blod menneskelighed. Værkerne eksisterer virkelig stædigt på trods af vores evne til at beskrive dem, godkende dem eller tildele dem mening; de besætter også stædigt intellektuel grund, og fejrer med deres eksistens den iboende smukke, men forvirrende natur i al indsats.
Jackie Winsor - Burnt Piece, 1977-78. Cement, brændt træ og trådnet. 33 7/8 x 34 x 34" (86,1 x 86,4 x 86,4 cm). Gave fra Agnes Gund. MoMA-samling. © 2019 Jackie Winsor
Slut med mærkater
En af de mere tvivlsomme mærkater, der ofte er blevet tildelt Winsor, er “Proceskunst,” som er en måde at beskrive æstetiske fænomener, hvor det endelige objekt ikke er vigtigt – det er skabelsesprocessen, der betyder mest. Det, der uden tvivl forvirrer folk ved Winsor, er, at processen er så åbenlyst vital for hendes skabelser. Faktisk kunne intet af det, hun laver, opstå uden, at hun opfinder ofte helt nye processer, som indbefatter nye metoder og teknikker, der måske kun gælder for skabelsen af én bestemt skulptur. Så vigtige som hendes processer er, forbliver det endelige objekt dog afgørende. Ja, det er resultatet af processen og bekræftelsen af processen, men det er også processen grund til at eksistere. Uden den vision, Winsor havde for et objekt, der stædigt eksisterer i virkelig rum og tid, ville processen ikke have nogen grund til at eksistere.
Jackie Winsor - Laminated Plywood, 1973. Krydsfiner. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Gave fra Gilman Foundation til minde om J. Frederic Byers III. MoMA-samling. © 2019 Jackie Winsor
Fremhævet billede: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Hamp. 36 x 38 in. (91,4 x 96,5 cm). Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
