Mnuchin Gallery mener, det er på tide, at du hører om Mary Lovelace O'Neal

Mnuchin-galleriet i New York meddelte for nylig, at de i begyndelsen af 2020 vil præsentere Chasing Down the Image, en soloudstilling, der følger hele karrieren for Mary Lovelace O’Neal. Det er gode nyheder for fans, der har fulgt det bemærkelsesværdige arbejde, O’Neal har skabt gennem et halvt århundrede. Men de samme fans kan også være forundrede over det sprog, galleriet bruger til at promovere udstillingen. I et nyligt interview med artnet news beskrev Mnuchin-galleriets partner Sukanya Rajaratnam udstillingen som en mulighed for at genopdage en kunstner, der er blevet overset af historien. Det virker som en mærkelig bemærkning om en kunstner, der konsekvent har skabt og vist sin kunst siden hun første gang begyndte på kunstafdelingen ved Howard University i 1960. O’Neal modtog et prestigefyldt legat til Skowhegan School of Painting and Sculpture i 1963 og fortsatte med at tage sin MFA fra Columbia i New York, hvor hun udviklede en særpræget visuel stemme, der hurtigt gav hende en soloudstilling på The Museum Of Modern Art San Francisco i 1979, da hun kun var 37 år gammel. Hun gik derefter videre til at undervise på nogle af de mest anerkendte kunstuddannelser i USA, herunder University of Texas i Austin, San Francisco Art Institute og University of California, Berkeley, hvor hun blev den første sorte kvinde, der fik fastansættelse. Gennem hele tiden har O’Neal udstillet sit arbejde omfattende, næsten hvert år, inklusive flere yderligere soloudstillinger på museer. Hun har også repræsenteret USA ved omkring et halvt dusin internationale kunstbiennaler. Jeg blev først opmærksom på hendes arbejde i 2009, mens jeg boede i San Francisco. Jeg blev irettesat for ikke at kende hende endnu – hun er en legende for mange californiske. Så selvom jeg absolut synes, det er vidunderligt, at Mnuchin viser O’Neal, hvad betyder det så for en kunstner, der altid har været her, at blive genopdaget?

En mester i figurativ abstraktion

O’Neal har peget på to store påvirkninger i sit kunstneriske virke: Abstrakt ekspressionisme og Minimalisme. Hun værdsætter den gestiske, teksturelle kakofoni, som abstrakte ekspressionister som Willem de Kooning og Franz Kline fremkalder, og bemærker, hvordan deres metoder tillader de ”immaterielle” aspekter af menneskelivet at blive udtrykt. Hun beundrer også minimalismens ro, som giver en kontrasterende balance til hendes arbejde. Mens hun var på Skowhegan i 60’erne, kom O’Neal første gang i kontakt med et materiale kaldet lampesod – en slags kulstofrester, der nogle gange bruges som malerpigment. År senere indså hun, at ved at gnide det rå pigment direkte ind i lærredets overflade kunne hun bruge følelsesladet fysisk gestikulation – et ideal fra abstrakt ekspressionisme – til at skabe total fladhed – et ideal fra minimalismen. Hendes ”Lampblack”-malerier var de første, der bragte hende bred offentlig opmærksomhed.

Mary Lovelace O’Neal - Black Glitter Nights, 1970’erne. © Mary Lovelace O’Neal. Venligst udlånt af Mnuchin Gallery, New York

Lige så stor som hendes beherskelse af mediets særegenhed er dybden i hendes kompositoriske instinkter. Perfekt placerede gestiske mærker og farver spiller op mod lampesoden for at fremkalde drømmelignende indre verdener, hvor spøgelsesagtige figurative indtryk lurer i den abstrakte tåge. Sparsomt placerede linjer skaber utallige opfattelseszoner i ”Black Glitter Nights” (1970’erne); lethed og vægt skubber mod hinanden i ”Last Lay up” (1979); snigende frygt sniger sig ind på åbenhed og lunefuldhed i ”She thought she could fool the zebra with powder and paint” (2007). I ”See, so heaven can hear you” (2007), et af hendes mest mesterlige udtryk for det, der løst kan beskrives som figurativ abstraktion, synes dansende figurer at vibrere midt i et chok af ildrød farve, der bryder frem fra mørket. Det, der forhindrer disse malerier i at være rent figurative, er den mystik, de bevarer. Denne mystik har også altid været essentiel for O’Neal selv, som siger: ”Hvis jeg ikke kunne blive overrasket over det, jeg skaber, ville jeg sandsynligvis ikke gøre det.”

Mary Lovelace O’Neal - City Lights, 1988. Offsetlitografi og serigrafi; ark (uregelmæssigt): 28 1/8 × 32 1/8 tommer. Saint Louis Art Museum, The Thelma and Bert Ollie Memorial Collection, gave fra Ronald og Monique Ollie. © Mary Lovelace O’Neal

Argumentet for genopdagelse

På trods af at O’Neal har udviklet sit arbejde støt gennem hele sin karriere og aldrig rigtig har holdt op med at udstille, drejer det argument, Rajaratnam fremfører om, at O’Neal er blevet overset, sig om to punkter. For det første har O’Neal ikke haft en soloudstilling i New York i 25 år. Rajaratnam sagde til artnet news: ”Måske har det at være på vestkysten, fastansat professor og senere leder af kunstafdelingen ved UC Berkeley isoleret [O’Neal] fra den større kunstverden.” Men i samme 25-årige periode har O’Neal haft soloudstillinger i San Francisco, Oakland, New Orleans, Jackson, Mississippi og Santiago, Chile. Så hvad menes der med ”den større kunstverden”? Det virker som om, Rajaratnam taler om den mindre kunstverden: den, der omfavner den forældede holdning, at enhver by uden for New York er provinsiel, og at det derfor svarer til at blive overset at blive vist i de andre byer.

Mary Lovelace O’Neal - Running with Black Panthers and White Doves (midt 1980’erne/tidligt 1990’erne). © Mary Lovelace O’Neal Venligst udlånt af Mnuchin Gallery, New York

Det andet argument, Rajaratnam fremlægger for, at O’Neal er blevet overset, handler om, at hun ikke blev inkluderet i dialogen omkring den turnerende udstilling Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power, som har bragt fornyet opmærksomhed til mange andre sorte amerikanske kunstnere fra borgerrettighedsæraen. ”Det er en forglemmelse, der bør rettes,” siger Rajaratnam. Dette punkt kan have noget på sig. Men den udstilling er én kuratorisk gruppes vision, ikke officiel historie. Og mens den udstilling har været på turné, har O’Neal været med i bemærkelsesværdige udstillinger som The Thelma and Bert Ollie Memorial Collection på Saint Louis Art Museum og Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today, en udstilling helt bygget op omkring sorte kvindelige abstrakte kunstnere, som havde premiere på National Museum of Women in the Arts i Washington, D.C., og derefter rejste til Kemper Museum of Contemporary Art i Kansas City, Missouri og Museum of Fine Arts St. Petersburg. Rajaratnam indrømmer, at hun først blev opmærksom på O’Neal i 2019, da Baltimore Museum of Art købte et af hendes malerier. Men at sige, at en kunstner er blevet overset, bare fordi man personligt aldrig har hørt om vedkommende, tilsidesætter det faktum, at titusindvis af fans har kendt til og beundret O’Neal i årtier. Der er mange kunstnere, der arbejder i dag. Det meste af deres arbejde vil være nyt for de fleste beskuere. Ingen kender alle. Kan vi finde måder at fejre ældre kunstneres bedrifter, som er nye for os, uden at lade som om, ingen andre nogensinde har hørt om deres arbejde?

Forsidebillede: Mary Lovelace O’Neal - Hammem, 1984. © Mary Lovelace O’Neal. Venligst udlånt af Mnuchin Gallery, New York
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio