Mnuchin Gallery mener, det er på tide, at du hører om Mary Lovelace O'Neal

Mnuchin Gallery i New York har for nylig annonceret, at de vil præsentere Chasing Down the Image, en solo-udstilling der sporer hele karrieren af Mary Lovelace O’Neal, i begyndelsen af 2020. Dette er gode nyheder for fans, der har fulgt det bemærkelsesværdige arbejde, O’Neal har lavet i et halvt århundrede. Men de samme fans kan også være forvirrede over det sprog, galleriet bruger til at promovere udstillingen. I et nyligt interview med artnet news, ramte Mnuchin Gallery partner Sukanya Rajaratnam udstillingen som en chance for at genopdage en kunstner, der er blevet overset af historien. Det virker som en mærkelig bemærkning at komme med om en kunstner, der konsekvent har lavet og vist sin kunst siden hun først tilmeldte sig kunstafdelingen på Howard University i 1960. O’Neal fik et prestigefyldt legat til Skowhegan School of Painting and Sculpture i 1963, og fortsatte med at få sin MFA fra Columbia i New York, hvor hun udviklede en karakteristisk visuel stemme, der snart gav hende en solo-udstilling på The Museum Of Modern Art San Francisco i 1979, da hun kun var 37 år gammel. Hun fortsatte derefter med at undervise i nogle af de mest prestigefyldte kunstprogrammer i USA, herunder University of Texas at Austin, San Francisco Art Institute og University of California, Berkeley, hvor hun blev den første sorte kvinde til at få fast ansættelse. Hele vejen igennem har O'Neal udstillet sit arbejde omfattende, næsten hvert år, inklusive flere yderligere solo museum-udstillinger. Hun har også repræsenteret USA i omkring et halvt dusin internationale kunstbiennaler. Jeg blev først opmærksom på hendes arbejde i 2009, mens jeg boede i San Francisco. Jeg blev irettesat for ikke at kende til hende endnu - hun er en legende for mange kalifornere. Så mens jeg absolut synes, det er vidunderligt, at Mnuchin viser O’Neal, hvad betyder det for en kunstner, der har været her hele tiden, at blive genopdaget?

En mester i figurativ abstraktion

O’Neal har peget på to store indflydelser i hendes kunstneriske skabelse: Abstrakt Ekspressionisme og Minimalisme. Hun værdsætter den gestuelle, teksturelle kakofoni, der fremkaldes af abstrakte ekspressionister som Willem de Kooning og Franz Kline, og bemærker, hvordan deres metoder tillader de "uhåndgribelige" aspekter af menneskelivet at blive udtrykt. Hun beundrer også stilheden i minimalismen, som tilbyder en kontrasterende balance til hendes arbejde. Mens hun var i Skowhegan i 60'erne, kom O’Neal første gang i kontakt med et medium kaldet lampblack - en type kulrest, der nogle gange bruges som malepigment. År senere indså hun, at ved at gnide det rå pigment direkte ind i overfladen af et lærred, kunne hun bruge følelsesmæssig fysisk gestualitet - et ideal for abstrakt ekspressionisme - til at skabe total fladhed - et ideal for minimalisme. Hendes "Lampblack" malerier var de første, der bragte hende bred offentlig opmærksomhed.

Mary Lovelace O’Neal - Black Glitter Nights, 1970'erne. © Mary Lovelace O’Neal. Venligst fra Mnuchin Gallery, New York

Lige så meget som hendes beherskelse af mediespecifikitet er dybden af hendes kompositoriske instinkter. Perfekt placerede gestuelle mærker og farver spiller op mod lampblack for at fremkalde drømmelignende indre verdener, hvor spøgelsesagtige figurative indtryk lurer i den abstrakte tåge. Sparsomt placerede linjer skaber utallige zoner af perception i "Black Glitter Nights" (1970'erne); lethed og vægt presser mod hinanden i "Last Lay up" (1979); krybende frygt insinuere sig på åbenhed og lunefuldhed i "She thought she could fool the zebra with powder and paint" (2007). I "See, so heaven can hear you" (2007), et af hendes mest mesterlige udtryk for hvad der løst kunne beskrives som Figurativ Abstraktion, synes dansende figurer at vibrere midt i et chok af ildrød, der bryder frem fra mørket. Hvad der forhindrer nogen af disse malerier i at være rent figurative, er den mystik, de bevarer. Denne mystik har også altid været essentiel for O’Neal selv, som siger: "Hvis jeg ikke kunne blive overrasket over det, jeg laver, ville jeg sandsynligvis ikke gøre det."

Mary Lovelace O’Neal - City Lights, 1988. Offset litografi og serigrafi; ark (uregelmæssig): 28 1/8 × 32 1/8 tommer. Saint Louis Kunstmuseum, The Thelma and Bert Ollie Memorial Collection, Gave fra Ronald og Monique Ollie. © Mary Lovelace O’Neal

Sagen om genopdagelse

På trods af at O’Neal har udviklet sit arbejde støt gennem hele sin karriere, og aldrig rigtig har stoppet med at udstille, drejer den sag, Rajaratnam fremfører, om at O’Neal er blevet overset, sig om to punkter. For det første har O’Neal ikke haft en soloudstilling i New York i 25 år. Rajaratnam tilbød til artnet news, "Måske har det at være på Vestkysten, en fastansat professor og senere formand for kunstafdelingen ved UC Berkeley isoleret [O’Neal] fra den større kunstverden." Men i den samme 25-årige periode har O’Neal haft soloudstillinger i San Francisco, Oakland, New Orleans, Jackson, Mississippi, og Santiago, Chile. Hvad menes der så med den "større kunstverden?" Det virker for mig som om, Rajaratnam taler om den mindre kunstverden: den der omfavner den forældede holdning, at enhver by uden for New York er provinsiel, og derfor er det at blive vist i disse andre byer lig med at blive overset.

Mary Lovelace O’Neal - Løb med sorte pantere og hvide duer (midten af 1980'erne/early 1990'erne). © Mary Lovelace O’Neal Courtesy Mnuchin Gallery, New York

Det andet argument, Rajaratnam præsenterer for, at O’Neal er blevet overset, relaterer sig til, at hun ikke er blevet inkluderet i dialogen omkring den turnerende udstilling Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power, som har bragt fornyet opmærksomhed til arbejdet fra mange andre sorte amerikanske kunstnere fra borgerrettighedsæraen. "Det er en oversigt, der skal rettes," siger Rajaratnam. Dette punkt kan have berettigelse. Men den udstilling er visionen fra et kuratorisk team, ikke officiel historie. Og hele den tid, udstillingen har været på turné, har O’Neal været inkluderet i så bemærkelsesværdige udstillinger som The Thelma and Bert Ollie Memorial Collection show på Saint Louis Art Museum og Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today, en udstilling helt bygget op omkring arbejdet af sorte kvindelige abstrakte kunstnere, der debuterede på National Museum of Women in the Arts i Washington, D.C., og derefter rejste til Kemper Museum of Contemporary Art i Kansas City, Missouri, og Museum of Fine Arts St. Petersburg. Rajaratnam indrømmer, at hun først blev opmærksom på O’Neal i 2019, da Baltimore Museum of Art købte et af hendes malerier. Men at sige, at en kunstner er blevet overset, bare fordi du personligt aldrig har hørt om dem, afviser det faktum, at titusinder af fans har kendt til og beundret O’Neal i årtier. Der er mange kunstnere, der arbejder i dag. Det meste af deres arbejde vil være nyt for de fleste seere. Ingen kender alle. Kan vi finde måder at fejre præstationerne fra ældre kunstnere, der er nye for os, uden at lade som om ingen andre nogensinde har hørt om deres arbejde?

Fremhævet billede: Mary Lovelace O’Neal - Hammem, 1984. © Mary Lovelace O’Neal. Venligst udlånt af Mnuchin Gallery, New York
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio