De nysgerrige skulpturer af Sarah Braman

De genstande, som Sarah Braman skaber, er uhyggelige. Sammensat af en række fundne forbrugsvarer, industrimaterialer og traditionelle kunstmaterialer er de straks genkendelige, men også på en eller anden måde fremmede. Hver enkelt enhed, som Braman fremkalder til eksistens, konfronterer os som delvis artefakt og delvis væsen: et individ, men også tydeligt en del af en større familie eller art. Sammensat af det visuelle affald fra vores byggede univers inviterer de os gladeligt ind i deres gruppe. Deres legende former engagerer os med antropomorft genstandsvæsen, der ligner ynkelige, men elskede indbyggere på en slags Øen for Mislykkede Forvandlere. Når vi først er opslugt af deres nærvær, sænker vi vores forsvar. Og det er, når de flår os op for at afsløre vores sårbarheder: vores nostalgi; vores materialisme; og vores hemmelige skam over de mærkelige måder, vi omarrangerer vores verden på i jagten på tryghed. Vi kan trække os tilbage og tale om Bramans arbejde i formelle æstetiske termer, med fokus på elementer som geometri, farve, lys og rum. Men hendes bedrift er, at hendes arbejde kræver mere. Det udtrækker minder. Det vækker følelser. Det starter samtaler – mellem beskuere, mellem nutid og fortid, mellem det naturlige og det kunstige, mellem det objektive og det subjektive, og mellem det figurative og det abstrakte.

Krigens Bytte

Sarah Bramans nyere arbejde er blandt hendes mest raffinerede. Det er veltalende og direkte – produktet af en kunstner med store idéer og et fast greb om, hvordan de skal formidles. Når man ser tilbage tidligere i hendes karriere, er det fascinerende at se rødderne til hendes æstetik og de tidlige manifestationer af det, hun kalder sine “monumenter over hverdagslivet.” I 2005 deltog Braman i en fælles udstilling kaldet Seven Thousand Years of War på CANADA, et kunstnergalleri drevet af kunstnere på Lower East Side i New York. Hun bidrog med en skulpturel samling og et kollageret vægelement til udstillingen. Hun samarbejdede også med fotografen Phil Brauer ved at sprøjte maling på snebunker, der blev fundet på en kommerciel parkeringsplads. Gennem hans kamera satte Brauer bunker i kontekst som glødende, mareridtsagtige bjerglandskaber. Også med i udstillingen var flere helt hvide skulpturer af Aidas Bareikis, der lignede post-apokalyptisk bunke-arkitektur overtaget af naturen.

Titlen på udstillingen rejser spørgsmålet: “Hvilken krig?” Arbejdet synes at svare: “Kampen mellem kultur og natur.” For omkring 7000 år siden begyndte vores neolitiske forfædre på det, vi løst kan kalde civilisation. Det var dengang hjulet og det skrevne sprog blev opfundet, hvilket markerede starten på processer, der blandt andet førte til ophobning af forbrugsaffald, pap, spraymaling, fotografi, plastik osv. Arbejdet taler bestemt til samspillet mellem menneskeheden og den naturlige verden. Men der var ingen kynisme i Bramans bidrag. Det udtrykte selvtillid, som om denne krig ikke entydigt er noget dårligt; det er bare noget. Hvad vi føler om det, er personligt, ikke universelt.

Seven Thousand Years of War, 2005, installationsvisning, CANADA New York, © CANADA, Sarah Braman, Phil Brauer, Aidas Bareikis

Ophobning og Objektivitet

Den æstetik, Braman siden har udviklet, er en af fundne genstande, ophobning og æstetisk indgriben. Det er slet ikke den samme udtryksform, som forbindes med modernistiske kunstnere fra fortiden, der udviklede lignende holdninger, såsom Robert Rauschenberg eller Arman. Rauschenberg brugte fundne genstande på en måde, så de bevarede deres oprindelige væsen. Hans berømte Monogram, der viser en ged med et dæk om maven, udtrykker fuld ged-hed og fuld dæk-hed. Det er en samling af fundne genstande, grundigt bearbejdet, men vi er bevidste om de enkelte dele. Arman nød i sine ophobninger ligheden i ensartede genstande. Hans hornophobninger vækker kun tanken om horn. Hans ur-ophobninger får os til at tænke, “Ure.”

Sarah Braman - Second Surrender, 2002, pap, akrylmaling (venstre) og installationsvisning fra PS1 Greater New York, 2005, MoMA PS1, © Sarah Braman

Braman opnår noget andet med sit arbejde. Hendes skabelser får personligheder, som om samlingen af deres dele var uundgåelig; elementer, der altid var ment til at forenes, har konfigureret sig til noget nyt. Hun har en evne til at udtrykke materialers og genstandes karakter, ikke på en gammeldags måde, men ganske enkelt på en måde, der giver dem liv. Vær det pap, plexiglas, en del af en bil, et møbel, en dør, et telt eller en stub, samarbejder hun med materialerne i stedet for at påtvinge dem et synspunkt. Deres skjulte sandhed træder frem. Den er levende, og vi kan relatere til den.

Sarah Braman - You Are Everything, 2016, installationsvisning hos Mitchell-Innes & Nash, NY, © Sarah Braman, med tilladelse fra Mitchell-Innes & Nash, NY

Følelsesladet Formgivning

Meget af kraften i hendes arbejde kommer fra Bramans evne til at vælge kildematerialer, der formidler følelser. Tag for eksempel Coffin, en skulpturel samling, der indeholder et afskåret stykke af en campingvogn. “Camperskiven” vil ikke vække den samme personlige reaktion hos alle beskuere, men den berører uden tvivl et minde i sindet hos alle, der ser den. Værket inviterer til personlig eftertanke, mens dets formgivning tillader objektiv fortolkning ud fra farve, form, lys og rum.

Måske er det mest væsentlige element, Sarah Braman fanger i sit arbejde, nysgerrighed. Hver genstand trækker os ind mod sig. Den beder om at blive undersøgt. Den tilbyder os genkendelighed, men beder os derefter om at se ud over det, vi kender. Nogle værker tillader endda beskuere at kravle ind i dem. At opholde sig fysisk i en skulptur bryder en barriere. Det gør noget abstrakt til noget brugbart. Det vækker nysgerrighed på et andet plan ved at stille spørgsmål ikke kun om værket, men også om, hvad al kunsts natur kan være.

Sarah Braman - Coffin, 2011, camperskive, stål, plexiglas og maling, © Sarah Braman, med tilladelse fra Mitchell-Innes & Nash, NY

Forsidebillede: Sarah Braman - Space Talk, 2016, træstub, stål og glas, © Sarah Braman, med tilladelse fra Mitchell-Innes and Nash
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio