Den monumentale kunst af Louise Nevelson

I år markerer 30-årsdagen for døden af Louise Nevelson, en kunstner der dybt har påvirket 1900-tallets kunst, og hvis arv stadig genlyder i dag. Nevelson er mest kendt for sine monokromatiske træassemblager. Deres unikke æstetiske stemme er delvist rodfæstet i kunsthistorien og delvist i den visuelle og materielle sprog fra New York City—hendes adopterede hjem. Hendes kompositionsstrategier trækker på kubisme, som hun sammenlignede med en religion, og fra de formelle abstrakte teorier fra Hans Hofmann, som var hendes lærer i mange år. Den materielle tilstedeværelse af hendes assemblager ophøjer de kasserede aspekter af bylivet. Som om hun instigerede en slags omvendt ecdysis, samlede Nevelson brudte møbelstykker og byggeaffald fra byens fortove og transformerede dem til monumentale kunstværker. Metamorfosen af profan affald til hellig kunst er uomtvistelig i værker som "Sky Cathedral" (1958), det stykke der først bragte Nevelson kritisk opmærksomhed. Det er endnu mere dybtgående i den rumstore installation "Dawn’s Wedding Feast" (1959); et vægkunstværk omgivet af gulvmonterede og hængende søjler og to ikoniske brude- og brudgommestatuer, dette stykke etablerede ikke kun Nevelson som en af de førende kunstnere i sin generation, men hjalp også med at banebrydende feltet installationskunst. Hvad der er særligt bevægende ved hendes værker er, at Nevelson på en eller anden måde indgød dem med en følelse af intimitet på trods af deres monumentale skala. Hun tog sig tid til at sikre, at hvert enkelt element kunne udtrykke sine essentielle kvaliteter inden for strukturen af helheden. I processen skabte hun værker, der kan nydes objektivt, eller som kan invitere beskueren indad mod en mere personlig oplevelse. I fejring af livet og værket af denne geni, her er mine ni yndlingscitater fra Louise Nevelson—hver enkelt værdifuld for den måde, den belyser hendes arbejde og afslører de indre mekanismer i hendes sind.

1. "Hvis du har en ramme omkring dig, der ikke passer til billedet, så bryder du rammen."

Født i 1899 i Pereiaslav-Khmelnytskyi i det moderne Ukraine, immigrerede Leah Berliawsky til USA i 1905 for at undslippe religiøs forfølgelse. Hun forfulgte ivrigt kunst som barn på trods af modgang fra sine forældre. Efter at have giftet sig med Charles Nevelson i 1920 og født en søn to år senere, indså hun, at hun stadig var i den samme situation, som hun var som barn, bortset fra at det nu var hendes mand og hans familie, der sagde til hende, at hun skulle opgive sin kunst for at være en mere opmærksom mor og hustru. Da hun indså, at hun var i den forkerte ramme, forlod Nevelson sin mand og søn i 1931 og flyttede væk for at studere med Hans Hofmann.

2. "Kuben fokuserer det og giver det sin sande struktur."

Nevelson strukturerede alle sine assemblager omkring den grundlæggende geometriske form af kuberne. Uanset hvor mange stykker træ hun samlede i assemblagen, eller hvor usammenhængende stykkerne ellers kunne have set ud, når de blev sat sammen, holdt kuberne altid kompositionen sammen, både visuelt og fysisk.

3. "Sort omfatter alle farver. Det er ikke en negation."

De fleste af de værker, Nevelson lavede, er sorte monochromer. Mange kritikere misforstod hendes brug af denne farve og antydede, at hun forsøgte at udrydde de tidligere liv af hendes materialer. I stedet insisterede hun på, at sort var en inkluderende farve, der gjorde det muligt for hvert enkelt element i værket at bevare sin grundlæggende essens, samtidig med at det blev absorberet i ånden af helheden. Hun sagde også, at farven sort fik hendes værker til at se "aristokratiske" ud.

Louise Nevelson - Uden titel, ca. 1976. Malet sort trækonstruktion. 94 × 36 × 16 3/4 tommer; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Louise Nevelsons bo/Kunstneres Rettighedsforening (ARS), New York

4. "Det er meget mere direkte at gøre det på den måde, jeg gør det. Det er øjeblikkeligt, det er sandt, og det er der."

Efter at have brugt år på at tegne og male billeder af brudte ting, indså Nevelson, at brugen af affald i sig selv ville introducere en materiel sandhed til hendes arbejde, ud over at give det den følelsesmæssige rest af tidligere associationer med hvad materialerne engang var.

5. "Det er arbejdet og jeg, det er ikke offentligheden og jeg. Offentligheden er en refleksion."

Nevelson begyndte at lave storskala offentlige skulpturer i 1970'erne ved at bruge materialer som plastik og Cor-Ten stål. Kritikere stillede spørgsmålstegn ved betydningen af værket, som havde et helt andet udseende og følelse end hendes træassemblager. Hun afviste deres kritik og hævdede sin autonome ret som kunstner til at lave den slags arbejde, hun ønskede.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Patineret træ. 12 × 9 × 7 tommer; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Louise Nevelsons bo/Kunstneres Rettighedsforening (ARS), New York

6. "Den eneste virkelighed, jeg anerkender, er min egen virkelighed."

Nevelson stod over for kontrollerende forældre, en kontrollerende ægtefælle, sexistiske kritikere, nedladende kuratorer og uvidende seere. Hun ignorerede sociale organisationer som "The Club" og valgte i stedet livet som en outsider i kunstverdenen. På trods af alle der tvivlede på og afskrækkede hende, lykkedes det hende. Dette citat forklarer hvorfor.

7. "Det giver os et sted at bevæge os gennem de tre dimensioner, ind i den fjerde og videre. Det er virkelig et sted, hvor du går gennem materie ind i ånd."

Nevelson beskrev sig selv ikke som maler eller skulptør, men som en arkitekt, der bygger med skygge og lys. Hendes kærlighed til kubisme inspirerede hende til altid at lave værker, der belønnede bevægelse - et udtryk for den fjerde dimension. Hun var interesseret i at skabe miljøer, som både krop og sind kunne rejse ind i.

Louise Nevelson - Uden titel, 1985. Træ malet sort. 44 × 22 × 17 1/5 tommer; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Louise Nevelsons bo/Kunstnernes rettighedsselskab (ARS), New York

8. "Når du skaber, er der en ekstra energi, der overgår alt andet."

Nevelson var en notorisk privat og disciplineret kunstner. Hun mente, at de spændinger, som ting uden for det kreative arbejde tilbød, blegnede i sammenligning med den rus, hun fik i sit atelier. Da hendes nu berømte installation "Dawn’s Wedding Feast" havde premiere i udstillingen "Sixteen Americans" på MoMA, sagde hun, at det delvist symboliserede hendes ægteskab med sit arbejde.

9. "Det er ikke hvordan jeg lever, det er hvordan jeg afslutter mit liv."

Da Nevelson var ung, frarådede hendes familie hende at blive kunstner ved at fortælle hende, at det ikke ville give hende en komfortabel livsstil. Selv dengang vidste hun, at hun kun ville kunne finde fred, når hun døde, hvis hun forblev tro mod sig selv.

Fremhævet billede: Louise Nevelson - Maquette til Night Wall VI, 1977-1979. Svejset stål malet sort. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 tommer; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio