Den monumentale kunst af Louise Nevelson

Dette år markerer 30-året for dødsfaldet af Louise Nevelson, en kunstner, der dybt påvirkede 1900-tallets kunst, og hvis arv stadig klinger i dag. Nevelson er mest kendt for sine monokrome træsamlinger. Deres unikke æstetiske udtryk er delvist forankret i kunsthistorien og delvist i New York Citys visuelle og materielle sprog—hendes adopterede hjem. Hendes kompositoriske strategier trækker på kubismen, som hun sammenlignede med en religion, og på de formelle abstrakte teorier fra Hans Hofmann, som var hendes lærer i mange år. Den materielle tilstedeværelse i hendes samlinger ophøjer de kasserede aspekter af bylivet. Som om hun igangsatte en slags omvendt afstødning, samlede Nevelson ødelagte møbler og byggeaffald fra byens fortove og forvandlede dem til monumentale kunstværker. Forvandlingen af verdsligt affald til hellig kunst er ubestridelig i værker som “Sky Cathedral” (1958), stykket der først bragte Nevelson kritisk opmærksomhed. Det er endnu mere dybtgående i rumstore installationen “Dawn’s Wedding Feast” (1959); et vægstykke omgivet af gulvmonterede og hængende søjler samt to ikoniske brud og gom-totemer, dette værk etablerede ikke blot Nevelson som en af sin generations førende kunstnere, men hjalp også med at bane vejen for installationskunsten. Det, der er særligt bevægende ved hendes værker, er, at Nevelson på en eller anden måde indgød dem en følelse af intimitet trods deres monumentale skala. Hun sørgede for, at hvert enkelt element kunne udtrykke sine væsentlige kvaliteter inden for helhedens struktur. I processen skabte hun værker, der kan nydes objektivt, eller som kan invitere beskueren ind mod en mere personlig oplevelse. Til fejring af livet og værket af dette geni, her er mine ni yndlingscitater fra Louise Nevelson—hver især dyrebar for den måde, de belyser hendes arbejde og afslører hendes sinds indre funktioner.

1. “Hvis du har en ramme omkring dig, der ikke passer til billedet, så bryd rammen.”

Født i 1899 i Pereiaslav-Khmelnytskyi i det nuværende Ukraine, immigrerede Leah Berliawsky til USA i 1905 for at undslippe religiøs forfølgelse. Hun forfulgte ivrigt kunsten som barn trods modstand fra sine forældre. Efter at have giftet sig med Charles Nevelson i 1920 og født en søn to år senere, indså hun, at hun stadig var i samme situation som som barn, bortset fra at det nu var hendes mand og hans familie, der bad hende opgive kunsten for at være en mere opmærksom mor og hustru. Da hun indså, at hun var i den forkerte ramme, forlod Nevelson sin mand og søn i 1931 og flyttede væk for at studere hos Hans Hofmann.

2. “Kubussen fokuserer det og giver det dets sande struktur.”

Nevelson strukturerede alle sine samlinger omkring den grundlæggende geometriske form af kuber. Uanset hvor mange træstykker hun samlede i samlingen, eller hvor usammenhængende stykkerne ellers kunne se ud, når de blev sat sammen, holdt kuberne altid kompositionen sammen, både visuelt og fysisk.

3. “Sort omfatter alle farver. Det er ikke en benægtelse.”

De fleste af de værker, Nevelson lavede, er sorte monokromer. Mange kritikere misforstod hendes brug af denne farve og foreslog, at hun forsøgte at udslette materialernes tidligere liv. I stedet insisterede hun på, at sort var en inkluderende farve, der tillod hvert enkelt element i værket at bevare sin grundlæggende essens, samtidig med at det blev optaget i helhedens ånd. Hun sagde også, at farven sort fik hendes værker til at se “aristokratiske” ud.

Louise Nevelson - Uden titel, ca. 1976. Malet sort trækonstruktion. 94 × 36 × 16 3/4 tommer; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Louise Nevelsons bo/Artists Rights Society (ARS), New York

4. “Det er meget mere direkte at gøre det, som jeg gør det. Det er øjeblikkeligt, det er sandt, og det er der.”

Efter at have brugt år på at tegne og male billeder af ødelagte ting, indså Nevelson, at brugen af affaldsmaterialer i sig selv ville tilføre en materiel sandhed til hendes arbejde, udover at give det den følelsesmæssige rest af tidligere forbindelser til, hvad materialerne engang havde været.

5. “Det er værket og mig, det er ikke offentligheden og mig. Offentligheden er en spejling.”

Nevelson begyndte at lave store offentlige skulpturer i 1970’erne med materialer som plastik og Cor-Ten-stål. Kritikere stillede spørgsmål ved værkernes mening, som havde et helt andet udseende og udtryk end hendes træsamlinger. Hun afviste deres kritik og hævdede sin autonome ret som kunstner til at lave den slags værker, hun ønskede.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Patineret træ. 12 × 9 × 7 tommer; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Louise Nevelsons bo/Artists Rights Society (ARS), New York

6. “Den eneste virkelighed, jeg anerkender, er min egen virkelighed.”

Nevelson stod over for kontrollerende forældre, en kontrollerende ægtefælle, sexistiske kritikere, afvisende kuratorer og uvidende beskuere. Hun ignorerede sociale organisationer som “The Club” og valgte i stedet livet som en outsider i kunstverdenen. På trods af alle, der tvivlede på og modarbejdede hende, lykkedes det hende. Dette citat forklarer hvorfor.

7. “Det giver os et sted at bevæge os gennem de tre dimensioner, ind i den fjerde og videre. Det er virkelig et sted, hvor du går gennem stof til ånd.”

Nevelson beskrev sig ikke som maler eller billedhugger, men som en arkitekt, der bygger med skygge og lys. Hendes kærlighed til kubismen inspirerede hende til altid at lave værker, der belønnede bevægelse—et udtryk for den fjerde dimension. Hun var interesseret i at skabe miljøer, som både krop og sind kunne bevæge sig ind i.

Louise Nevelson - Uden titel, 1985. Træ malet sort. 44 × 22 × 17 1/5 tommer; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Louise Nevelsons bo/Artists Rights Society (ARS), New York

8. “Når du skaber, er der en ekstra energi, der overgår alt andet.”

Nevelson var en berygtet privat og disciplineret kunstner. Hun mente, at de spændinger, der blev tilbudt af ting uden for det kreative arbejde, blegnede i sammenligning med den rus, hun fik i sit atelier. Da hendes nu berømte installation “Dawn’s Wedding Feast” havde premiere i udstillingen “Sixteen Americans” på MoMA, sagde hun, at den delvist symboliserede hendes ægteskab med sit arbejde.

9. “Det er ikke, hvordan jeg lever, det er, hvordan jeg afslutter mit liv.”

Da Nevelson var ung, frarådede hendes familie hende at blive kunstner ved at sige, at det ikke ville give hende en behagelig livsstil. Selv dengang vidste hun, at hun kun ville kunne finde fred ved sin død, hvis hun forblev tro mod sig selv.

Fremhævet billede: Louise Nevelson - Model til Night Wall VI, 1977-1979. Svejst stål malet sort. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 tommer; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Louise Nevelsons bo/Artists Rights Society (ARS), New York
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio