De vigtigste abstrakte kunstnere i det 21. århundrede – indtil videre

Hvis du er ligesom mig, kan du, selvom jeg skrev stykket, være en smule generet over titlen på denne artikel. Hvordan kan jeg, kun to årtier inde, overhovedet vide, hvem de vigtigste kunstnere i det 21. århundrede vil være? I 1920 var mange af de vigtigste kunstnere i det 20. århundrede slet ikke født endnu. Og hvad er kriterierne for at fastslå, om en kunstner er vigtig? Selvom jeg er enig i disse punkter, finder jeg det alligevel nyttigt at tage bestik af, hvad jeg mener er vigtige kunstnere, og hvorfor, og begyndelsen på et nyt årti virker som en perfekt god undskyldning. Hvad angår hvad der definerer en vigtig kunstner, har jeg i mine 11 år som kunstjournalist (et dråbe i havet sammenlignet med mange af mine kolleger) hørt dusinvis af svar på dette spørgsmål. De fleste falder tilbage på tre målepunkter: berømmelse, auktionspriser og inklusion i prestigefyldte udstillinger og samlinger. Alligevel, selvom det måske er trifectaen af notoritet, der kan garantere en kunstner en Wikipedia-side, har det ifølge min mening ikke meget at gøre med at gøre en kunstner vigtig. For mig er det eneste tilfredsstillende mål for en kunstners betydning den indflydelse, de har på andre mennesker. Vigtige kunstnere inspirerer folk til at fortsætte med at tro på værdien af kunst, og de overbeviser andre mennesker om at prøve at lave deres egen kunst eller fortsætte med at lave deres egen kunst. Hvad angår hvem der er inkluderet på denne liste, er det uundgåeligt, at den er ufuldstændig, unøjagtig og kontroversiel; alle lister er. Ikke desto mindre har hver af disse ti kunstnere fortjent deres inklusion her på grund af den indflydelse, de allerede har haft både på andre kunstnere og på folk uden for kunstfeltet. De er bestøvere, der spreder de nødvendige ingredienser af inspiration, eksperimentering og handling, så vi kan holde abstraktionen blomstrende ind i fremtiden.

Tomme Kloster

I næsten to årtier har den tyske maler Tomma Abts (f. 1967) lavet det samme størrelses maleri igen og igen—48 x 38 cm. Hun arbejder intuitivt for at skabe abstrakte, geometriske kompositioner, der følger deres egen logik, og maler ofte flere lag over kompositionerne, indtil hun er tilfreds, mens hun lader impasto-ridserne fra tidligere lag skinne igennem. Uafhængig af enhver visuel stil, dedikeret kun til sin metode, er Abts berømt for at arbejde langsomt. På trods af ikke at være produktiv, og på trods af at ignorere kravet om at definere sin visuelle stil, blev Abts den første kvindelige maler til at vinde Turner-prisen—levende bevis på værdien af at finde sin egen vej.

Tomma Abts - Feke, 2013. Akryl og olie på lærred. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Venligst Private Collection, New York. Serpentine Galleries.

Mark Bradford

Mark Bradford (f. 1961) kombinerer maleri, collage og décollage for at skabe abstrakte billeder, der kortlægger hans forhold mellem de fysiske og kulturelle realiteter i nutiden og fortiden. Hans materialer og processer har inspireret en generation af kunstnere til at skabe taktile værker, der taler til samspillet mellem vækst og forfald. Udover sin kunstneriske karriere er Bradford en indflydelsesrig samfundsorganisator, der samarbejder med filantropen Eileen Harris Norton og aktivisten Allan Dicastro for at skabe Art + Practice, et sted hvor udsatte naboer, såsom børn der overgår fra plejefamilier, kan deltage i kunsten.

Mark Bradford - Monster, 2009. Trykte materialer, akryl, kulpapir, snor, papir og blandede medier på lærred. 102 x 144 tommer. (259,08 x 365,76 cm). Samling SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

Den tyske abstrakte maler Charline von Heyl (f. 1960) afviser postmodernismens kynisme til fordel for en tro på, at noget nyt kan opstå fra dens ruiner. Von Heyl tager al visuel historie som sit kilde materiale og kombinerer utallige referencer på individualistiske måder, der antyder, at vi er arvinger til en langt mere rig og forskelligartet æstetisk arv, end vores kunsthistorielærere lader antyde.

Charline von Heyl - Uden titel, 2007. En fra en serie af ti monoprinter med litografi, træsnit,
skærmtryk og digitaltryk med blæk, akryl og collage-tilføjelser. Fond for det 21. århundrede. MoMA-samlingen. © Charline von Heyl

Nicholas Hlobo

Den tværfaglige sydafrikanske kunstner Nicholas Hlobo (f. 1975) repræsenterer forposten for en håbefuld tid, hvor data og analyse vil blive mindre vigtige end følelser og kreativitet. Hans arbejde er præget af hans identitet, men han går frygtløst ud over faktaene om sine kulturelle påvirkninger - fakta, der ellers kunne tvinge ham til kun at lave værker om, hvad der er - for at fremkalde semi-magiske abstrakte værker, der stræber efter en fornemmelse af, hvad der kunne være.

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Kobber. 51,18 x 112,99 x 72,83 tommer (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicholas Hlobo

Jim Lambie

Den skotske kunstner Jim Lambie (f. 1964) bygger bro mellem den centrale idé i Pop Art - at folk "forstår det" - og de mere udefinerbare aspekter af Abstraktion. De massive gulvinstallationer, som Lambie er mest kendt for, finder fælles grund mellem disse positioner, idet de tager formalismen ned fra væggene og fylder det håndgribelige rum med farve, linje, overflade og glans. Hans installationer skaber trykfrie, dagligdags interaktioner med beskuere, der nu bogstaveligt talt kan se sig selv inde i værket.

Jim Lambie - Sound System, 2015. Farvet metallisk vinyl. Roslyn Oxley9 Gallery. © Jim Lambie

Julie Mehretu

At møde et maleri af den etiopiskfødte, amerikanske maler Julie Mehretu (f. 1970) er at blive inviteret ind i en helt ny visuel civilisation. Hver af hendes abstrakte kompositioner kommer til live som en kompleks, levende organisme, der spreder sig, multiplicerer og udvikler stadig mere komplicerede strukturer og indbyrdes afhængigheder. Mehretu udtrykker perfekt de mange bekymringer og muligheder i den sammenkoblede tidsalder, som vi tilhører.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Blæk og akryl på lærred. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 tommer (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, New York. Gave fra Jeanne Greenberg Rohatyn og Nicolas Rohatyn samt A. W. Mellon Acquisition Endowment Fund. © Julie Mehretu

Donald Trump

Odita, den nigeriansk-fødte, amerikanske abstrakte maler Odili Donald Odita (f. 1966), er en del af en bølge af internationale kunstnere, der bringer global opmærksomhed på sammenhængene mellem arven fra indfødt kunst og vestlig modernisme. Odita blander mønstrene, farverne og formerne fra sit hjemland Nigeria med de æstetiske strategier fra modernistisk abstraktion, ofte ved at anvende sine storskala værker på offentlige steder, hvor de bliver materialiseringen af energi og universalitet i arkitektonisk skala.

Odili Donald Odita - Desert Sun, 2014. Akryl på lærred. 72 x 90 tommer. Jack Shainman Gallery, New York. © Odili Donald Odita

Eva Rothschild

Den irske abstrakte skulptør Eva Rothschild (f. 1971) erklærer dristigt, at aktivisme er indbygget i valget om at lave abstrakt kunst. I en tid, hvor narrativt indhold synes at være konge, demonstrerer Rothschild, hvordan de tidløse visuelle sprog, der er tydelige i Suprematismen, Konstruktivismen og Minimalismen, kan skabe dristige, nye abstrakte former, der taler til frihed, uafhængighed, mangfoldighed og fred.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Aluminium og maling. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Foto: © Eva Rothschild, Courtesy Stuart Shave/Modern Art, London og Galerie Eva Presenhuber, Zürich

Thomas Scheibitz

Den tyske kunstner Thomas Scheibitz (f. 1968) besvarer spørgsmålet om, hvordan skæmt og leg kan tages seriøst inden for den abstrakte kunst, selv i en æra præget af angst. Ved at kombinere arven fra bevægelser som Rayonisme, Futurisme og Kubisme med ekkoer af arkitektoniske gengivelser og design fra midten af århundredet, skaber Scheibitz uhyggeligt velkendte værker, der synes at være opstået fra et parallelt æstetisk univers.

Pae hvid

Den amerikanske kunstner Pae White (f. 1963) bruger abstraktion til at vise os genkendelige billeder fra vores tid. Hendes fantastiske værker kombinerer skildringer af naturens kræfter med småbidder, der er blevet kasseret fra vores hyper-digitaliserede, hyper-materialiserede nutid, og viser os nogle gange skræmmende scener fra ægteskabet mellem struktur og forvirring.

Fremhævet billede: Charline von Heyl - Underverdenens sprog, 2017. Akryl og kul på lærred. 90 × 108". © Charline von Heyl
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio