De vigtigste abstrakte kunstnere i det 21. århundrede – indtil videre

Hvis du er noget som mig, selvom jeg har skrevet teksten, kan du måske være en smule forstyrret over titlen på denne artikel. Hvordan kan jeg, kun to årtier inde, overhovedet vide, hvem de vigtigste kunstnere i det 21. århundrede vil være? I 1920 var mange af de vigtigste kunstnere i det 20. århundrede slet ikke født endnu. Og hvad er egentlig kriteriet for at fastslå, om en kunstner er vigtig? Selvom jeg er enig i disse pointer, finder jeg alligevel det nyttigt at gøre status nu og da over, hvilke kunstnere jeg mener er vigtige, og hvorfor, og begyndelsen på et nyt årti virker som en helt fin undskyldning. Hvad angår, hvad der definerer en vigtig kunstner, har jeg i mine 11 år som kunstjournalist (en dråbe i havet sammenlignet med mange af mine kolleger) hørt dusinvis af svar på dette spørgsmål. De fleste falder tilbage på tre mål: berømmelse, auktionspriser og deltagelse i prestigefyldte udstillinger og samlinger. Men selvom det måske er notoritetens treenighed, der kan sikre en kunstner en Wikipedia-side, har det efter min mening lidt at gøre med at gøre en kunstner vigtig. For mig er det eneste tilfredsstillende mål for en kunstners betydning den indflydelse, de har på andre mennesker. Vigtige kunstnere inspirerer folk til at blive ved med at tro på kunstens værdi, og de overbeviser andre om at prøve at lave deres egen kunst eller fortsætte med at lave deres egen kunst. Hvad angår hvem der er med på denne liste, er det uundgåeligt, at den er ufuldstændig, unøjagtig og kontroversiel; alle lister er det. Ikke desto mindre har hver af disse ti kunstnere fortjent deres plads her på grund af den indflydelse, de allerede har haft både på andre kunstnere og på folk uden for kunstfeltet. De er bestøvere, der spreder de nødvendige ingredienser af inspiration, eksperimenteren og handling, så vi kan holde abstraktionen levende fremover.

Tomma Abts

I næsten to årtier har den tyske maler Tomma Abts (f. 1967) lavet det samme maleri i samme størrelse igen og igen—48 x 38 cm. Hun arbejder intuitivt for at skabe abstrakte, geometriske kompositioner, der følger deres egen logik, ofte malende flere lag over kompositionerne, indtil hun er tilfreds, mens hun lader impasto-rillerne fra tidligere lag skinne igennem. Uafhængig af nogen visuel stil, dedikeret kun til sin metode, er Abts berømt for at arbejde langsomt. På trods af ikke at være produktiv og på trods af at ignorere kravet om at definere sin visuelle stil, blev Abts den første kvindelige maler til at vinde Turner-prisen—levende bevis på værdien af at finde sin egen vej.

Tomma Abts - Feke, 2013. Akryl og olie på lærred. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Venligst udlånt af Privat Samling, New York. Serpentine Galleries.

Mark Bradford

Mark Bradford (f. 1961) kombinerer metoderne maleri, collage og décollage for at skabe abstraherede billeder, der kortlægger hans forhold mellem de fysiske og kulturelle realiteter i nutiden og fortiden. Hans materialer og processer har inspireret en generation af kunstnere til at skabe taktile værker, der taler til vekselvirkningen mellem vækst og forfald. Udover sin kunstneriske karriere er Bradford en indflydelsesrig samfundsorganisator, der samarbejder med filantropen Eileen Harris Norton og aktivisten Allan Dicastro om at skabe Art + Practice, et sted hvor udsatte naboer, såsom børn der forlader plejefamilier, kan deltage i kunsten.

Mark Bradford - Monster, 2009. Trykte materialer, akryl, karbonpapir, snor, papir og mixed media på lærred. 102 x 144 tommer (259,08 x 365,76 cm). Samling SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

Den tyske abstrakte maler Charline von Heyl (f. 1960) afviser postmodernismens kynisme til fordel for troen på, at noget nyt kan opstå af dens vrag. Von Heyl tager hele den visuelle historie som sit kildemateriale og kombinerer utallige referencer på individualistiske måder, der antyder, at vi er arvinger til en langt rigere og mere mangfoldig æstetisk arv, end vores kunsthistorielærere giver udtryk for.

Charline von Heyl - Untitled, 2007. En fra en serie på ti monoprints med litografi, træsnit,
serigrafi og digitaltryk, med tilføjelser af blæk, akryl og collage. Fund for det 21. århundrede. MoMA-samling. © Charline von Heyl

Nicholas Hlobo

Den sydafrikanske multidisciplinære kunstner Nicholas Hlobo (f. 1975) repræsenterer forløberen for en håbefuld tid, hvor data og analyse vil blive mindre vigtige end følelse og skaberkraft. Hans arbejde er præget af hans identitet, men han går frygtløst ud over fakta om sine kulturelle påvirkninger—fakta, der ellers kunne tvinge ham til kun at lave værker om det, der er—og fremmaner semi-magiske abstrakte værker, der strækker sig mod en fornemmelse af, hvad der kunne være.

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Kobber. 51,18 x 112,99 x 72,83 tommer (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicholas Hlobo

Jim Lambie

Den skotske kunstner Jim Lambie (f. 1964) forbinder Pop Art’s centrale idé—at folk “forstår det”—med de mere uhåndgribelige aspekter af abstraktion. De massive gulvinstallationer, som Lambie er mest kendt for, finder fælles grund mellem disse positioner ved at tage formalismen ned fra væggene og fylde håndgribeligt rum med farve, linje, overflade og glans. Hans installationer skaber trykfrie, dagligdags interaktioner med beskuere, der nu bogstaveligt talt kan se sig selv inde i værket.

Jim Lambie - Sound System, 2015. Farvet metalisk vinyl. Roslyn Oxley9 Gallery. © Jim Lambie

Julie Mehretu

At møde et maleri af den etiopiskfødte amerikanske maler Julie Mehretu (f. 1970) er at blive inviteret ind i en helt ny visuel civilisation. Hver af hendes abstrakte kompositioner opstår som en kompleks, levende organisme, der spreder sig, formerer sig og udvikler stadig mere komplicerede strukturer og indbyrdes afhængigheder. Mehretu udtrykker perfekt de mange bekymringer og muligheder i den sammenkoblede tidsalder, vi tilhører.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Blæk og akryl på lærred. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 tommer (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, New York. Gave fra Jeanne Greenberg Rohatyn og Nicolas Rohatyn samt A. W. Mellon Acquisition Endowment Fund. © Julie Mehretu

Odili Donald

Den nigerianskfødte amerikanske abstrakte maler Odili Donald Odita (f. 1966) er en del af en bølge af internationale kunstnere, der bringer global opmærksomhed på sammenhængene mellem arven fra oprindelig kunst og vestlig modernisme. Odita blander mønstre, farver og former fra sit hjemland Nigeria med de æstetiske strategier fra modernistisk abstraktion og udstiller ofte sine store værker offentligt, hvor de bliver en materialisering af energi og universalisme i arkitektonisk målestok.

Odili Donald Odita - Desert Sun, 2014. Akryl på lærred. 72 x 90 tommer. Jack Shainman Gallery, New York. © Odili Donald Odita

Eva Rothschild

Den irske abstrakte billedhugger Eva Rothschild (f. 1971) erklærer modigt, at aktivisme er indbygget i valget om at lave abstrakt kunst. I en tid, hvor fortællende indhold synes at være kongen, viser Rothschild, hvordan de tidløse visuelle sprog, der ses i suprematisme, konstruktivisme og minimalisme, kan skabe dristige, nye abstrakte former, der taler til frihed, uafhængighed, mangfoldighed og fred.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Aluminium og maling. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Foto: © Eva Rothschild, Venligst udlånt af Stuart Shave/Modern Art, London og Galerie Eva Presenhuber, Zürich

Thomas Scheibitz

Den tyske kunstner Thomas Scheibitz (f. 1968) besvarer spørgsmålet om, hvordan leg og spil kan tages alvorligt inden for abstrakt kunst, selv i en tid præget af angst. Ved at kombinere de arvede sprog fra bevægelser som rayonisme, futurisme og kubisme med ekkoer af arkitektoniske tegninger og midtårhundredets design skaber Scheibitz uhyggeligt velkendte værker, der synes at være opstået fra et parallelt æstetisk univers.

Pae White

Den amerikanske kunstner Pae White (f. 1963) bruger abstraktion til at vise os genkendelige billeder fra vores tid. Hendes fantastiske værker kombinerer skildringer af naturens kræfter med små bidder fra vores hyperdigitaliserede, hypermaterialiserede nutid og viser os til tider skræmmende scener fra ægteskabet mellem struktur og forvirring.

Forsidebillede: Charline von Heyl - The Language of the Underworld, 2017. Akryl og kul på hør. 90 × 108". © Charline von Heyl
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio