Hvem er de mest innovative repræsentanter for kinesisk abstrakt kunst i dag?

Udtrykket “kinesisk abstrakt kunst” volder mig problemer. Kina er hjemsted for den længste, sammenhængende kunsttradition på jorden i dag. Den tradition er enorm og kompleks, langt mere end de vestlige kunsttraditioner. Den vestlige forståelse af ordet abstraktion henviser mest til fraværet af figurativ fremstilling. Men i Kina har ikke-figurativ kunst en helt anden historie, en historie der er lige så politisk som æstetisk. Og ordet abstraktion betyder noget andet for kineserne end blot fraværet af figurativ fremstilling. Ikke desto mindre bliver jeg ved med at tænke, at på et dybt plan kunne en universel forståelse af betydningen af abstraktion opstå, hvis østlig og vestlig kultur kunne drøfte emnet oftere. I den forbindelse har en nyligt åbnet udstilling af kinesisk abstrakt kunst i Hongkong åbnet nogle døre for mig og givet mig en dybere forståelse. Time Line, Abstract Art From China, som vises på 10 Chancery Lane Gallery frem til 10. oktober 2018, præsenterer værker af fire nutidige kinesiske abstrakte kunstnere, hvis arbejde specifikt fokuserer på elementet linje. Kurator Tang Zhui påpeger i sin tekst til udstillingen, “deres ‘abstraktion’ er meget forskellig fra de klassiske abstrakte værker inden for vestlig modernisme. De har ikke til hensigt at præsentere en absolut idé eller forfølge den såkaldte ‘signifikante form’-tilgang, som kunsthistorikeren Clive Bell har teoretiseret, og de bevæger sig heller ikke mod fuldstændig materialisme som minimalismen. Skabelsen er forankret i den daglige håndværksproces med at lave værkerne, hvor de bruger deres eget væsen til at have en konstant dialog med objektet over en længere periode.” Denne kommentar antyder, at der faktisk er noget særligt ved den måde, kinesiske kunstnere bruger og forstår ordet abstraktion på. Men den antyder også, hvad der er universelt ved ordet, og antyder, at min nutidige, vestlige måde at forstå værdien af abstrakt kunst på måske ikke er så forskellig alligevel.

Lineær dybde

De kunstnere, der er med i Time Line, Abstract Art From China, er alle født mellem 1973 og 1981. Tre har modtaget formel kunstuddannelse, og en er autodidakt. Deres forskellige tilgange er meget individuelle, men de afslører flere fællestræk. Liu Wentao er uddannet i Beijing og også i Massachusetts. Han skaber komplekse, geometriske, trompe l’oeil-former ved hjælp af fine linjer tegnet med grafit på lærred. Hans billeder forbinder vestlig modernistisk historie med en tydeligt kinesisk praksis, der er forankret i strenghed, enkelhed og gentagelse. Chi Qun har en kandidatgrad i vægmaleri fra Central Academy of Fine Arts i Beijing. Hendes malerier har så meget struktur og dybde, at de næsten ser ud til at være lavet af vævet tekstil. Men det, man faktisk ser, er op til otte lag pigment, omhyggeligt påført og derefter skrabet af. Delvist maleri og delvist relief, taler disse værker til et tankesystem og en handling, der er forankret i naturen og i høj grad afhænger af underliggende sammenhænge.

Chi Qun - Fire linjer - Grå Blå Brun, 2017, Olie på lærred, 150 x 100 cm

Jiang Weitao er formelt uddannet i Shanghai. Hans oliemalerier er lysende. De fremkalder det visuelle sprog fra gitteret, men de opstår gennem en proces, der minder om gentagen skrivning, hvor nye lag af linjer lægges på hver dag og gradvist opbygger mønstre, der rækker ud over grænserne for deres enkelte streger. Og endelig er Gu Benchi en autodidakt kunstner, hvis malerier består af håndvævede linjer af malet tråd. Trådene fletter sig ind over hinanden og bygger op mod geometriske lineære mønstre. Det, der ved første øjekast ligner malede mærker på en overflade, er faktisk fysiske materialer, der er samlet til en slags overflade. De konceptuelle implikationer af disse værker fascinerer mig, da de leger med forestillingen om to- og tredimensionalitet samt den formodede forskel mellem overflade og linje. Ud over maleri udvider Gu Benchi også denne teknik til at lave skulpturer og store installationer. Til denne udstilling skabte han en vinduesinstallation, som forvandlede galleriets klare glasfacade til et kunstværk.

Jiang Weitao - Livets leje, 2017, 2017, Olie på plade, 76 x 76 cm

Ubetydelige former

For mig er det indlysende, at alle disse kunstnere først og fremmest er interesserede i den personlige oplevelse, de gennemgår, når de skaber deres værker. Den oplevelse er langt vigtigere for dem end de genstande, der er resultatet af deres indsats. Det mest afslørende aspekt af, hvad kurator Zhui havde at sige om denne udstilling, var hans henvisning til Clive Bell, den britiske kunstkritiker fra det 20. århundrede, og hans “signifikante former.” Bell troede på “æstetisk følelse.” Han mente, at hvis vi kunne forstå, hvilke kvaliteter der vækkede mennesker til at føle æstetisk følelse, kunne vi endelig opdage, hvad der adskiller kunstgenstande fra andre slags genstande. Han betragtede en “signifikant form” som en, der vækkede eller fremkaldte en æstetisk følelsesmæssig reaktion. Som Zhui påpeger i sin tekst, er værkerne i denne udstilling ikke genstande, der har til hensigt at vække følelser, men snarere genstande, der afslører processer og tidens gang. De er beregnet til at blive brugt i en eftertænksom proces, hvorigennem vi får mulighed for at forstå sammenhænge – mellem os og kunsten; mellem os og kunstneren; mellem kunsten og universet; eller mellem os selv og alt.

Liu Wentao - TBC, 2012, Blyant på linned, 150 x 150 cm

Med andre ord er disse kunstværker ubetydelige former. De er ikke pointen. De afslører en pointe. Men fordi de er abstrakte, forklarer de ikke, hvad den pointe måtte være, og de kritiserer heller ikke, hvad en beskuer måtte tolke den som. De er opstået gennem en række menneskelige handlinger med materialer og processer, der kan forklares; alligevel overskrider deres virkning konkret beskrivelse, og deres mening og formål er uklare. Denne udstilling og den tilhørende tekst åbnede for mig en bred, oversanselig forståelse af ordet abstraktion. Det er ikke en forståelse, der er helt fraværende i vestlig modernisme. Det er en, der udtrykker noget gammelt og universelt, omend umuligt – og måske unødvendigt – at definere.

Gu Benchi - Endless Line nr. 17, 2013, Polyestertrådslinje, rustfrit stålnål, akrylklæbemiddel, akryl, 180 x 180 cm

Forsidebillede: Gu Benchi - Endless Line nr. 56, 2017, Polyestertrådslinje, rustfrit stålnål, akrylklæbemiddel, akryl, 100 x 120 cm

Alle billeder venligst udlånt af 10 Chancery Lane Gallery

Af Phillip Barcio