Hvem er de mest innovative repræsentanter for kinesisk abstrakt kunst i dag?

Sætningen “Kinesisk abstrakt kunst” er problematisk for mig. Kina er hjemsted for den længste, kontinuerlige tradition for kunstskabelse på jorden i dag. Den tradition er enorm og kompleks, langt mere end traditionerne for vestlig kunst. Den vestlige forståelse af ordet abstraktion refererer mest til fraværet af figuration. Men i Kina har non-figurativ kunst en helt anden historie, en der er lige så politisk som æstetisk. Og ordet abstraktion betyder noget andet for kineserne end blot fraværet af figuration. Ikke desto mindre bliver jeg ved med at tænke, at på et dybt niveau kunne en universel forståelse af betydningen af abstraktion opstå, hvis østlig og vestlig kultur kunne konferere oftere om emnet. I den forbindelse har en nyligt åbnet udstilling af kinesisk abstrakt kunst i Hong Kong åbnet nogle døre for mig og givet mig en dybere forståelse. Time Line, Abstrakt Kunst Fra Kina, der vises på 10 Chancery Lane Gallery frem til 10. oktober 2018, præsenterer værker af fire samtidige kinesiske abstrakte kunstnere, hvis arbejde specifikt fokuserer på elementet linje. Kurator Tang Zhui påpeger i sin skrivning til udstillingen, “deres ‘abstraktion’ er meget forskellig fra de klassiske abstrakte værker fra vestlig modernisme. De har ikke til hensigt at præsentere en absolut idé eller forfølge den såkaldte ‘signifikante form’-tilgang, som kunsthistorikeren Clive Bell har teoretiseret, og de bevæger sig heller ikke mod fuldstændig materialisme som minimalisme. Skabelsen er rodfæstet i den daglige manuelle proces med at lave værkerne, hvor de bruger deres eget væsen til at have en konstant dialog med objektet over en længere periode.” Denne kommentar antyder, at der faktisk er noget specifikt ved den måde, kinesiske kunstnere bruger og forstår ordet abstraktion. Men det antyder også, hvad der er universelt ved ordet, og antyder, at min samtidige, vestlige måde at forstå værdien af abstrakt kunst på måske ikke er så forskellig endda.

Lineær dybde

De kunstnere, der er præsenteret i Time Line, Abstract Art From China, blev alle født mellem 1973 og 1981. Tre har modtaget formel kunstuddannelse, og en er selvlært. Deres forskellige tilgange er meget individuelle, men de afslører flere fællestræk. Liu Wentao blev uddannet i Beijing og også i Massachusetts. Han skaber komplekse, geometriske, trompe l’oeil former ved hjælp af delikate linjer trukket med grafit på lærred. Hans billeder forbinder vestlig modernistisk historie med en distinkt kinesisk praksis, der er forankret i strenghed, enkelhed og gentagelse. Chi Qun dimitterede med en kandidatgrad i vægmaleri fra Central Academy of Fine Arts i Beijing. Hendes malerier har en sådan tekstur og dybde, at de næsten ser ud til at være lavet af vævede tekstiler. Men hvad du faktisk ser, er så mange som otte successive lag af pigment, omhyggeligt påført og derefter skrabet. Delvist maleri og delvist relief, disse værker taler til et tankesystem og en handling, der er forankret i naturen og i høj grad afhænger af underliggende relationer.

Chi Qun - Four Lines - Grey Blue Brown, 2017, Oil on Canvas, 150 x 100 cm

Jiang Weitao blev formelt uddannet i Shanghai. Hans oliemalerier er lysende. De fremkalder det visuelle sprog af gitteret, men de opstår gennem en proces, der ligner gentagen skrivning, hvor hver dag nye lag af linjer lægges ned, der gradvist opbygges for at skabe mønstre, der strækker sig ud over grænserne for deres individuelle mærker. Og endelig er Gu Benchi en selvuddannet kunstner, hvis malerier består af håndvævede linjer af malet tråd. Trådene væver ind over hinanden og bygger op mod geometriske lineære mønstre. Hvad der først ser ud som malede mærker på en overflade, er faktisk fysiske materialer, der er akkumuleret til en slags overflade. De konceptuelle implikationer af disse værker fascinerer mig, da de leger med begrebet om to- og tredimensionalitet, samt med den påståede forskel mellem overflade og linje. Og ud over maleri udvider Gu Benchi også denne teknik til at lave skulpturer og storskala installationer. Til denne udstilling skabte han en vinduesinstallation, der transformerede den klare glasfacade af galleriet til et kunstværk.

Jiang Weitao - Lease of Life, 2017, 2017, Oil on board, 76 x 76 cm

Ubetydelige Former

For mig er det indlysende, at alle disse kunstnere primært er interesserede i den personlige oplevelse, de gennemgår, når de skaber deres værk. Den oplevelse er langt vigtigere for dem end de objekter, der er resultatet af deres indsats. Den mest afslørende aspekt af, hvad kurator Zhui havde at sige om denne udstilling, var hans henvisning til Clive Bell, den britiske kunstkritiker fra det 20. århundrede, og hans "signifikante former." Bell troede på "æstetisk emotion." Han mente, at hvis vi kunne forstå, hvilke kvaliteter der inspirerede mennesker til at føle æstetisk emotion, kunne vi endelig opdage, hvad der adskiller kunstobjekter fra andre slags objekter. Han betragtede en "signifikant form" som en, der vækkede eller stimulerede en æstetisk følelsesmæssig respons. Som Zhui påpeger i sin skrivning, er værkerne i denne udstilling ikke objekter, der har til hensigt at vække følelser, men snarere objekter, der afslører processer og tidens gang. De er beregnet til at blive brugt i en kontemplativ proces, gennem hvilken vi har muligheden for at forstå relationer—mellem os og kunsten; mellem os og kunstneren; mellem kunsten og universet; eller mellem os selv og alt.

Liu Wentao - TBC, 2012, Pencil on linen, 150 x 150 cm

Med andre ord er disse kunstværker ubetydelige former. De er ikke pointen. De er afslørende for en pointe. Men fordi de er abstrakte, forklarer de ikke, hvad den pointe kunne være, og de er heller ikke kritiske over for, hvad en betragter måtte fortolke det som. De opstod gennem en række menneskelige handlinger, der involverer materialer og processer, som kan forklares; alligevel overskrider deres effekt konkret beskrivelse, og deres mening og formål er uklare. Denne udstilling og dens ledsagende skrivning afslørede for mig en bred, transcendent forståelse af ordet abstraktion. Det er ikke en, der helt mangler i vestlig modernisme. Det er en, der er et udtryk for noget gammelt og universelt, omend umuligt—og måske unødvendigt—at definere.

Gu Benchi - Endless Line no 17, 2013, Polyester yarn line, stainless steel nail, acrylic adhesive, acrylic, 180 x 180 cm

Fremhævet billede: Gu Benchi - Endless Line nr. 56, 2017, Polyester garnlinie, rustfrit stål søm, akrylklæbemiddel, akryl, 100x 120 cm

Alle billeder med venlig hilsen fra 10 Chancery Lane Gallery

Af Phillip Barcio