Hvorfor Laura Owens' tilgang til maleri er så innovativ

Mere end én gang har jeg hørt en kunstner sige, at Laura Owens reddede maleriet. Det er en underlig udsagn. Det antyder, at maleriet var i fare for at blive ødelagt på et tidspunkt, formodentlig i de sidste fire årtier eller deromkring, siden det er så længe Laura Owens har været i live - og at det derfor havde brug for en frelser. Sådanne akademiske teorier som dem, der siger, at maleriet er dødt, eller maleriet er ved at dø, eller maleriet aldrig har levet, er umulige at bevise, og derfor kan de til tider være både komiske og smertefulde at lytte til. Men de har et point. De er beregnet til at formidle holdningen om, at kunsten skal forblive relevant. At sige, at maleriet har brug for at blive reddet, betyder bare, at maleriet er i fare for at blive irrelevant. Og så at sige, at Laura Owens reddede maleriet, betyder bare, at hun på en eller anden måde fik den fare til at aftage, i det mindste midlertidigt. Men et spørgsmål, der er værd at stille, er: Hvad skal maleriet være relevant for? Samfundet? Måske. Men vigtigere er det, at maleriet altid skal forblive relevant for malere. Hver ny maler, der overvejer at tage en pensel, det er dem, der skal overbevises om betydningen og potentialet af det, de er ved at gøre. Når folk siger, at Laura Owens reddede maleriet, er det, hvad de mest mener. De mener, at denne kunstner, ved sit eksempel, er et vidnesbyrd om, hvorfor det er vigtigt, at folk fortsætter med at tage pensler, fortsætter med at strække lærreder og fortsætter med at sætte deres præg. Det er derfor, hun nævnes af malere i alle aldre som en inspiration. Det er også derfor, at hun i 2003, kun ni år efter sin kandidatuddannelse, blev den yngste kunstner, der fik en retrospektiv på Museum of Contemporary Art i Los Angeles, siden dette museum åbnede i 1979. Og det er derfor, hun blev valgt i år til at være emnet for den første mid-career retrospektiv af en hvilken som helst kunstner på den nye placering af Whitney Museum of American Art i New York.

Vær ikke bange for noget

I forbindelse med sin nuværende retrospektiv af Laura Owens (som kan ses indtil 4. februar 2018), har Whitney udgivet en monumental bog, der detaljerer hver eneste aspekt af den bidrag, Owens indtil videre har givet til kunsten. Det er bogstaveligt talt en af de største kunstbøger nogensinde. Den består af mere end 600 sider med historisk og akademisk skrivning om hendes liv og kunst, og indeholder hundreder af fotografier af hendes værker. Men der er én post i den, der skiller sig ud som essentiel for mig, ikke kun for at forstå Laura Owens som person eller Laura Owens som maler, men også for at forstå dem, der betragter hende som en personlig helt. Den post er en kopi af en liste, Owens skrev i sin dagbog, da hun var i 20'erne, med titlen "Hvordan man bliver den bedste kunstner i verden."

Listen, som hurtigt vinder frem på sociale medier takket være en omtale i en nylig New Yorker-profil af Owens skrevet af Peter Schjeldahl, inkluderer råd så enkle som "Tænk stort," og "Sig meget lidt," og så komplicerede som, "Vær klar over, at hvis du ikke havde valgt at være kunstner, ville du helt sikkert have overvejet verdensherredømme eller massemord eller helgenstatus." Men det vigtigste punkt på den liste, efter min mening, er, "Vær ikke bange for noget." Den ene retningslinje har defineret alt det arbejde, Owens har lavet indtil nu, og har også defineret den kritik, hun har udholdt, de fejl, hun har lært af, og de kampe, hun har nægtet at trække sig fra. Det er kendetegnet for hendes succes, og grunden til, at folk siger, hun reddede maleriet.

Laura Owens - Untitled, 1997. Oil, acrylic, and airbrushed oil on canvas, 96 × 120 in. (243.8 × 304.8 cm). Whitney Museum of American Art, New York; promised gift of Thea Westreich Wagner and Ethan Wagner P.2011.274, © the artist

Hvad der er at frygte

Den første skræmmende ting, der let kunne have skræmt Owens væk fra hendes karriere som maler, var den iboende bias i det, der virkelig burde kaldes Art Academia Industrial Complex. Som studerende ved Rhode Island School of Design (RISD) stod hun over for sexismen fra en malerprofessor, der kun opmuntrede de mandlige malere i klassen til at arbejde abstrakt. Som studerende i kandidatprogrammet ved California Institute of the Arts (CalArts) blev hun mødt med en kritisk masse af lærere og medstuderende, der prædikede, at maleri var passé, og at kun "Post Conceptualism" kunne muligvis adressere de komplekse måder, hvorpå formalisme, kunsthistorie og sociale spørgsmål konvergerede på kysterne af det moderne liv.

Owens ignorerede alle disse fordomme, om ikke altid frygtløst, så i det mindste på trods af sin frygt - og det er den sande definition af mod. Hun dannede en klub med andre kvindelige abstrakte kunstnere på RISD. Og hun udfordrede sine lærere og medstuderende på CalArts og omfavnede maleri som sin primære æstetiske bekymring. Hun lavede malerier, der udtrykte den ene ting, der virkelig aldrig før er blevet udtrykt i maleri: Laura Owens. Når du ser på rækken af værker, der er inkluderet i den nuværende Whitney-retrospektiv, ser du, hvad der synes at være et fantastisk udvalg af stilarter og emner. Alt er forskelligt, men alt er det samme, fordi alt er personligt. Som Walt Whitman sagde om sig selv, indeholder Laura Owens mangfoldigheder. Det gør vi alle. Owens reddede maleriet, fordi hun minder os om det. Hun minder os om, at måden at være uredd foran et lærred på, simpelthen er at frigøre dig selv til at male det, der er unikt dit eget. Udtryk dig selv. Det er, hvad hun gør. Og at forstå hendes arbejde er virkelig så simpelt.

Laura Owens - Untitled, 2000. Acrylic, oil, and graphite on canvas, 72 x 66 1/2 in. (182.9 x 168.9 cm). Collezione Giuseppe Iannaccone, Milan (Left) and Untitled, 2006. Acrylic and oil on linen, 56 x 40 in. (142.2 x 101.6 cm). Charlotte Feng Ford Collection (Right), © the artist

356 Mission

Det er især passende, at denne, den første store retrospektive udstilling af Laura Owens i 14 år, bliver præsenteret af Whitney Museum of American Art. Der er noget unikt amerikansk ved Owens, udover hendes statsborgerskab. Dels har det at gøre med hendes arbejde, som er modigt og frit - to solide, markante karakteristika, der er indlejret i psyken hos alle amerikanske sjæle, uanset om de er født i, eller bor i Amerika eller ej. Men det mest brændende amerikanske, der i øjeblikket definerer Owens, er hvad hun har lavet udover maleri for nylig i sin boghandel/galleri/offentlige samlingssted på 356 South Mission Road i Los Angeles.

I 2012 søgte Owens rundt i Los Angeles, byen der havde været hendes hjem i årtier på det tidspunkt, efter et rum, der var passende stort til at udstille et nyt værk—en serie malerier så gigantiske, at de ville blive konstrueret på stedet, da de ville være absurde svære at transportere. Hun fandt et tomt lager i Boyle Heights-kvarteret i LA, som var perfekt. Med hjælp fra to partnere lejede hun rummet og i 2013 satte hun sin planlagte udstilling op. Jeg havde fornøjelsen af at deltage i den udstilling og gik derfra med følelsen af, at jeg lige havde set den mest magtfulde maleriudstilling i mit liv. Galleriet var huleagtigt, industrielt, og alligevel blev det overskygget af tilstedeværelsen af værket. Foran rummet var der en boghandel, og bagved blev der serveret mad, musikken spillede, og folk talte og grinede.

Laura Owens - Untitled (detail), 2012. Acrylic, oil, vinyl paint, charcoal, yarn, and cord on hand-dyed linen, 33 panels, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) each. Collection of Maja Hoffmann/LUMA Foundation (Left) and Untitled (detail), 2012. Acrylic, oil, vinyl paint, charcoal, yarn, and cord on hand-dyed linen, 33 panels, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) each. Collection of Maja Hoffmann/LUMA Foundation (Right), © the artist

Den amerikanske måde

Efter den indledende udstilling besluttede Owens at fortsætte med at leje lokalet. Hun arrangerede udstillinger med andre kunstnere, afholdt kurser og foredrag og viste film. Og hvorfor ikke? Lokalet var ledigt. Dette er Amerika. Hvorfor skulle nogen ikke kunne leje det rum, de ønsker? Men hendes tilstedeværelse i nabolaget har siden udløst en storm af protester blandt nogle beboere i området. Owens ses som en uvelkommen besætter og en varsler om gentrificering. Demonstranter, der repræsenterer Boyle Heights' anti-gentrificeringsindsats, samledes ved Whitney Museum for at demonstrere imod Owens' retrospektiv. De protesterer også rutinemæssigt uden for hendes lokale i Boyle Heights.

Owens har mødt repræsentanter for protestgrupperne i et forsøg på at nå til en forståelse, men de har krævet, at hun skal forlade stedet, og vil ikke acceptere noget mindre. De ønsker også, at hun offentligt skal erklære, at hun tog fejl ved at komme der, og at hun har lært sin lektie. Men Owens forlader ikke stedet. Ikke endnu. Hun er modig. Hun har ret til at være der. Denne intimidering fra anti-gentrificeringsprotestanterne er ikke anderledes end de handlinger, historien har vist os fra dem, der intimiderer farvede mennesker, eller religiøse minoriteter, eller flygtninge, og forsøger at tvinge dem til ikke at åbne virksomheder eller købe boliger i "deres nabolag." Amerika har en lang historie med denne slags nonsens. Men det har også en lang tradition for mangfoldighed og modstand mod kræfterne af splittelse. Hvis du har mulighed for at se hendes nuværende Whitney-retrospektiv, så gør det, ikke kun for at opdage, hvorfor Laura Owens reddede maleriet. Men også for at vise din støtte til en, der eksemplificerer mod, opfindsomhed, originalitet og individualitet—fire karakteristika, der definerer, hvad det betyder at være en kunstner, en amerikaner og et frit menneske.

Fremhævet billede: Laura Owens - Uden titel, 1997. Akryl og olie på lærred, 78 x 84 tommer (198,1 x 213,4 cm). Samling af Mima og César Reyes. © kunstneren

Alle billeder er kun til illustrative formål

Af Phillip Barcio