Eine "Künstlerin lebendiger Formen" - Elizabeth Murray
Im Laufe ihrer 40-jährigen Karriere baute Elizabeth Murray ein einzigartiges ästhetisches Erbe auf – eines, das unbestreitbar ernst war und doch auch eines, bei dem man unmöglich nicht lächeln kann. Als Künstlerin verkörperte sie Vision, Humor und Neugier. Ich stelle sie in die Tradition von Jean Dubuffet, Nikki St. Phalle, Keith Haring und Alexander Calder – Künstler, die die Bedeutung des Spiels erkannten. Und als Mensch verkörperte sie Straßenverstand und Sympathie, strahlte eine scheinbar mühelose, lässige und freundliche Natur aus. Ihr Selbstbewusstsein wurde in ihrer Jugend geprägt, als sie häufig fast obdachlos war. Sie lernte früh die Lektionen der Selbstständigkeit und harter Arbeit. Sie hatte auch früh eine Vorliebe für Kunst, und erinnerte sich daran, dass sie bereits in der fünften Klasse ihre Zeichnungen an ihre Klassenkameraden verkaufte. Ihr fesselnder, reifer visueller Stil wurde zuerst in ihrer Heimatstadt Chicago und später in Oakland gefördert, zwei Städten, die besonders in den 1960er Jahren für die Züchtung von eigenwilligen, unkonventionellen Künstlern mit großen Ideen bekannt waren. Kurz vor ihrem Tod wurde Murray mit einer Retrospektive im Museum of Modern Art in New York gefeiert. Sie umfasste etwa 75 Werke, die ihre Karriere spannten. Mit ihrer gesamten Entwicklung, die endlich auf einmal ausgestellt wurde, wurde in lebendigen Farben die Tiefe ihrer Vorstellungskraft, die Intensität ihres Fokus und der Witz und die Eleganz ihres Beitrags zur abstrakten Kunst offenbart.
Der hoffnungsvolle Imagist
Ein grundlegendes Gefühl für die ästhetische Entwicklung, die Murray im Laufe ihrer Karriere gefördert hat, kann von ihrer Website gewonnen werden. Ein Einblick in ihr gesamtes Werk ist dort zu finden, chronologisch angeordnet von 1976 bis 2007. Es zeigt deutlich, dass die Samen ihres reifen Malstils bereits in ihren frühesten Arbeiten vorhanden waren. Auch die Einflüsse der beiden Städte, in denen sie ihr Handwerk erlernte, sind offensichtlich. Für ihren Bachelor-Abschluss besuchte Murray das Art Institute of Chicago (AIC). Sie war dort zu einer Zeit, als die Künstler, die mit The Monster Roster, The Hairy Who und den Chicago Imagists verbunden waren, in dieser Stadt aufblühten. Sie teilte die Verbindung zu surrealistischen Formen und lebendigen Farben, für die diese Gruppen bekannt waren. Auch wie viele dieser Künstler schuf Murray Werke, die persönlich waren. Sie war nicht im Gespräch mit der breiteren, kommerziellen Kultur, wie es Pop-Künstler ihrer Generation tendenziell waren, sondern führte vielmehr einen Dialog mit etwas Internem.
Elizabeth Murray - Who Wants, 2003, Aus der Serie Eine Serie von 6 einzigartigen Arbeiten, dreidimensionale, mehrfarbige Lithografie/Siebdruck, geschnitten, collagiert und von der Künstlerin handbemalt, 50 × 47 1/2 × 6 in, 127 × 120,7 × 15,2 cm, Auflage von 6, Gemini G.E.L. bei Joni Moisant Weyl, New York, © Elizabeth Murray
Diese frühen Gemälde zeigen auch, dass Murray die Enttäuschung fehlte, die oft mit den figurativen Chicago-Bewegungen der 1960er Jahre verbunden ist. Das könnte der Grund gewesen sein, warum sie nach ihrem Abschluss am AIC nach Kalifornien zog. 1962 trat sie am Mills College in Oakland ein, wo sie ihren Master-Abschluss erwarb. Die Bay Area war zu dieser Zeit das Epizentrum der Funk Art. Murray war im Einklang mit dem Witz, der Mehrdeutigkeit und der schrägen Sinnlichkeit, die diese Bewegung definierten. Ihre Erfahrungen im Westen ermächtigten sie, ungeniert ihre eigene Stimme zu verfolgen. Als sie 1967 nach New York zog, war sie mit einer eigenwilligen, selbstbewussten ästhetischen Position ausgestattet und wusste, dass sie sich nicht darum kümmern musste, was andere Künstler taten. Es dauerte eine Weile, bis sie sich in New York etablierte, aber ihre erste Ausstellung war eine große – die Whitney Museum of American Art 1972 Annual Exhibition: Contemporary American Painting. Werke von Murray würden schließlich Teil der ständigen Sammlung dieser Institution werden, zusammen mit denen von MoMA, dem Guggenheim, dem Walker, dem Met und mehr als 50 anderen bedeutenden Kunstmuseen weltweit.
Elizabeth Murray - Untitled, 1991, Tusche, Buntstift und Gouache auf Papier mit Collage, 10 2/5 × 10 7/10 in, 26,4 × 27,3 cm, Pace Gallery, © Elizabeth Murray
Von der Oberfläche zur Form
Was Murray heute am häufigsten in Erinnerung bleibt, ist ihr letztes Werk – großflächige, komplexe, miteinander verbundene Konfigurationen von geformten Leinwänden. Ihr Weg zu diesem Punkt scheint im Rückblick fast unvermeidlich. Von Anfang an war sie an der Lebensenergie von Formen interessiert. Über ihr Gemälde von 1976 Beginner sagte sie, sie „wollte mit einer organischen Form arbeiten, die auf viele verschiedene visuelle Arten gelesen werden konnte. Ich dachte an die kleine marsviolette Spirale als die Stimme oder das Herz oder den wirklichen inneren Teil der Form.“ Etwa zu dieser Zeit begann sie, ihre Kompositionen auf ungewöhnlich geformten Leinwänden zu malen, wie Dreiecken und Rauten. Kurz darauf begann sie, Leinwände zu schaffen, die die Formen – abstrakte, biomorphe Formen ihrer eigenen Erfindung waren. Dies erweckte ihre Kompositionen auf eine wörtliche Weise zum Leben. Über ein solches Werk mit dem Titel Yikes aus ihrer Kaffeetassen-Serie erinnerte sich Murray: „Ich dachte an frühe kubistische Landschaftsmalerei; stell dir vor, du gehst in eine dieser Braque-Landschaften hinein.“
Elizabeth Murray - Installationsansicht, Museum of Modern Art New York, © Die Archive des Museum of Modern Art, New York
Die volle Reife ihrer Vision ist sichtbar in architektonischen Meisterwerken wie Everybody Knows (2007), dem letzten Gemälde, das Murray vor ihrem Tod schuf. Der komplizierte und zeitaufwändige Prozess ihrer Entstehung wurde in einer Episode von Art 21 aus dem Jahr 2003 festgehalten. Wie gezeigt wird, begann sie damit, eine Komposition auf Papier zu zeichnen, bevor sie eine Leinwand für jede Form konstruierte. Schließlich verband sie die geformten Leinwände miteinander und erweckte sie mit Farbschichten zum Leben. Ihre letzten Werke sind Zeugnisse des meisterhaften Talents, das Murray in ihrem Atelier kultivierte. Dennoch mindern einige in der Kunstwelt ihre Bemühungen, indem sie ihre Werke als "niedere Kunst" bezeichnen und die Freude, die sie inspiriert, verspotten. Solche Kritiker offenbaren nur ihr eigenes Versagen, die zugrunde liegende Ernsthaftigkeit einer Künstlerin zu begreifen, die von der Kunstgeschichte, der inhärenten Kraft von Farbe und Form sowie den Beziehungen zwischen Objekten fasziniert ist. Eine solche Kritik hatte ohnehin keinen bleibenden Effekt. Trotz ihrer Bescheidenheit und ihres Sinns für Humor behauptete Murray selbstbewusst ihren Standpunkt. Ihre legendäre Widerstandsfähigkeit gegenüber denen, die sie mindern wollten, machte sie zu einem Symbol des Feminismus. Sie hinterließ ein Erbe nicht nur großer abstrakter Kunst, sondern auch von Menschlichkeit und Stärke. Sie bewies, wie viele vor ihr bewiesen haben, dass Künstler das Recht haben, zu schaffen, was sie wollen; und dass ein starkes, selbstbewusstes, meisterhaftes Werk immer seine Kritiker überdauern wird.
Elizabeth Murray - Installationsansicht, Museum of Modern Art New York, © Die Archive des Museum of Modern Art, New York
Vorschaubild: Elizabeth Murray - Installationsansicht, Museum of Modern Art New York, © Die Archive des Museum of Modern Art, New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
