Eine "Künstlerin lebendiger Formen" - Elizabeth Murray

Im Verlauf ihrer 40-jährigen Laufbahn schuf Elizabeth Murray ein einzigartiges ästhetisches Erbe – eines, das unbestreitbar ernst war und doch zugleich ein Lächeln hervorzurufen vermag. Als Künstlerin verkörperte sie Vision, Humor und Neugier. Ich ordne sie in die Tradition von Jean Dubuffet, Nikki St. Phalle, Keith Haring und Alexander Calder ein – Künstler, die die Bedeutung des Spiels erfassten. Und als Mensch zeigte sie Straßenklugheit und Sympathie, strahlte eine scheinbar mühelose, ungezwungene und freundliche Art aus. Ihr Selbstbewusstsein wurde in ihrer Jugend geprägt, als sie oft fast obdachlos war. Sie lernte früh die Lektionen von Selbstständigkeit und harter Arbeit. Ebenso entdeckte sie früh die Kunst für sich und erinnert sich, dass sie bereits in der fünften Klasse ihre Zeichnungen an Mitschüler verkaufte. Ihr fesselnder, reifer visueller Stil wurde zuerst in ihrer Heimatstadt Chicago gefördert und später in Oakland, zwei Städten, die besonders in den 1960er Jahren für die Förderung eigenwilliger, unkonventioneller Künstler mit großen Ideen bekannt waren. Kurz vor ihrem Tod wurde Murray mit einer Retrospektive im Museum of Modern Art in New York geehrt. Diese zeigte etwa 75 Werke aus ihrem gesamten Schaffen. Mit der vollständigen Entwicklung auf einmal sichtbar, offenbarte sich in lebendigen Farben die Tiefe ihrer Vorstellungskraft, die Intensität ihres Fokus sowie der Witz und die Eleganz ihres Beitrags zur abstrakten Kunst.

Die hoffnungsvolle Bildnerin

Ein grundlegendes Verständnis der ästhetischen Entwicklung, die Murray im Laufe ihrer Karriere förderte, lässt sich auf ihrer Webseite gewinnen. Dort ist ein Überblick über ihr Gesamtwerk zu finden, chronologisch geordnet von 1976 bis 2007. Es zeigt deutlich, dass die Keime ihres reifen Malstils bereits in ihren frühesten Arbeiten vorhanden waren. Ebenso sind die Einflüsse der beiden Städte, in denen sie ihr Handwerk erlernte, erkennbar. Für ihren Bachelorabschluss besuchte Murray das Art Institute of Chicago (AIC). Sie war dort zu einer Zeit, als die Künstler, die mit The Monster Roster, The Hairy Who und den Chicago Imagists verbunden sind, in dieser Stadt ihren Höhepunkt erreichten. Sie teilte die Verbindung zu surrealistischen Formen und lebendigen Farben, für die diese Gruppen bekannt waren. Wie viele dieser Künstler schuf Murray persönliche Werke. Sie stand nicht im Dialog mit der breiteren, kommerziellen Kultur, wie es Popkünstler ihrer Generation taten, sondern führte einen inneren Dialog.

Elizabeth Murray - Who Wants, 2003, Aus der Serie Eine Serie von 6 einzigartigen Werken, dreidimensionale mehrfarbige Lithografie/Siebdruck, geschnitten, collagiert und von der Künstlerin handbemalt, 127 × 120,7 × 15,2 cm, Auflage von 6, Gemini G.E.L. bei Joni Moisant Weyl, New York, © Elizabeth Murray

Diese frühen Gemälde zeigen auch, dass Murray nicht die Ernüchterung besaß, die oft mit den figurativen Chicago-Bewegungen der 1960er Jahre verbunden wird. Das könnte sie nach ihrem Abschluss am AIC nach Kalifornien gezogen haben. 1962 begann sie ihr Studium am Mills College in Oakland, wo sie ihren Masterabschluss erwarb. Die Bay Area war damals das Zentrum der Funk-Kunst. Murray war im Einklang mit dem Witz, der Mehrdeutigkeit und der eigenwilligen Sinnlichkeit, die diese Bewegung prägten. Ihre Erfahrungen im Westen stärkten sie darin, unbeirrt ihre eigene Stimme zu verfolgen. Als sie 1967 nach New York zog, war sie mit einer eigenwilligen, selbstbewussten ästhetischen Haltung ausgestattet und wusste, dass sie sich nicht darum sorgen musste, was andere Künstler taten. Es dauerte eine Weile, bis sie sich in New York etablierte, doch ihre erste Ausstellung war eine große – die Whitney Museum of American Art 1972 Jahresausstellung: Zeitgenössische amerikanische Malerei. Werke von Murray wurden schließlich Teil der ständigen Sammlung dieser Institution sowie des MoMA, Guggenheim, Walker, Met und mehr als 50 weiterer bedeutender Kunstmuseen weltweit.

Elizabeth Murray - Ohne Titel, 1991, Indische Tusche, Farbstift und Gouache auf Papier mit Collage, 26,4 × 27,3 cm, Pace Gallery, © Elizabeth Murray

Von der Fläche zur Form

Wofür Murray heute am meisten in Erinnerung bleibt, ist ihr letztes Werk – großformatige, komplexe, miteinander verbundene Kompositionen aus geformten Leinwänden. Ihr Weg dorthin erscheint rückblickend fast unausweichlich. Von Anfang an interessierte sie sich für die Lebenskraft der Formen. Über ihr Gemälde Beginner von 1976 sagte sie, sie „wollte sich mit einer organischen Form beschäftigen, die auf viele verschiedene visuelle Weisen gelesen werden kann. Ich dachte an die kleine mars-violette Spirale als Stimme oder Herz oder den wahren inneren Teil der Form.“ Etwa zur gleichen Zeit begann sie, ihre Kompositionen auf ungewöhnlich geformten Leinwänden zu malen, wie Dreiecken und Rauten. Kurz darauf begann sie, Leinwände in Form abstrakter, biomorpher Formen eigener Erfindung herzustellen. Das erweckte ihre Kompositionen buchstäblich zum Leben. Über ein solches Werk mit dem Titel Yikes aus ihrer Kaffeetassen-Serie erinnerte sich Murray: „Ich dachte an frühe kubistische Landschaftsmalerei; stell dir vor, du gehst in eine dieser Braque-Landschaften hinein.“

Elizabeth Murray - Installationsansicht, Museum of Modern Art New York, © The Museum of Modern Art Archives, New York

Die volle Reife ihrer Vision zeigt sich in architektonischen Meisterwerken wie Everybody Knows (2007), dem letzten Gemälde, das Murray vor ihrem Tod schuf. Der komplizierte und zeitaufwändige Entstehungsprozess wurde in einer Folge von Art 21 aus dem Jahr 2003 festgehalten. Wie gezeigt wird, begann sie mit einer Komposition auf Papier, baute dann für jede Form eine Leinwand und fügte schließlich die geformten Leinwände zusammen, die sie mit Farbschichten zum Leben erweckte. Ihre letzten Werke sind Zeugnisse des meisterhaften Talents, das Murray in ihrem Atelier entwickelte. Dennoch schmälern manche in der Kunstwelt ihre Bemühungen, bezeichnen ihr Werk als „niedrige Kunst“ und verspotten die Freude, die es hervorruft. Solche Kritiker offenbaren nur ihr eigenes Unvermögen, die zugrundeliegende Ernsthaftigkeit einer Künstlerin zu verstehen, die von Kunstgeschichte, der innewohnenden Kraft von Farbe und Form sowie den Beziehungen zwischen Objekten fasziniert ist. Solche Kritik hatte ohnehin keine bleibende Wirkung. Trotz ihrer Bescheidenheit und ihres Humors behauptete Murray selbstbewusst ihren Standpunkt. Ihre legendäre Widerstandskraft gegenüber denen, die sie herabsetzen wollten, machte sie zu einer Ikone des Feminismus. Sie hinterließ ein Erbe nicht nur großer abstrakter Kunst, sondern auch von Menschlichkeit und Stärke. Sie bewies, wie viele vor ihr, dass Künstler das Recht besitzen, zu schaffen, was sie wollen; und dass ein starkes, selbstbewusstes, meisterhaftes Werk seine Kritiker immer überdauert.

Elizabeth Murray - Installationsansicht, Museum of Modern Art New York, © The Museum of Modern Art Archives, New York

Titelbild: Elizabeth Murray - Installationsansicht, Museum of Modern Art New York, © The Museum of Modern Art Archives, New York

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken

Von Phillip Barcio