Durchstöbern der Kunstwerke des digitalen abstrakten Kunstbereichs

Die rasante Entwicklung der digitalen Technik hat alle Bereiche unseres Daseins tiefgreifend beeinflusst, und die Kunst blieb von ihrem umwälzenden Einfluss kaum verschont. Die heutige Kunst entsteht durch einen Mausklick – oder neuerdings durch Berührung des Bildschirms – während Software und Anwendungen, die Künstlern das Schaffen im digitalen Bereich ermöglichen, explosionsartig zunehmen. Aufgrund ihrer nicht-gegenständlichen und nicht-nachahmenden Natur hat die abstrakte Kunst am meisten von dieser beispiellosen technologischen Wandlung profitiert. Digitale abstrakte Kunst gedeiht, da neue Softwarefunktionen eine Vielzahl fesselnder ästhetischer Möglichkeiten bieten – nur einen Klick entfernt. Die Software ist unbestreitbar der zentrale Mittelpunkt der digitalen abstrakten Kunst und hat die Horizonte der Kreativität unvergleichlich erweitert. Während viele Künstler das Digitale mit traditioneller Malerei, Bildhauerei oder Fotografie verbinden, greifen sie letztlich auf Software zurück, um das Wesen ihrer Arbeit zu deuten und neue künstlerische Grenzen zu erforschen. Während Photoshop, Adobe Illustrator und Corel Painter von realistischen und figurativen Illustratoren und Fotografen weit verbreitet genutzt werden, sind viele ihrer Filter (wie Photoshop Wave) berüchtigt dafür, eine immense Vielfalt abstrakter Muster zu erzeugen. Viele sind jedoch der Ansicht, dass nur generative Algorithmen echte (codebasierte) abstrakte Kunst schaffen können, und die wachsende Zahl an Werkzeugen, Programmen, Rahmenwerken und Sprachen wird eingesetzt, um diesem Glauben gerecht zu werden. Bei IdeelArt sind wir Heimat von Künstlern, die ihre Werke als Neue Medienkunst beschreiben und die unterschiedlichste digitale Technik zu deren Schaffung verwenden. Diese Woche präsentieren wir stolz fünf der faszinierendsten digitalen abstrakten Kunstwerke, die Sie Ihrer Sammlung hinzufügen können.

Luuk de Haan - Straec 26

Teil seiner vektorbasierenden Straec-Reihe, verkörpert Straec 26 die ursprüngliche Bedeutung des altenglischen Wortes stræc – etwas, das nach dem Dehnen starr bleibt – da seine Bilder gedehnt, aber starr erscheinen. De Haan experimentierte mit der Idee von Vektoren in seiner vorherigen geometrisch-abstrakten Serie, da Vektoren als mathematische Größe eine Bahn zu einem Punkt im dreidimensionalen Raum darstellen. Sein kreativer Prozess beginnt mit der Wahl einer Farbpalette und der anschließenden Erstellung von Rechtecken auf einer Fläche mittels Bildbearbeitungssoftware. Diese Rechtecke sind der Ausgangspunkt, von dem aus er zufällige Dreiecke und andere geometrische Formen erzeugt, die das Wesen von Vektoren heraufbeschwören. Inspiriert von der geometrischen abstrakten Arbeit Malevichs und Mondrians, offenbart de Haan treffend seine minimalistische Ästhetik und eine Komposition, die von selbstbewussten, geometrischen Formen, klaren Linien und glatten Flächen geprägt ist, die lebhaft mit seinem visuellen Vokabular mitschwingen. De Haan ist weithin bekannt für seinen unverwechselbaren Ausdruck, geometrische Kompositionen mit Bildbearbeitungssoftware zu schaffen, die er direkt vom Bildschirm fotografiert. Er verändert die physischen Bedingungen, unter denen das Foto aufgenommen wird, und betont so die Ungewissheit und das unberechenbare Überraschungsmoment, das durch die Interaktion mit dem digitalen Bild offenbart wird. Die neu entstandenen Bilder fesseln durch natürliche und organische visuelle Ausdruckskraft sowie eine strenge grafische Erforschung von Form, Farbe, Geometrie und Linie. De Haan wurde in Vlaardingen, Südholland, Niederlande, geboren. Er ist bildender Künstler und Klanggestalter. Seine bildende Kunst beruht auf den Medien Fotografie, Zeichnung und digitalen Werkzeugen, um organische, geometrisch-abstrakte Kompositionen zu schaffen.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Neue Medienkunst. 100 x 72,5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Teil von Kanes neuester Emanations-Reihe, erforscht EM-78 Vajra 3 Licht als den wesentlichsten Aspekt der Fotografie. Visuell untersucht es die mehrdeutige Dualität der Bedeutung des Sanskrit-Wortes vajra – eine mythische Waffe, die vom Gott Indra geführt wird und sowohl die Eigenschaften eines Diamanten (Unzerstörbarkeit) als auch eines Blitzes (unwiderstehliche Kraft) symbolisiert – Kane scannt das Bild des Vajra, verwischt es bis zu seinen feinsten Möglichkeiten und dehnt es dann, bis nur noch ein destilliertes Bild von Farbe und Form übrig bleibt. Er nutzt sorgfältig Computersoftware, um das spirituelle Potenzial des Lichts als bestimmendes Element der Fotografie auszudrücken. Für ihn ist dies ein Ausgangspunkt für größere Wahrnehmungserfahrungen, und sein Ziel mit der Emanations-Reihe war es, ein einzigartiges spirituelles Phänomen in etwas Weltliches, Zeitgenössisches und Universelles zu übersetzen. Kane ist ein amerikanischer Multimedia-Künstler, dessen Werk die Grenzen von Fotografie, Malerei und Druckgrafik überschreitet, um die Idee dessen zu untersuchen, was ein Bild ist und sein kann. Er lebt und arbeitet in Kalifornien, nahe San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigment auf Leinwand. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Ein weiteres Werk von Kane aus seiner neuesten Emanations-Reihe, EM2020-59, erforscht weiter die Eigenschaften des Lichts als ätherisches Element, das die materiellen Eigenschaften der Fotografie in den metaphysischen/spirituellen Bereich überträgt. Ein gescanntes Bild eines buddhistischen Thangka – ein Gemälde, das eine buddhistische Gottheit darstellt – wird erneut verwischt und gedehnt, sodass nur ein destilliertes Bild von Farbe und Form übrig bleibt. Kane druckt diese reduzierten Bilder auf Aquarellpapier als elementare Darstellungen der Lichtkörper der Buddhas, die denen, die sie betrachten, Segen spenden. Er interpretiert diese Segnungen als Momente der Ruhe und Achtsamkeit und möchte dieselbe Erfahrung von Friedlichkeit und Gelassenheit hervorrufen, die ein Betrachter erlebt, wenn er die Kunst von Rothko oder Turrell begegnet. Kane wurde tief inspiriert von der Vorstellung, dass ein lebloses Objekt, geschaffen durch den Einsatz von Technik, einem Betrachter ein solches Gefühl vermitteln kann.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigment auf Aquarellpapier. 50,8 x 50,8 cm.

Jesús Perea - M338

Auf der Suche nach Schönheit durch Geometrie untersucht Perea die rationale Struktur(en), die der unvorhersehbaren und gefühlsbetonten Natur der Intelligenz zugrunde liegen. Gedruckt auf Hahnemühle Photo Rag, verkörpert M338 Pereas einzigartigste Ausprägung grafischer Abstraktion. Er schwankt zwischen Illustration und Expressionismus und verbindet die Welt der Vernunft mit der Welt der Gefühle in einer ausdrucksstarken und überzeugenden digitalen Schöpfung. Zwischen dem Geometrischen und Biomorphen entsteht eine mathematische Schönheit der Natur, die die Geheimnisse sowohl der Struktur als auch des Ausdrucks offenbart. Die Lebendigkeit seiner digital geschaffenen Werke erweckt den Eindruck ständiger Bewegung – selbst wenn sie vollendet sind, scheinen sie voller Potenzial lebendig zu sein. Er sucht bewusst nach Bildern, die zwischen Vergangenheit und Zukunft schweben; zwischen der architektonischen und der natürlichen Welt. 2018, nach drei Jahren, in denen er ausschließlich den Computer als Werkzeug für Komposition und Schöpfung nutzte, verspürte er das Bedürfnis, wieder den Rhythmus und die Entwicklung der Verbindung manueller und digitaler kreativer Prozesse zu erleben, und M338 steht beispielhaft für seine Rückkehr zur Vermischung beider Bereiche in seinem unermüdlichen Streben nach Schönheit und reiner Emotion. Perea ist ein multidisziplinärer abstrakter Künstler, der in Madrid, Spanien, lebt und arbeitet. Zusammen mit Richard Caldicott, Luuk de Haan und Pieter Bijwaard ist Perea Mitglied des zeitgenössischen abstrakten Kunstkollektivs Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Digitale Schöpfung, gedruckt auf Hahnemühle Photo Rag 308 g. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bleed # 202001

Dieses neueste Werk von Snell offenbart rhythmische, harmonische Bildstrukturen, die den Betrachter in die tiefsten Tiefen reinen Denkens versetzen. Er schafft visuelle Anregungen, die Reflexion in einen authentisch meditativen Zustand übersetzen. Bleed # 202001 zeigt die Dynamik von Snells Farbbeziehungen, die aus einer Kombination architektonischer Aspekte seiner Kompositionen und seiner lebendigen, leuchtenden Flächen entstehen. Das Fehlen von Meta-Semantik und Darstellung zieht den Betrachter mitten in die ursprüngliche und klangliche ästhetische Materie. In dieser urtümlichen Erfahrung taucht der Betrachter in Farbe, Rhythmus und Raum ein, die sich für seine/ihre interpretative Reflexion öffnen und so den Weg zur reinen Transzendenz freimachen. Er hält ein Objekt oder einen Ort mit einer traditionellen Kamera fest, dekodiert die visuellen Informationen digital, reduziert und vereinfacht die Farben und Formen, bis sich diese reduzierten Elemente in ihre selbstbezüglichen Beziehungen entfalten. Dieser Entfaltungsprozess bildet die Mehrdeutigkeit und Übergangszustände ab, die dem Medium innewohnen. Snell verbindet traditionelle und digitale Techniken, um die Möglichkeiten von Abstraktion und Minimalismus in der zeitgenössischen Fotomedienkunst zu erforschen. Er lebt und arbeitet in Launceston, Tasmanien.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Chromogener Druck, hinter 3 mm mattem Plexiglas kaschiert. 180 x 115 cm.

Titelbild: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, Installationsansicht.
Von Jovana Vuković