Durchstöbern der Kunstwerke des digitalen abstrakten Kunstbereichs

Die rasante Entwicklung der digitalen Technologie hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf alle Aspekte unseres Daseins, und die Kunst konnte kaum von ihrem disruptiven Einfluss verschont bleiben. Die Kunst von heute entsteht durch den Klick der Maus - oder neuerdings durch die Berührung des Bildschirms - während Software und Apps, die es Künstlern ermöglichen, im digitalen Bereich zu schaffen, in explosivem Tempo zunehmen. Durch ihre nicht-repräsentative und nicht-mimetische Natur hat die abstrakte Kunst die meisten Vorteile aus dieser unvergleichlichen technologischen Transformation gezogen. Digitale abstrakte Kunst floriert, da neue Softwarefunktionen eine Vielzahl von fesselnden ästhetischen Möglichkeiten bieten - nur einen Klick entfernt. Die Software ist unbestreitbar der zentrale Ort der digitalen abstrakten Kunst und hat die Horizonte der Kreativität unübertroffen erweitert. Während viele Künstler das Digitale mit traditioneller Malerei, Skulptur oder Fotografie verbinden, greifen sie letztendlich auf Software zurück, um das Wesen ihrer Arbeit zu konstruieren und neue künstlerische Grenzen zu erkunden. Während Photoshop, Adobe Illustrator und Corel Painter von realistischen und figürlichen Illustratoren und Fotografen weit verbreitet genutzt wurden, sind viele ihrer Filter (wie Photoshop Wave) berüchtigt dafür, eine immense Vielfalt an abstrakten Mustern zu erzeugen. Viele glauben jedoch, dass nur generative Algorithmen echte (codebasierte) abstrakte Kunst schaffen könnten, und die wachsende Anzahl von Werkzeugen, Programmen, Frameworks und Sprachen wird eingesetzt, um diesen Glauben zu unterstützen. Bei IdeelArt sind wir die Heimat von Künstlern, die ihre Arbeit als neue Medienkunst beschreiben und die unterschiedlichsten digitalen Technologien nutzen, um sie zu schaffen. In dieser Woche präsentieren wir stolz fünf der faszinierendsten digitalen abstrakten Kunstwerke, die Sie Ihrer Sammlung hinzufügen können.

Luuk de Haan - Straec 26

Teil seiner vektorbasierten Straec-Serie verkörpert Straec 26 die ursprüngliche Bedeutung, die in einem altenglischen Wort stræc festgehalten ist - etwas, das nach dem Dehnen starr ist - da seine Bilder gestreckt, aber starr erscheinen. De Haan experimentierte in seiner vorherigen geometrisch-abstrakten Serie mit der Idee von Vektoren, da Vektoren als mathematische Größe eine Trajektorie zu einem Punkt in einem dreidimensionalen Raum kommunizieren. Sein kreativer Prozess beginnt mit der Auswahl einer Farbpalette und der Verwendung von Bildbearbeitungssoftware, um Rechtecke auf einer Fläche zu erstellen. Diese Rechtecke sind der Ausgangspunkt, von dem aus er in die Generierung zufälliger Dreiecke und anderer geometrischer Formen eintaucht, die das Wesen von Vektoren hervorrufen. Inspiriert von der geometrisch-abstrakten Arbeit von Malevich und Mondrian offenbart de Haan treffend seine minimalistische Ästhetik und eine Komposition, die durch selbstbewusste, geometrische Formen, klare Linien und glatte Oberflächen definiert ist, die lebhaft mit seinem visuellen Vokabular resonieren. De Haan wird weithin für seinen einzigartigen Ausdruck bei der Schaffung geometrischer Kompositionen gefeiert, indem er Bildbearbeitungssoftware verwendet, die er direkt vom Bildschirm fotografiert. Er verändert die physischen Bedingungen, unter denen das Foto aufgenommen wird, und betont die Unsicherheit und das unberechenbare Element der Überraschung, das durch die Interaktion mit dem digitalen Bild offenbart wird. Die neu entstandenen Bilder fesseln die natürliche und organische visuelle Eloquenz sowie eine rigorose grafische Erkundung von Form, Farbe, Geometrie und Linie. De Haan wurde in Vlaardingen, Südholland, Niederlande, geboren. Er ist visueller Künstler und Sounddesigner. Seine visuelle Kunst basiert auf den Medien Fotografie, Zeichnung und digitalen Werkzeugen, um organische, geometrisch-abstrakte Kompositionen zu schaffen.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Neue Medienkunst. 100 x 72,5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Teil von Kane’s neuester Emanations-Serie, EM-78 Vajra 3, erforscht Licht als den wesentlichsten Aspekt der Fotografie. Visuell hinterfragt er die mehrdeutige Dualität der Bedeutung des Sanskrit-Wortes vajra - eine mythische Waffe, die von dem Gott Indra geführt wird und sowohl die Eigenschaften eines Diamanten (Unzerstörbarkeit) als auch eines Blitzes (unwiderstehliche Kraft) symbolisiert - Kane scannt das Bild des vajra, verwischt es bis zu seinen begrenztesten Möglichkeiten und dehnt es dann aus, bis nur noch ein destilliertes Bild von Farbe und Form übrig bleibt. Er nutzt akribisch Computer-Software, um das spirituelle Potenzial des Lichts als das definierende Element der Fotografie auszudrücken. Für ihn ist dies ein Ausgangspunkt für größere Wahrnehmungserfahrungen, und seine Absicht mit der Emanation-Serie war es, ein einzigartiges spirituelles Phänomen in etwas Weltliches, Zeitgenössisches und Universelles zu übersetzen. Kane ist ein amerikanischer Multimedia-Künstler, dessen Werk die Grenzen von Fotografie, Malerei und Druckgrafik überschreitet, um die Idee zu untersuchen, was ein Bild ist und sein kann. Er lebt und arbeitet in Kalifornien, in der Nähe von San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigment auf Leinwand. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Ein weiteres Kunstwerk von Kane, das Teil seiner neuesten Emanationen-Serie ist, EM2020-59, erforscht weiter die Qualitäten des Lichts als ein ätherisches Element, das die materiellen Eigenschaften der Fotografie in das metaphysische/spirituelle Reich überträgt. Ein gescanntes Bild eines buddhistischen Thangka - ein Gemälde, das eine buddhistische Gottheit darstellt - wird erneut unscharf und gestreckt, was nur ein destilliertes Bild von Farbe und Form ergibt. Kane druckt diese reduzierten Bilder auf Aquarellpapier als elementare Darstellungen der Lichtkörper der Buddhas, die einen Segen auf diejenigen verleihen, die sie betrachten. Er interpretiert diese Segnungen als Momente der Ruhe und Achtsamkeit und um die gleiche Erfahrung von Friedlichkeit und Gelassenheit zu initiieren, die ein Betrachter erlebt, wenn er auf die Kunst von Rothko oder Turrell trifft. Kane war zutiefst inspiriert von der Vorstellung, dass ein unbelebtes Objekt, das durch den Einsatz von Technologie geschaffen wurde, ein solches Gefühl bei einem Betrachter hervorrufen könnte.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigment auf Aquarellpapier. 50,8 x 50,8 cm.

Jesús Perea - M338

In seiner Suche nach Schönheit durch Geometrie untersucht Perea die rationalen Strukturen, die der unvorhersehbaren und affektiven Natur der Intelligenz zugrunde liegen. Gedruckt auf Hahnemühle Photo Rag, verkörpert M338 Perea’s einzigartigste Manifestation grafischer Abstraktion. Er oszilliert zwischen Illustration und Expressionismus und synthetisiert die Welt der Vernunft und die Welt der Emotionen in einer ausdrucksstarken und überzeugenden digitalen Kreation. Zwischen dem Geometrischen und Biomorphen entsteht eine mathematische Schönheit der Natur, die die Geheimnisse sowohl der Struktur als auch des Ausdrucks offenbart. Die Lebendigkeit seiner digital geschaffenen Werke evoziert ein Gefühl ständiger Bewegung – selbst wenn sie vollendet sind, fühlen sie sich an, als wären sie lebendig mit Potenzial. Er ist absichtlich auf der Suche nach Bildern, die zwischen der Vergangenheit und der Zukunft schweben; zwischen den architektonischen und natürlichen Welten. Im Jahr 2018, nach drei Jahren, in denen er ausschließlich einen Computer als Werkzeug für Komposition und Kreation verwendet hat, verspürte er das Bedürfnis, erneut den Rhythmus und die Entwicklung des Mischens manueller und digitaler kreativer Prozesse zu erleben, und M338 exemplifiziert sein Comeback zum Mischen der beiden Bereiche in seiner endlosen Suche nach Schönheit und reiner Emotion. Perea ist ein multidisziplinärer abstrakter Künstler, der in Madrid, Spanien, lebt und arbeitet. Zusammen mit Richard Caldicott, Luuk de Haan und Pieter Bijwaard ist Perea Mitglied des zeitgenössischen abstrakten Kunstkollektivs Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Digitale Kreation, gedruckt auf Hahnemuhle Photo Rag de 308 gr. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bluten # 202001

Diese Neuheit von Snell offenbart rhythmische, harmonische visuelle Strukturen, die den Betrachter in die tiefsten Tiefen reiner Gedanken versetzen. Er schafft visuelle Anregungen, die Reflexion in einen authentisch meditativen Zustand übersetzen. Bleed # 202001 zeigt die Dynamik von Snells Farbbeziehungen, die aus einer Kombination architektonischer Aspekte seiner Kompositionen und seiner lebendigen, leuchtenden Oberflächen entsteht. Die Abwesenheit von Meta-Semantik und Repräsentation zieht den Betrachter mitten in das urtümliche und tonale ästhetische Material. In diesem urtümlichen Erlebnis ist der Betrachter in Farbe, Rhythmus und Raum eingetaucht, die sich für seine/ihre interpretative Reflexion öffnen und somit den Weg zur reinen Transzendenz freimachen. Er fängt ein Objekt oder einen Ort mit einer traditionellen Kamera ein, dekodiert die visuellen Informationen digital, reduziert und vereinfacht die Farben und Formen, bis sich diese reduzierten Elemente in ihre selbstreferenziellen Beziehungen entfalten. Dieser Entfaltungsprozess kartiert die Mehrdeutigkeit und Übergangszustände, die dem Medium innewohnen. Snell kombiniert traditionelle und digitale Techniken, um die Möglichkeiten von Abstraktion und Minimalismus in zeitgenössischen Fotomedien zu erkunden. Er lebt und arbeitet in Launceston, Tasmanien.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Chromogener Druck, auf 3 mm mattem Plexiglas montiert. 180 x 115 cm.

Vorschaubild: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, Installationsansicht.
Von Jovana Vuković