Pat Passlof - Sechs Jahrzehnte wichtiger Kunst

Pat Passlof schenkte mir eines der bedeutendsten Geschenke, die eine Künstlerin einem Kunstbetrachter machen kann, neben dem Geschenk reiner sinnlicher Freude: Sie überzeugte mich, meinen eigenen Geschmack zu hinterfragen. Meine erste Begegnung mit ihrem Werk (ich schäme mich, es zuzugeben) war im Dezember 2019, als fast ein Jahrzehnt nach ihrem Tod am Ende einer sechzigjährigen Karriere die Ausstellung „Pat Passlof: Fifty Years on Paper“ an der New York Studio School eröffnet wurde. Die Werke der Ausstellung verwirrten meinen Geist, als ich sie zum ersten Mal sah. Ich nahm ihre Farbpalette als trüb wahr und ihre Kompositionen als disharmonisch, so sehr, dass ich kaum Zeit mit ihnen verbrachte. Meine Reaktion war so negativ und so stark, dass sie mich in den Kaninchenbau führte, um zu erforschen, wer diese Künstlerin war, was sie sonst noch erreicht hatte und warum ich ihre Werke zuvor nicht gesehen hatte. Ich erfuhr, dass diese Papierarbeiten tatsächlich traumhaft gemeint waren – wenn auch vielleicht nicht albtraumhaft, aber dieses Wort ist relativ. Ich erfuhr auch, dass Passlof über 40 Jahre mit dem Maler Milton Resnick verheiratet war und den Ruf hatte, die Aufmerksamkeit von sich selbst abzulenken und auf ihren Mann zu lenken. (Sie war jedoch in mehr als 50 Ausstellungen vertreten gewesen, sodass die Schuld dafür, dass ich ihre Werke zuvor nicht bemerkt hatte, ganz bei mir liegt.) Schließlich erfuhr ich, dass Passlof sich während der meisten ihrer Karriere auf Abstraktion konzentrierte. Freudig, ausgelassen, selbstbewusst und roh – die unbestreitbare Energie ihrer abstrakten Gemälde inspirierte mich, die zunächst gesehenen quasi-figurativen Papierarbeiten noch einmal anzuschauen. Dieser zweite Blick offenbarte Welten voller Nuancen und Meisterschaft, die ich zuvor übersehen hatte. Je länger ich die Farbe betrachtete, desto mehr verwandelte sich die gedämpfte Palette und zeigte leuchtende Schichten der Untermalung sowie sich ausdehnende innere Welten der Tiefe. Sobald ich den Werken die Zeit gab, die sie verdienten, offenbarten sich die Kompositionen nicht nur als harmonisch, sondern fast klassisch. Wie die meisten Menschen kehre ich fast nie zurück, um Gemälde erneut anzusehen, die ich zunächst abgelehnt habe. Passlof erinnerte mich daran, wie töricht das ist, und daran, nicht der vermeintlichen Autorität meines eigenen Geschmacks zu verfallen.

Flucht aus der New York School

Passlof begann ihre Malerkarriere als Studentin am berühmten Black Mountain College, wo sie von so bedeutenden Persönlichkeiten wie Josef Albers und Willem de Kooning lernte. Viele ihrer frühen Gemälde, wie „Escalator“ (1948), zeigen den unverkennbaren Einfluss de Koonings – mit ihren stark bearbeiteten und abgeschabten Oberflächen, emotionalen gestischen Markierungen und halb-figurativen Formen. Es war de Kooning, der Passlof ihrem späteren Ehemann Resnick vorstellte. Die beiden zogen in den 1950er Jahren zusammen, gerade als Passlof das Selbstvertrauen gewann, sich vom Einfluss ihrer Lehrer zu lösen. Jünger und weniger dogmatisch als die erste Generation der Abstrakten Expressionisten sah sie keinen Wert darin, einem einzigen Stil oder Verfahren treu zu bleiben. Mitte der 1950er Jahre begann sie, eine offene, rohe Bildsprache zu entwickeln, die von der charakteristischen Präsenz unzähliger enger, pastoser Pinselstriche geprägt war.

Pat Passlof - Rotes Auge, 1959. Öl auf Leinen. 107 x 89 cm. Die Milton Resnick und Pat Passlof Stiftung.

Neben dem Erwachen für die zunehmende Last ihres ästhetischen Einflusses begann Passlof auch die Macht der älteren Generation von New Yorker Künstlern und ihrer Förderer, wie Clement Greenberg, zu erkennen, die Händler und Kuratoren bei Ausstellungsmöglichkeiten beeinflussten. Mitte der 1950er Jahre begann sie daher auch, sich als Kunstaktivistin zu behaupten. Zusammen mit Künstlern wie Jim Dine, Louise Bourgeois und Romare Bearden half Passlof, die sogenannten 10th Street Galleries zu gründen: eine Sammlung von von Künstlern geführten Ausstellungsräumen, die das traditionelle New Yorker Galeriesystem rund um die 8th Street ablehnten. Diese Machtinhaber – besonders Greenberg – beklagten diese kollektiven Galerien und beleidigten die Arbeiten: doch die Werke waren nicht schlecht; sie signalisierten nur das Ende ihrer Kontrolle darüber, welche Künstler die Szene bestimmen konnten.

Pat Passlof - Himmelweide, 1961. Öl auf Leinen. 173 x 366 cm. Die Milton Resnick und Pat Passlof Stiftung.

Muster und Raster

1972, 24 Jahre nachdem sie eine staunende Studentin am Black Mountain College war, begann Passlof ihre 38-jährige Tätigkeit als Kunstprofessorin an der City University of New York (CUNY) Staten Island. Sie schätzte ihre Schüler sehr und war ein tiefgreifender Einfluss für Generationen von Künstlern. Ihre Briefe an Schüler wurden sogar in einem Buch zusammengestellt mit dem Titel Pat Passlof, Wem der Schuh passt: Briefe an junge Maler. Nur ein Jahr nach Beginn ihrer Lehrtätigkeit positionierte sich Passlof erneut an der Spitze der Ausstellungspolitik, als sie zusammen mit Ce Roser und Sylvia Sleigh eine der ursprünglichen Künstlerinnen der wegweisenden Ausstellung Women Choose Women 1973 war, die Werke von 109 Künstlerinnen zeigte, ausgewählt von einer rein weiblichen Jury. Lucy Lippard und die anderen Organisatorinnen der Ausstellung wurden von jeder großen Institution der Stadt abgelehnt, außer vom New York Cultural Center. Als die Ausstellung eröffnet wurde, rezensierte jede bedeutende Kunstpublikation sie, was einen Aufruhr auslöste, der das öffentliche Bewusstsein für die Tiefe und Vielfalt weiblicher Stimmen in der bildenden Kunst revolutionierte.

Pat Passlof - Melone 2, 2001. Öl auf Leinen. 152 x 122 cm. Die Milton Resnick und Pat Passlof Stiftung.

Im weiteren Verlauf ihrer Karriere trieb Passlof ihre Entwicklung immer weiter voran. In den 1990er Jahren schuf sie eine Reihe lebhafter, abstrakter, gemusterter Gemälde, die nach Autoren benannt sind, wie Frost, Hawthorne, Thoreau und Whitman. Gleichzeitig malte sie eindringliche, figürliche Gouachen wie „Birken und Totenschädel“ (1999) und „Hermes“ (1996). Eines ihrer letzten Gemälde, „Melone 2“ (2011), erscheint mir als ihr Meisterstück. Eine meisterhafte, vielschichtige Mischung aus biomorphen Formen, leuchtenden Farben und ihren charakteristischen engen Pinselstrichen, strahlt es eine solche mühelose und meisterhafte Aura aus, dass es außerhalb der Kunstgeschichte zu existieren scheint. Wie man seine Zeit sieht, wird sich zwangsläufig von der Sichtweise der Zeitgenossen oder der Menschen in der Zukunft unterscheiden. Man kann nur entsprechend dem reagieren, was man selbst als wahr empfindet. Passlof blieb ihrer eigenen Vorstellung treu, wo sie im Kunstfeld stand, und schuf so ein Werk, das außerhalb von Moden existiert. Sie forderte mich heraus, über meine eigenen Vorurteile hinauszublicken. Ich sehe sie jetzt als Offenbarung.

Titelbild: Pat Passlof - Ohne Titel, 1995-96. Öl auf Leinen. 198 x 297 cm. Die Milton Resnick und Pat Passlof Stiftung.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio