Das Beste in der einfachsten Form - Anne Truitt bei Matthew Marks

Eine seltene Ausstellung von Gemälden von Anne Truitt ist derzeit in der Matthew Marks Gallery in New York zu sehen. Truitt (1921 – 2004) ist hauptsächlich für ihre Skulpturen bekannt, oder Strukturen, wie sie oft genannt werden. Dies ist die erste große amerikanische Ausstellung ihrer Gemälde seit den 1970er Jahren – nur zwei der 11 gezeigten Werke wurden zuvor öffentlich ausgestellt. Es ist eine enorme Gelegenheit für zeitgenössische Betrachter, Truitt – ihre Strukturen, ihre Zeichnungen und ihre Gemälde gleichermaßen – neu zu betrachten. Die subtilen handgemalten Linien in diesen zweidimensionalen Arbeiten wecken gegensätzliche Gefühle von Einsamkeit und Hoffnung. Die ungenauen, malerischen Formen, die nur ganz leicht aus dem Gleichgewicht geraten sind, wirken seltsam menschlich: fehlerhaft und doch selbstbewusst, so anders, als hätte sie sie in rein harten geometrischen Formen geschaffen. Die Farbbeziehungen in diesen Gemälden scheinen eine frische Bedeutung zu gewinnen, die mich anregt, zurückzugehen und die Farbbeziehungen ihrer Strukturen erneut zu betrachten. In der Zwischenzeit verleihen die Formen der Oberflächen – einige hoch und vertikal, andere horizontal und lang, wieder andere perfekt quadratisch – den Kompositionen eine reiche Vielfalt an Charakter. Voller Persönlichkeit und Emotion erinnern mich diese Gemälde daran, dass Truitt und ihr Werk zu oft missverstanden wurden. In den 1960er Jahren wurde sie von dem New Yorker Kunstwelt-Jungenclub, verkörpert durch Clement Greenberg und Donald Judd, als proto-Minimalistin bezeichnet. Aber Truitt sah ihre Arbeit nicht so. Sie betrachtete sie als einen Weg zum Expressionismus. Sie sagte: „Ich habe mein ganzes Leben lang gekämpft, um maximalen Sinn in der einfachsten möglichen Form zu erreichen.“ Nachdem sie 1961 Werke von Ad Reinhardt und Barnett Newman im Guggenheim gesehen hatte, hatte sie eine Erleuchtung, dass sie genug Farbe und Raum in ein Kunstwerk packen könnte, um vielleicht endlich die Weite und Tiefe ihrer innersten Gefühle auszudrücken. Nachdem sie diese Offenbarung in physische Form übersetzt hatte, beschrieb sie „die scharfe Freude, zu beobachten, wie das, was im intimsten Selbst verborgen war, sichtbar wird.“

Die Geschichte des Missverständnisses

Die Geschichte, wie Truitt von Kritikern missverstanden wurde, reicht bis zu ihrer ersten Soloausstellung zurück, die im Februar 1963 in der André Emmerich Gallery in New York stattfand. Sie zeigte sechs handbemalte, rechteckige Pappelstrukturen. Jede Struktur wurde von Truitt entworfen und dann von einem Tischler aus rohem Holz gebaut. Truitt trug dann die Farbe auf und schuf abstrakte Muster auf den Formen und sorgte dafür, dass die Pinselstriche sichtbar blieben. Für Truitt sollten die Beziehungen zwischen den Formen, den Farben und den Materialeigenschaften Emotionen hervorrufen und eine Suche nach Bedeutung anstoßen. Doch die Platzierung der Werke in der Ausstellung störte diese Absichten. Die Platzierung wurde offensichtlich nicht von Truitt, sondern von Kenneth Noland, der ebenfalls von der Galerie vertreten wurde, und Clement Greenberg vorgenommen. Sie sollen Truitt angeblich nicht um ihre Meinung bei der Planung der Ausstellung gebeten haben und sogar vorgeschlagen haben, ihren Vornamen aus dem Marketing zu entfernen, damit die Leute ihr Geschlecht nicht erfahren.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Acryl auf Leinwand. 96 x 8 1/2 Zoll. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. Mit freundlicher Genehmigung von Matthew Marks Gallery, New York

In Fotografien wirken die Strukturen imposant und überfüllt, eng zusammengepfercht in einem Raum mit niedriger Decke, in einigen Fällen an eine Wand gedrängt. Sie wirken eher wie Teile eines Mäuselabyrinths als wie einzigartige Kunstwerke. Weniger Werke einzubeziehen oder die Werke in einem größeren Raum zu verteilen, hätte es jeder Struktur ermöglicht, ihre Anliegen vollständig auszudrücken. Stattdessen wurden die Werke als bedeutungslose und anonyme Ausbrüche des Minimalismus interpretiert. Genau so wollte es der Jungenclub. Judd hatte seine ersten minimalen Strukturen nur wenige Monate zuvor in einer Gruppenausstellung in derselben Galerie ausgestellt. Und es war in seinem Aufsatz über die Truitt-Ausstellung, dass Clement Greenberg fälschlicherweise behauptete, ihr Werk habe "Minimalismus antizipiert". Wie bei fast allem, was diese Männer taten und sagten, ging es nicht um Truitt, sondern um sie selbst. Sie zwangen Truitt in eine falsche kritische Schublade, damit sie sich als die Schlüsselinterpreten der linearen Entfaltung der Kunstgeschichte positionieren konnten, die von weißen Männern dominiert wurde. Seitdem sind die Zuschauer über Truitt und die Absichten ihres Werkes verwirrt.

Anne Truitt - Druid, 1992. Acryl auf Leinwand. 20 x 120 Zoll. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. Mit freundlicher Genehmigung von Matthew Marks Gallery, New York

Entdecken Sie das wahre Truitt

Leider sind viele Kunstkritiker heute nicht besser. Diese Ausstellung von Truitt-Gemälden in der Matthew Marks Gallery folgt unmittelbar auf eine weitere große Ausstellung mit dem Titel In The Tower: Anne Truitt, die im April 2018 in der National Gallery of Art in Washington, DC, geschlossen wurde. Diese Ausstellung konzentrierte sich auf eine Auswahl von Truitt-Werken, die kürzlich von dem Museum erworben wurden. Unter den ausgestellten Werken befanden sich die eindringliche gelb-weiße vertikale Struktur „Mary’s Light“ (1962) und das andereweltliche, horizontal, zweifarbige blaue „Parva XII“ (1977). Diese Werke insbesondere summen vor Nuancen und visueller Poesie. Die Farbe ahmt die Stimmen der Formen nach; die Farbbeziehungen verschwören sich sowohl mit als auch gegen die Schwerkraft. Ein aufmerksamer Beobachter könnte leicht zu Tränen gerührt werden von ihrer emotionalen Kraft – sie beginnt im Auge, reist aber schnell zum Geist und zum Herzen.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Acryl auf Leinwand. 48 1/4 x 48 1/8 Zoll. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. Mit freundlicher Genehmigung von Matthew Marks Gallery, New York

Aber wie in den Tagen von Greenberg und Judd, minderte der einflussreichste Schriftsteller, der diese Ausstellung behandelte – Philip Kennicott von der Washington Post, ein Pulitzer-Preisträger – Truitt, anstatt ihrer Arbeit die gebührende Anerkennung zu schenken. Kennicott konzentrierte sich hauptsächlich auf das Privatleben, das Truitt führte. Er machte kleinliche Kommentare über die sozialen Kreise, in denen sie lebte, und die Klatschgeschichten, die um sie herum kursierten. Er erwähnte die Kunst kaum, und wenn er es tat, dann nicht kritisch: nehmen Sie zum Beispiel seine empörende und offensichtlich beleidigende Bemerkung, dass eine Auswahl von Truitt-Skulpturen „mit einer gewissen WASP-ähnlichen Zurückhaltung voneinander abstehen“. Was soll das überhaupt bedeuten? Jedenfalls sagt es mehr über den Schriftsteller aus als über die Kunst. Anne Truitt: Paintings bei Matthew Marks ist eine Gelegenheit, mit dem wichtigen Werk dieser unterbewerteten Künstlerin neu zu beginnen. Es bietet einen Zugang zu den Nuancen und Feinheiten, die all ihre anderen Arbeiten prägten. Wenn Sie die Gelegenheit haben, es zu sehen, befolgen Sie nur diesen Rat: ignorieren Sie die Kritiker und lassen Sie die Arbeit für sich selbst sprechen. Anne Truitt Paintings ist bis zum 27. Oktober 2018 in der Matthew Marks Gallery New York zu sehen.

Vorschaubild: Anne Truitt - Brunt, 1974. Acryl auf Leinwand. 19 x 92 Zoll. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. Mit freundlicher Genehmigung von Matthew Marks Gallery, New York
Von Phillip Barcio