Das Beste in der einfachsten Form - Anne Truitt bei Matthew Marks

Eine seltene Ausstellung von Gemälden der Anne Truitt ist derzeit in der Matthew Marks Galerie in New York zu sehen. Truitt (1921 – 2004) ist vor allem für ihre Skulpturen bekannt, oder Strukturen, wie sie meist genannt werden. Dies ist die erste große amerikanische Ausstellung ihrer Gemälde seit den 1970er Jahren – nur zwei der 11 ausgestellten Werke wurden zuvor öffentlich gezeigt. Es ist eine großartige Gelegenheit für zeitgenössische Betrachter, Truitt neu zu betrachten – ihre Strukturen, ihre Zeichnungen und ihre Gemälde gleichermaßen. Die feinen, handgemalten Linien in diesen zweidimensionalen Werken rufen gegensätzliche Gefühle von Einsamkeit und Hoffnung hervor. Die ungenauen, malerischen Formen, die nur ganz leicht aus dem Gleichgewicht geraten sind, wirken seltsam menschlich: fehlerhaft, aber selbstbewusst, ganz anders, als wenn sie reine, scharfkantige geometrische Formen geschaffen hätte. Die Farbzusammenhänge in diesen Gemälden scheinen eine neue Bedeutung zu gewinnen und verleiten mich dazu, die Farbzusammenhänge ihrer Strukturen erneut zu betrachten. Gleichzeitig verleihen die Formen der Flächen – einige hoch und vertikal, andere horizontal und lang, wieder andere perfekt quadratisch – den Kompositionen eine reiche Vielfalt an Charakter. Voller Persönlichkeit und Gefühl erinnern mich diese Gemälde daran, dass Truitt und ihr Werk viel zu oft missverstanden wurden. In den 1960er Jahren wurde sie von der New Yorker Kunstszene, verkörpert durch Clement Greenberg und Donald Judd, als Proto-Minimalistin bezeichnet. Doch Truitt sah ihre Arbeit nicht so. Sie betrachtete sie als Weg zum Expressionismus. Sie sagte: „Ich habe mein ganzes Leben lang darum gerungen, maximale Bedeutung in der einfachstmöglichen Form zu erreichen.“ Nachdem sie 1961 Werke von Ad Reinhardt und Barnett Newman im Guggenheim gesehen hatte, hatte sie eine Eingebung, dass sie genug Farbe und Raum in ein Kunstwerk packen könnte, um vielleicht endlich die Weite und Tiefe ihrer innersten Gefühle auszudrücken. Nachdem sie diese Erkenntnis in eine physische Form übersetzt hatte, beschrieb sie „die scharfe Freude, zu beobachten, wie das, was im eigenen intimsten Selbst verborgen war, sichtbar wird.“

Die Geschichte des Missverstehens

Die Geschichte, wie Truitt von Kritikern missverstanden wurde, reicht bis zu ihrer ersten Einzelausstellung zurück, die im Februar 1963 in der André Emmerich Galerie in New York stattfand. Sie zeigte sechs handbemalte, rechteckige Pappelstrukturen. Jede Struktur wurde von Truitt entworfen und dann von einem Schreiner aus rohem Holz gebaut. Truitt trug anschließend die Farbe auf und schuf abstrakte Muster auf den Formen, wobei sie darauf achtete, sichtbare Pinselstriche zu hinterlassen. Für Truitt sollten die Beziehungen zwischen den Formen, den Farben und den Materialeigenschaften Emotionen hervorrufen und eine Suche nach Bedeutung anregen. Doch die Platzierung der Werke in der Ausstellung störte diese Absichten. Die Anordnung wurde offensichtlich nicht von Truitt vorgenommen, sondern von Kenneth Noland, der ebenfalls von der Galerie vertreten wurde, und Clement Greenberg. Angeblich baten sie Truitt nicht um ihre Meinung bei der Planung der Ausstellung und schlugen sogar vor, sie solle ihren Vornamen aus dem Marketing entfernen, damit die Leute ihr Geschlecht nicht erkennen würden.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Acryl auf Leinwand. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. Mit freundlicher Genehmigung der Matthew Marks Galerie, New York

Auf Fotografien wirken die Strukturen imposant und gedrängt, dicht zusammen in einem Raum mit niedriger Decke, teilweise an einer Wand platziert. Sie wirken eher wie Teile eines Mäuselabyrinths als einzigartige Kunstwerke. Weniger Werke oder eine größere Ausstellungsfläche hätten jeder Struktur erlaubt, ihre Anliegen voll auszudrücken. Stattdessen wurden die Werke als bedeutungslose und anonyme Ausbrüche des Minimalismus interpretiert. Genau so wollte es der Jungenclub. Judd hatte nur wenige Monate zuvor seine ersten minimalistischen Strukturen in einer Gruppenausstellung in derselben Galerie gezeigt. Und es war in seinem Aufsatz über die Truitt-Ausstellung, dass Clement Greenberg erstmals fälschlicherweise behauptete, ihre Arbeit habe den Minimalismus „vorweggenommen“. Wie bei fast allem, was diese Männer taten und sagten, ging es nicht um Truitt, sondern um sie selbst. Sie zwangen Truitt in eine falsche kritische Schublade, um sich selbst als die wichtigsten Deuter der linearen Entwicklung der Kunstgeschichte zu positionieren, die von weißen Männern dominiert wird. Seitdem sind Betrachter über Truitt und die Absichten ihrer Arbeit verwirrt.

Anne Truitt - Druid, 1992. Acryl auf Leinwand. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. Mit freundlicher Genehmigung der Matthew Marks Galerie, New York

Entdecken Sie die wahre Truitt

Leider sind viele Kunstkritiker auch heute nicht besser. Diese Ausstellung von Truitt-Gemälden in der Matthew Marks Galerie folgt unmittelbar auf eine weitere große Ausstellung mit dem Titel In The Tower: Anne Truitt, die im April 2018 in der National Gallery of Art in Washington, DC, endete. Diese Ausstellung konzentrierte sich auf eine Auswahl von Truitt-Werken, die kürzlich vom Museum erworben wurden. Zu den ausgestellten Stücken gehörten die eindringliche gelb-weiße vertikale Struktur „Mary’s Light“ (1962) und das andereweltliche, horizontal verlaufende, zweifarbige Blau „Parva XII“ (1977). Diese Werke schwingen besonders mit Nuancen und visueller Poesie. Die Farbe ahmt die Stimmen der Formen nach; die Farbzusammenhänge verschwören sich sowohl mit als auch gegen die Schwerkraft. Ein aufmerksamer Betrachter könnte leicht von ihrer emotionalen Kraft zu Tränen gerührt werden – es beginnt im Auge, erreicht schnell den Verstand und das Herz.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Acryl auf Leinwand. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. Mit freundlicher Genehmigung der Matthew Marks Galerie, New York

Doch wie zu Zeiten von Greenberg und Judd schmälerte der einflussreichste Autor, der diese Ausstellung behandelte – Philip Kennicott von der Washington Post, Pulitzer-Preisträger – Truitt eher, anstatt ihrer Arbeit gerecht zu werden. Kennicott konzentrierte sich hauptsächlich auf das Privatleben, das Truitt führte. Er machte kleinliche Bemerkungen über die sozialen Kreise, in denen sie sich bewegte, und den Klatsch, der sich darum rankte. Die Kunst erwähnte er kaum, und wenn, dann nicht kritisch: Nehmen Sie zum Beispiel seine empörende und offensichtlich beleidigende Bemerkung, eine Auswahl von Truitts Skulpturen „stehe mit einer gewissen WASP-artigen Zurückhaltung nebeneinander.“ Was soll das überhaupt bedeuten? Unabhängig davon sagt es mehr über den Autor als über die Kunst aus. Anne Truitt: Gemälde in der Matthew Marks Galerie ist eine Chance, mit dem wichtigen Werk dieser unterschätzten Künstlerin neu zu beginnen. Es bietet einen Zugang zu den Nuancen und Feinheiten, die all ihre anderen Arbeiten prägten. Wenn Sie die Gelegenheit haben, es zu sehen, nehmen Sie nur diesen Rat an: Ignorieren Sie die Kritiker und lassen Sie die Werke für sich selbst sprechen. Anne Truitt Gemälde sind bis zum 27. Oktober 2018 in der Matthew Marks Galerie New York zu sehen.

Titelbild: Anne Truitt - Brunt, 1974. Acryl auf Leinwand. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. Mit freundlicher Genehmigung der Matthew Marks Galerie, New York
Von Phillip Barcio