18 zeitgenössische abstrakte Künstler sprechen über ihre Herkunft

Es ist gefährlich und unmöglich, Kunst zu lehren. Und doch ist es auch unerlässlich. Damit Kunst existieren kann, müssen Künstler lernen, zu dem zu werden, was immer sie werden wollen, und das zu schaffen, was immer sie schaffen wollen. Manche lernen es an einer Schule, von anderen fehlbaren Menschen wie ihnen selbst, die aus welchem Grund auch immer die gefährliche, unmögliche, unerlässliche Aufgabe übernommen haben, mit anderen zu teilen, was immer sie gelernt haben. Andere Künstler finden Lehrer außerhalb des Klassenzimmers. Sie lernen vielleicht, was es bedeutet, Künstler zu sein, indem sie bei Eröffnungen oder in Bars mit anderen Künstlern abhängen. Sie lernen vielleicht, was es bedeutet, Kunst zu schaffen, indem sie sich Videos im Internet ansehen oder die Kunst dekonstruieren, die sie in Museen oder Büchern sehen. Manche Künstler bringen sich selbst bei, wer sie sind, indem sie der Inspiration folgen, die sie aus Architektur und Design erhalten, indem sie einfach auf die Gedanken und Gefühle reagieren, die sie im Umgang mit der alltäglich gebauten Umwelt und ihren unzähligen Produkten und Räumen erleben. Wieder andere lernen vielleicht, Künstler zu sein, indem sie ihrem inneren Drang zu schaffen einfach nachgeben - und ihn anschließend nähren. Der Prozess des Schaffens kann uns lehren, wie man schafft. Der Prozess des Seins kann uns lehren, was wir sein wollen. Am Ende wird jeder, der den Lernprozess bis zu dem Moment durchläuft, in dem er den Satz „Ich bin Künstler“ sagen kann, ohne das Gefühl zu haben, es sei eine Lüge, eine Geschichte über seine Lehrer zu erzählen haben. Heute präsentieren wir Ihnen eine Sammlung solcher Geschichten von Künstlern, die mutig genug sind, ihre Lernwege zu teilen. Sie sind mutig, weil sie sich durch das Bekanntmachen ihres ästhetischen oder konzeptuellen Erbes einer schrecklichen Bedrohung aussetzen. Sie, die Leserinnen und Leser, könnten erkennen, dass ein Künstler Schüler eines anderen Künstlers war oder von dieser oder jener Sache inspiriert wurde, und das mit einer Abkürzung verwechseln. Sie könnten sagen: „Aha! Jetzt sehe ich, wen sie kopieren“, oder: „Jetzt verstehe ich ihre Kunst!“ Lassen Sie stattdessen beim Lesen dieser Anekdoten darüber, wie diese 18 Künstler zu dem wurden, was sie sind, die Informationen Ihre Wahrnehmung erweitern. Folgen Sie jedem Faden und gehen Sie tiefer. Vielleicht erhaschen Sie einen Blick auf die gefährliche, unmögliche, unerlässliche Schönheit dessen, was es wirklich bedeutet, Kunst zu lehren und zu lernen.

Anya Spielman

Spielman war Studentin von Wayne Thiebaud an der University of California in Davis. Über ihre anderen Lehrer sagt sie:

„Einen großen Einfluss auf mich hatte, dass ich als Teenager im Prado Hieronymus Bosch' Triptychon „Der Garten der irdischen Freuden“ sah. Die Ikonografie sowie die üppige Farbigkeit und die komplexen Kompositionen seiner Werke überwältigten mich. Ich reagierte sofort auf die Dualität in Boschs Werk: seine strenge und leuchtende Palette aus Tintenschwarz, Umbra, blassem Rosa, Knochenweiß, Zinnoberrot und Azurit; die Kurven seiner durchscheinenden Lustkapseln im Eden, die dem stechenden psychologischen und körperlichen Abstieg in eine halluzinatorische Hölle gegenübergestellt sind. Boschs visionäres Genie gab die menschliche Natur in all ihren Formen mit einer unmittelbaren Intimität und Kraft wieder, die ich selbst heute noch unglaublich selten finde.“

Anya Spielman - Ultraviolett, 2015. Öl auf Holztafel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studierte während ihres Aufbaustudiums am Queens College der City University of New York bei Louis Finkelstein. An derselben Hochschule studierte sie bei Benny Andrews, der in den 1950er-Jahren am School of the Art Institute of Chicago als Abstrakter Expressionist ausgebildet wurde; bei Clinton Hill, der Atelierassistent von Mark Rothko war; beim Kunstkritiker und stellvertretenden Artforum-Redakteur Robert Pincus-Witten, der ihrer Aussage nach „ihren kritischen Blick schärfte“; und bei Charles Cajori, der Schüler von Hans Hofmann war. Sirlin sagt:

"[Lineage] ist in der Tat eine komplizierte Frage. Auch die Verbindungen zu Künstlern verlaufen nicht geradlinig. Anne Truitt war für mich wichtig, als ich in Yaddo eine junge Künstlerin war. Melissa Meyer war in jenem Sommer ebenfalls dort [1983]. Erin Lawlor war meine Atelierkollegin im Rothko Centre in Lettland. Jose Heerkens war zur selben Zeit mit uns im Rothko Centre [2016]. Kara Walker war Studentin, als ich am Atlanta College of Art unterrichtete, und Kara und ich stellten 1992 auf derselben Atlanta Biennial aus. Dann sind da noch die anderen Künstler - Schriftsteller und Dramatiker. Hayden Herrera [Biografin von Frida Kahlo und Arshile Gorky] war meine Mentorin als Kunstautorin. Chris Kraus [I Love Dick] und ich waren gemeinsam in Yaddo ... Ich war eng mit dem Dramatiker Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous] befreundet. Er war Drehbuchautor für Warhol ... Ich hoffe, ich habe Sie mit dieser zusätzlichen Antwort nicht verwirrt."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Mischtechnik auf Leinwand. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

„Als ich mit dem Malen begann, wurde ich am stärksten von Picasso beeinflusst. Besonders angesprochen haben mich sein Umgang mit Farbe und seine Art, Markierungen zu setzen, insbesondere in „Girl Before A Mirror“ (1932). Später, als ich zunehmend auf abstrakt-expressionistische Weise malte, fühlte ich mich stärker zu Joan Mitchell und Willem De Kooning hingezogen. Allerdings begann ich erst, ihre Arbeiten genauer zu betrachten, nachdem ich bereits auf diese Weise malte, nicht vorher.“

Brenda Zappitell - At the moment, 2017. Flashe und Acryl mit Kaltwachs auf Holztafel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

In einem Interview für Minus Space NY aus dem Jahr 2006 fragte der Maler Chris Ashley Göttin, wo er als Künstler beginnt. Göttin antwortete:

„Die Kunstgeschichte tut manchmal so, als sei eine bestimmte Kunstrichtung ein geschlossenes Ganzes. Die Verwendung des Begriffs „konkret“ stimmt nicht unbedingt mit dem ideologischen Hintergrund der Konkreten Kunst überein, der auch auf Vorstellungen über Gesellschaft und Politik beruhte. Mich beschäftigt ein Ganzes, das auch Widersprüche enthalten kann – ein Ja und ein Nein und sogar ein Vielleicht. Ausgangspunkt ist für mich die Synthese verschiedener Sichtweisen oder Positionen zur selben Zeit, was für mich eine räumliche Sichtweise darstellt. Sie kann offensichtlich oder subtil, symmetrisch oder asymmetrisch oder beides zugleich sein, mit oder ohne Widerspruch. Sie kann Regel und Abweichung zugleich sein. Einige der früheren Arbeiten, die ich angefertigt habe, waren Collagen im Zusammenhang mit Kurt Schwitters’ Arbeiten (Merz): beliebiges gefundenes Material, grob auf ein Stück Karton geklebt – physisch, direkt, improvisiert, zufällig, farbenfroh, sogar dadaistisch. Später interessierte ich mich für Minimal Art, bei der das Kunstwerk oft präzise geplant sowie vollkommen und klar konstruiert ist, mit einer festgelegten Verwendung von Materialien und Augenmerk auf Details. Beide Bewegungen sind mir wichtig, und manchmal sehe ich in meiner Arbeit Elemente aus beiden, die zwischen diesen beiden kunsthistorischen Positionen vermitteln.“

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Acryl auf Pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

„Es ist ziemlich schwierig, die eigenen Einflüsse zu verstehen, zumindest für mich, da ich weitgehend aus meiner Intuition heraus und nicht so sehr aus dem Bewusstsein arbeite. Ich glaube schon, dass meine prägenden Jahre als Kunststudent an der UCLA (BA 74, MFA 77) einen großen Teil dessen geprägt haben, wer ich bin. Damals war die UCLA eine stark von der Malerei geprägte Hochschule mit einer europäischen bzw. modernistischen Ausrichtung. Für meinen ersten Malkurs wurde ich für den Einführungskurs bei Richard Diebenkorn angemeldet (ich hatte keine Ahnung, wer er war), aber er und die Fakultätsleitung hatten einige Konflikte, und seine Stelle wurde beendet, bevor der Kurs begann. Also studierte ich bei Richard Joseph, einem Vertreter des neuen Realismus, der mir eine solide Grundlage vermittelte. Erst sechs Monate später, als ich in einem fortgeschritteneren Malkurs bei Charles Garabedian arbeitete, begann ich, mit Abstraktion zu experimentieren. Im Laufe der Jahre hatte wahrscheinlich William Brice den größten Einfluss auf mich. Bill war ein äußerst redegewandter, würdevoller, großzügiger, nachdenklicher und humorvoller Lehrer und Freund. Als hart arbeitender, produktiver Künstler sprach er oft über die Notwendigkeit, Zeit im Atelier zu verbringen, um die Dinge auszuarbeiten, und dass alles andere weniger wichtig sei. Ich denke oft an ihn und empfinde es als großes Glück, ihn lange gekannt zu haben. Es dauerte tatsächlich einige Jahre, bis ich mich von der Vorstellung löste, Student zu sein, und von den Stimmen meiner alten Professoren in meinem Kopf, wann immer ich malte. Mit der Zeit entwickelte ich jedoch ein klares Gefühl dafür, wer ich bin und welche Verantwortung ich trage, Werke zu schaffen, die meiner Vision entsprechen. Oft sehe ich Aspekte anderer Künstler in meiner Arbeit; manchmal habe ich das Gefühl, dass tatsächlich eine Verbindung über dieselben Ideen besteht, und manchmal scheint jede Ähnlichkeit einfach nur oberflächlich zu sein. Letztendlich sollen die Kunstautoren über die Einflüsse sprechen.“

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tusche auf Papier. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) war vor 25 Jahren mein Lehrer für Druckgrafik. Wir lernten uns kennen, als ich im Fine Arts Work Center in Provincetown wohnte und Michael dort einen einwöchigen Workshop über Druckgrafik anbot. Vieles an unserer ersten Begegnung ist mir im Gedächtnis geblieben: Michael war ein unglaublich empathischer und sozial bewusster Mensch, nicht nur in seinen gewählten Themen (Zeichnungen und Drucke von leidenden Patienten in einer psychiatrischen Klinik und Tieren hinter Gittern in einem Zoo), sondern auch in unseren persönlichen Gesprächen über das Leben. Durch sein Beispiel lehrte er mich, großzügig zu sein, als Ausgleich zur Selbstbezogenheit des Ateliers. Es gab nichts an seiner Technik oder an der Verfolgung einer Künstlerkarriere, das Michael nicht mit mir geteilt hätte. Michael verbrachte Ende der 80er-Jahre einige Zeit in China, und durch seine Liebe zur asiatischen Landschaft lernte ich, meine Gesten zu vereinfachen und mit einer ökonomischen Ausdrucksweise zu malen - etwas, das mir sehr am Herzen liegt. Ich werde seinen Humor nie vergessen, wenn er zu mir sagte: „Tracey, das ist ungepatchke!“, ein jiddisches Wort für überladen und übermäßig verziert."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, Graphit und Tusche auf Rives-Papier. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee nennt als ihre erste Inspiration ein Aquarell von Paul Cezanne, das sie mit 11 Jahren sah und das „einen unauslöschlichen Eindruck“ hinterließ. Anschließend sagt sie:

"Mein Professor Klaus Stümpel stand der Natur so nahe, dass er beinahe den Spitznamen ‚Bauer‘ trug. Er empfahl mir, Frantisek Kupka zu studieren. Ich studierte seinen Prozess der Abstraktion sowie seine kosmische und mystische Perspektive. Vor allem lernte ich mehr als alles andere über seine Lebensliebe und seinen Willen, seine Gedanken zu bewahren. Als ich nach Korea zurückkam, dachte ich wieder über Kandinsky nach. Ich denke, sein Wunsch, eine objektive, universelle Wahrheit in der Kunst zu finden, ist eine unmögliche Herausforderung. Ich glaube, dass Kunst vor allem subjektiv und persönlich ist. Wenn ich meine tiefste innere Seite erforsche, kann ich mit dem Inneren anderer kommunizieren. Ich glaube, dass Kunst ein Medium sein kann, das den Mikrokosmos (den Menschen) und den Makrokosmos (die Welt) verbindet. Besonders die Farbe ist Gegenstand meiner Forschung. Ich suche nach der Farbe als Adjektiv. Ich mag Richters Haltung gegenüber seiner Arbeit, seine Leidenschaft für die Malerei und seinen Geist des Experimentierens. Vielleicht On Kawara? Ich mag seine Arbeit, mit der er beweisen wollte, dass er lebendig ist, und ich möchte mir selbst durch tägliches Arbeiten beweisen, dass ich emotional und sensibel noch am Leben bin. Meine Gedanken über Wassily Kandinsky und viele andere Minimalisten unterscheiden sich stark von der allgemeinen Perspektive. Ich stimme ihrer künstlerischen Sichtweise nicht zu."

Kyong Lee - Bild mit Weiß, 2008. Acryl auf Leinwand, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nennt Künstler als Einflüsse, darunter (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman und Andy Warhol), Designer (Saul Bass und Roy Kuhlman) sowie Architekten (Le Corbusier). Sie spricht jedoch auch über die persönlichen Wege, auf denen die Kultur ihre Kunst beeinflusst hat, wie in der folgenden Anekdote:

„Das Geschäft meines Vaters war Beschriftung. Wie die meisten Stadtkinder in Amerika wuchs ich auf dem Rücksitz eines Autos auf und war mir der Plakatwände und Neonlichter sehr bewusst. Direkt wirkende, Aufmerksamkeit erregende visuelle Reize waren Teil meiner Psyche. Erst kürzlich besuchte ich das MoMA in New York und war erneut beeindruckt von Barnett Newmans Gemälde „Vir Heroicus Sublimis“ (Der Mann, heroisch und erhaben) (1950-51). Meine unmittelbare Reaktion auf seine Kraft, Direktheit und Einfachheit war überwältigend und bestätigte meine eigene visuelle Vergangenheit und Identität.“

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache auf handgeschöpftem Khadi-Papier. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

„Für mich war es Mondrian. Die abstrakten Künstler dieser Zeit arbeiteten konzeptioneller mit Abstraktion, das heißt, ihnen gefiel die Idee davon, während Mondrian durch die Mechanik rückwärts arbeitete und am anderen Ende die Bildfläche neu erfand. Seitdem haben das nicht viele getan. Dann begann ich darüber nachzudenken, dass es mehr Möglichkeiten geben müsse, in diesen seltsamen Raum vorzudringen, den Mondrian so klar beherrschte. [Ellsworth] Kelly und [Robert] Mangold zeigten andere Möglichkeiten, diesen ‚anderen‘ Raum auszudrücken. Die Erfahrungen dieser Künstler gaben mir Raum, die Bemühungen meiner Kollegen wirklich zu würdigen und danach zu streben, über den nächsten Rahmen hinauszukommen.“

Brent Hallard - Wolken, 2013. Acryl auf Papier. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

„Ich habe die Arbeiten von Vija Celmins geliebt und oft über sie nachgedacht. Ihre intensive Beobachtung und ruhige Ausführung inspirieren mich sehr. Louise Bourgeois hat mich mit ihrer Entschlossenheit, sich in dem Medium auszudrücken, das für ihre Ideen am besten geeignet ist, stets inspiriert. Eine offensichtlichere Inspiration wäre Agnes Martin; ich liebe ihre selbstbewusste Zurückhaltung. Und Mark Rothko für die emotionale Wucht, die seine Arbeiten entfalten können.“

Audrey Stone - Nr. 61, 2011. Faden, Tinte und Graphit auf Papier. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville erwähnt die deutschen Bunkeranlagen aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs, die die französische Atlantikküste säumen. Er sagt: „Die meisten Menschen halten sie für hässliche Narben. In meinen Augen war ihre Substanz Teil der Landschaft; die Zeit verschmolz sie mit dem Sand, den Dünen und dem Meer oder mit den Gemälden, die Straßenkünstler auf ihnen anbrachten.“ Darüber hinaus wurde Auville durch diese Erfahrung aus seiner Jugend geprägt:

„Im Alter von sechs oder sieben Jahren hatte ich das Privileg, die Höhle von Lascaux im Südwesten Frankreichs zu besuchen. Das war ein Schock für mich. Meine Eltern kauften einige Faksimiles als Souvenirs, und ich verbrachte stundenlang damit, sie im Keller unseres Hauses anzusehen und mich zu fragen, was den Unterschied zwischen den Bildern und dem echten Kunstwerk ausmachte. Der Unterschied war offensichtlich, aber ich konnte nur schwer erfassen, worin er bestand. Ich schaltete das Licht ein und aus und klebte Sand auf die Bilder, um zu versuchen, die Beschaffenheit der Malereien von Lascaux nachzuahmen, erreichte aber nie das, was ich für ihre Seele hielt.“

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmentierter Zement auf Schaumstoffplatten. Konstruktions- und Aufhängerahmen auf der Rückseite. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan nennt Einflüsse, die von Künstlern (Piet Mondriaan, Kasimir Malewitsch, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) über Albumdesigner (Hipgnosis, Peter Saville) bis hin zu Musikern (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno) reichen. Er sagt:

„In den Jahren vor meiner Pubertät fand die Bildsprache von Piet Mondriaan in den Niederlanden große Beachtung. Ich war zu jung, um in Begriffen der Kunst zu denken, aber Mondriaan war einfach da, und das war faszinierend. Und ist es noch immer! Etwas später lernte ich die Suprematisten kennen, die ebenso wie ich geometrische Formen als Ausgangspunkt nahmen. Da meine Schwestern etwa fünf Jahre älter sind als ich, entdeckte ich in meinen frühen Teenagerjahren über ihre Freunde ‚progressive‘ Musik und die dazugehörige Covergestaltung. Es überrascht nicht, dass ich Coverdesigner werden wollte. Wenn ich einen bildenden Künstler auswählen müsste, der meine Sichtweise verändert hat, wäre es Ellsworth Kelly. Mitte der 1980er-Jahre erwarb das Stedelijk Museum in Amsterdam „Blue Curve VI“ (1982). Ich ging regelmäßig dorthin, um es anzusehen, und studierte die Bildsprache. Aber inzwischen, vielleicht noch wichtiger, lasse ich mich auch von meiner eigenen Reaktion auf Kunst leiten ... Ich begann, über Kunst nachzudenken ... über ihren Zweck, ihre Bedeutung, oh mein Gott.“

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome-HD-Tinte auf Hahnemühle-Papier. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

„Die Lehren von Josef Albers beeinflussen, wie ich darüber nachdenke, Farben in unterschiedliche Kontexte zu setzen. Und James Turrells Skyspaces beeinflussten, wie ich darüber nachdenke, atmosphärische Farben in unterschiedliche Kontexte zu setzen. Im Allgemeinen sind die ästhetischen Grundzüge meiner Serien Paper Skies und Moving Pictures stark von modernen amerikanischen Malern wie Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella usw. beeinflusst.“

Brenda Biondo - Paper Sky Nr. 21 (Large), 2015. Farbsublimationsdruck auf Aluminium (matter/glänzender Finish). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

„Vor mehr als 20 Jahren entdeckte ich die Kapelle von Ronchamp, ein Spätwerk des Architekten Charles Edouard Jeanneret, bekannt als Le Corbusier. Weder davor noch danach habe ich eine solche Wahrnehmung der stimmigen Möglichkeiten zwischen Massivität und Erhabenheit empfunden. Damals begann für mich diese lange Suche, die mich bis heute nährt und darauf abzielt, die angemessenste Beziehung zwischen Fülle und Leere zu finden.“

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum und Kaltnadel auf Kupfer. Druck auf BFK-Rives-Papier 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

„Ich möchte über den Künstler sprechen, der mich über Jahrzehnte hinweg mehr als jeder andere Künstler inspiriert hat: Matisse, ein Künstler, den man ein Leben lang studieren könnte. Seine Arbeit nahm so viele Wege, weil er durch seine Experimente und die Suche nach neuen Möglichkeiten in der Malerei immer wieder Neues erkundete. Sie ist wunderschön, aufbauend und komplex, manchmal lieblich und heiter, manchmal schwierig und herausfordernd - ein Spiegelbild dessen, wie das Leben ist.“

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Aquarell auf Papier. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

Anstatt ihre Einflüsse aufzulisten, nennt Cantrick die Künstler, deren Arbeit sie am meisten interessiert, unabhängig davon, ob eine direkte Verbindung zu ihrer eigenen Arbeit besteht. Ihre kurze Liste für die moderne und zeitgenössische Kunst:

„Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé und Per Kirkeby. Das ist eine vielseitige und nicht vollständige Liste, aber gemeinsam sind ihnen Klarheit, Komplexität und Vitalität - meine eigenen zentralen Anliegen -, die durch kräftige Farben und Strukturen, klar abgegrenzte Formen und einen flachen Bildraum zum Ausdruck kommen. Bei den vormodernen Künstlern stehen Vermeer, Degas und Manet ganz oben auf meiner Liste, wiederum wegen dieses Dreiklangs aus Klarheit, Komplexität und Vitalität. Außerdem: Die Straffheit in Vermeers fester Darstellung vermittelt eine unglaublich greifbare Stille - die Aufhebung der Zeit. Degas’ besondere Art, seinen Raum mit ‚stillen‘, unbelebten Flächen und/oder einem starken vertikalen Element zu akzentuieren, lädt zu einer anhaltenden, rhythmischen Betrachtung ein. Und Manet besitzt eine Unmittelbarkeit und Frische, die abgesehen von all der sonstigen Meisterschaft auf ihrem Höhepunkt fesselnd ist.“

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acryl auf Leinen. 100 x 100 cm

Anne Russinof

„In meinem Fall wurde ich nicht von einem einzelnen Künstler per se beeinflusst, sondern vielmehr von der Künstlergemeinschaft, in der ich in Chicago aufgewachsen bin. In meiner Nachbarschaft, der Gegend Lincoln Park oder Old Town, lebten überall Künstler, und als ich als Jugendliche ein Interesse am Zeichnen zeigte, wurde ich ermutigt, zum Figurenzeichnen an die Schule zu gehen, die dem wunderbaren Art Institute of Chicago angegliedert war. Dort konnte ich auf dem Weg zur Schule direkt durch das Museum mit seiner berühmten impressionistischen Sammlung gehen. Ich denke, das hat im Wesentlichen mein Interesse an Linie, Gestik und Farbe geprägt.“

Anne Russinof - Look See, 2014. Öl auf Leinwand. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

„Meine künstlerische Tradition findet sich bei Künstlern, die einen ‚reduktiven‘ Ansatz bei der Gestaltung von Bildern und Objekten mit einer Aufmerksamkeit für Oberfläche und subtile Details verbinden. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros und Sol Lewitt kommen mir in den Sinn. Außerdem inspiriert mich das skulpturale Werk von Richard Serra, Carl Andre und Fred Sandback mit ihrem besonderen Umgang mit dreidimensionalem Raum weiterhin in meiner Herangehensweise an die Malerei.“

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acryl auf Leinwand. 122 x 96,9 cm

Quellen

• Das Triptychon „Der Garten der irdischen Freuden“, Museo Nacional del Prado: Unterstützt die Beschreibung der Paradies-, irdische-Freuden- und Höllentafeln des Triptychons.