18 zeitgenössische abstrakte Künstler sprechen über ihre Herkunft

Es ist gefährlich und unmöglich, Kunst zu lehren. Doch es ist auch unerlässlich. Damit Kunst existieren kann, müssen Künstler lernen, zu werden, was immer sie werden sollen, und zu schaffen, was immer sie schaffen sollen. Einige werden in der Schule lernen, von anderen fehlerhaften Menschen wie sie selbst, die aus welchem Grund auch immer die gefährliche, unmögliche, unerlässliche Aufgabe übernommen haben, anderen zu vermitteln, was immer sie gelernt haben. Andere Künstler finden Lehrer außerhalb des Klassenzimmers. Sie könnten lernen, was es bedeutet, Künstler zu sein, indem sie mit anderen Künstlern bei Vernissagen oder in Bars abhängen. Sie könnten lernen, was es bedeutet, Kunst zu machen, indem sie Videos online ansehen oder die Kunst, die sie in Museen oder Büchern sehen, dekonstruieren. Manche Künstler könnten sich selbst lehren, was sie sind, indem sie der Inspiration folgen, die sie von Architektur und Design erhalten, indem sie einfach auf die Gedanken und Gefühle reagieren, die sie beim Umgang mit der alltäglichen gebauten Umwelt und ihren unzähligen Produkten und Räumen erleben. Wieder andere lernen, Künstler zu sein, einfach indem sie ihren inneren Drang zu schaffen annehmen – und dann pflegen. Der Prozess des Machens kann uns lehren, wie man macht. Der Prozess des Seins kann uns lehren, was wir sein wollen. Am Ende wird jeder, der den Lernprozess bis zu dem Moment durchlaufen hat, in dem er den Satz „Ich bin ein Künstler“ sagen kann, ohne dass es sich wie eine Lüge anfühlt, eine Geschichte über seine Lehrer zu erzählen haben. Heute bringen wir Ihnen eine Sammlung solcher Geschichten von Künstlern, die mutig genug sind, ihre Lernlinien zu teilen. Sie sind mutig, weil die Bekanntgabe ihres ästhetischen oder konzeptuellen Erbes sie einer schrecklichen Bedrohung aussetzt. Sie, der Leser, könnten erkennen, dass ein Künstler Schüler eines anderen Künstlers war oder von diesem oder jenem inspiriert wurde, und dies für eine Abkürzung halten. Sie könnten sagen: „Aha! Jetzt sehe ich, wen sie kopieren“ oder „Jetzt verstehe ich ihre Kunst!“ Stattdessen, während Sie diese Anekdoten darüber lesen, wie diese 18 Künstler wurden, was sie sind, lassen Sie die Informationen Ihre Wahrnehmung erweitern. Folgen Sie jedem Faden und graben Sie tiefer. Vielleicht erhaschen Sie die gefährliche, unmögliche, unerlässliche Schönheit dessen, was es wirklich bedeutet, Kunst zu lehren und zu lernen.

Anya Spielman

Spielman war Studentin von Wayne Thiebauld an der University of California in Davis. Über ihre anderen Lehrer sagt sie:

"Ein großer Einfluss für mich war, als ich als Teenager Hieronymus Boschs Triptychon „Der Garten der Lüste“ im Prado sah. Ich war überwältigt von der Ikonographie sowie den üppigen Farben und den komplexen Kompositionen seiner Arbeit. Ich reagierte sofort auf die Dualität in Boschs Werk: seine scharfe und erleuchtete Farbpalette: Töne von Tinten-Schwarz, Umbra, blassem Rosa, Knochenweiß, Zinnober und Azurit; die Kurven seiner durchscheinenden Lustkapseln im Eden, die dem durchdringenden psychologischen und physischen Abstieg in eine halluzinatorische Hölle gegenüberstehen. Boschs visionäres Genie stellte die menschliche Natur in all ihren Formen dar, mit einer direkten Intimität und Kraft, die ich selbst heute noch als unglaublich selten empfinde."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Öl auf Holzplatte. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studierte bei Louis Finkelstein, während sie Graduate-Studentin am Queens College, City University of New York war. An derselben Schule studierte sie bei Benny Andrews, der in den 1950er Jahren als Abstrakter Expressionist an der School of the Art Institute of Chicago ausgebildet wurde; Clinton Hill, der Atelierassistent von Mark Rothko war; Kunstkritiker und Artforum Associate Editor Robert Pincus-Witten, der ihr „mein kritisches Auge half“; und Charles Cajori, der Schüler von Hans Hoffman war. Sirlin sagt:

"[Lineage] ist in der Tat eine komplizierte Frage. Die Verbindungen zu Künstlern verlaufen ebenfalls seitlich. Anne Truitt war mir wichtig, als ich eine junge Künstlerin bei Yaddo war. Melissa Meyer war auch in jenem Sommer [1983] dort. Erin Lawlor war meine Atelierkollegin im Rothko Centre in Lettland. Jose Heerkins war zur gleichen Zeit wie wir im Rothko Centre [2016]. Kara Walker war Studentin, als ich am Atlanta College of Art unterrichtete, und Kara und ich zeigten in der gleichen Atlanta Biennale 1992. Dann gibt es die anderen Künstler – Schriftsteller und Dramatiker. Hayden Herrera [Biografin von Frieda Kahlo und Arshile Gorky] war meine Mentorin als Kunstkritikerin. Chris Kraus [I Love Dick] und ich waren zusammen bei Yaddo... Ich war eine enge Freundin des Dramatikers Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Er war Drehbuchautor für Warhol... Ich hoffe, ich habe mit dieser zusätzlichen Antwort keine Verwirrung gestiftet."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Mixed Media auf Leinwand. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitell

"Als ich anfing zu malen, war ich am stärksten von Picasso beeinflusst. Ich fühlte mich zu seiner Farbgebung und Markierung hingezogen, besonders in „Mädchen vor dem Spiegel“ (1932). Später, als ich begann, mehr abstrakt-expressionistisch zu malen, zog es mich mehr zu Joan Mitchell und Willem De Kooning. Allerdings begann ich wirklich, ihre Arbeiten zu betrachten, nachdem ich auf diese Weise malte, nicht vorher."

Brenda Zappitell - Im Moment, 2017. Flashe und Acryl mit Kaltwachs auf Tafel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

In einem Interview von 2006 für Minus Space NY fragte der Maler Chris Ashley Göttin, wo er als Künstler beginnt. Göttin antwortete:

"Kunstgeschichte tut manchmal so, als wäre eine bestimmte Kunstrichtung eine abgeschlossene Einheit. Die Verwendung des Begriffs „konkret“ stimmt nicht unbedingt mit dem ideologischen Hintergrund der Konkreten Kunst überein, die auch auf Ideen über Gesellschaft und Politik basierte. Mein Anliegen betrifft eine Einheit, die auch Widersprüche einschließen kann – ein Ja und ein Nein und sogar ein Vielleicht. Mein Ausgangspunkt ist eine Synthese verschiedener Ansichten oder Positionen gleichzeitig, was für mich eine räumliche Sichtweise ist. Sie kann offensichtlich oder subtil, symmetrisch oder asymmetrisch oder beides zusammen sein, mit oder ohne Widerspruch. Sie kann Regel und Abweichung zugleich sein. Einige der früheren Arbeiten, die ich gemacht habe, waren Collagen, die sich auf die Arbeit von Kurt Schwitters (Merz) bezogen, jegliches gefundenes Material grob auf ein Stück Pappe geklebt – physisch, direkt, improvisiert, zufällig, farbenfroh, sogar dadaistisch. Später interessierte ich mich für Minimal Art, bei der das Kunstwerk oft präzise geplant und perfekt sowie klar konstruiert ist, mit definiertem Materialeinsatz und Aufmerksamkeit für Details. Beide Bewegungen sind mir wichtig, und manchmal sehe ich meine Arbeit als eine Mischung aus beiden, die zwischen diesen beiden kunsthistorischen Positionen liegt."

Daniel Göttin - Ohne Titel 2 (Pink), 1992. Acryl auf Pavatex. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Paller

"Es ist ziemlich schwierig, seine Einflüsse zu verstehen, zumindest für mich, da ich größtenteils aus Intuition und nicht so sehr aus Bewusstsein arbeite. Ich denke, meine prägenden Jahre als Kunststudent an der UCLA (BA 74, MFA 77) haben einen großen Teil dessen geformt, wer ich bin. Damals war die UCLA eine ziemlich malerische Schule mit einem europäischen/modernistischen Einschlag. Für meinen ersten Malkurs war ich für den Einführungskurs bei Richard Diebenkorn angemeldet (ich hatte keine Ahnung, wer er war), aber er und die Fakultätsleitung hatten einige Probleme, und seine Position wurde vor Kursbeginn beendet. Also studierte ich bei Richard Joseph, einem neuen Realisten, der mir eine solide Grundlage gab. Erst sechs Monate später, in einem fortgeschritteneren Malkurs bei Charles Garabedian, begann ich, mit Abstraktion zu experimentieren. Im Laufe der Jahre war der Professor, der wahrscheinlich den größten Einfluss auf mich hatte, William Brice. Bill war ein sehr artikulierter, würdevoller, großzügiger, nachdenklicher, lustiger Lehrer und Freund. Als fleißiger, produktiver Künstler sprach er oft über die Notwendigkeit, Zeit im Atelier zu verbringen, um Dinge auszutüfteln, und alles andere sei weniger wichtig. Ich denke oft an ihn und fühle mich so glücklich, ihn lange gekannt zu haben. Es dauerte einige Jahre, mich von der Vorstellung zu lösen, ein Student zu sein, und von den Stimmen meiner alten Professoren im Kopf, wann immer ich malte, aber mit der Zeit habe ich ein klares Gefühl dafür entwickelt, wer ich bin und welche Verantwortung ich habe, Werke zu schaffen, die meine Vision erfüllen. Oft sehe ich Aspekte anderer Künstler in meiner Arbeit, manchmal habe ich das Gefühl, dass es wirklich eine Verbindung über dieselben Ideen gibt, und manchmal scheint jede Ähnlichkeit nur oberflächlich zu sein. Am Ende sollen die Kunstkritiker über die Einflüsse sprechen."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tusche auf Papier. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

Michael Mazur (1935-2009) war vor 25 Jahren mein Lehrer für Druckgrafik. Wir trafen uns zum ersten Mal, als ich im Fine Arts Work Center in Provincetown wohnte, wo Michael einen einwöchigen Workshop zum Thema Druckgrafik anbot. So vieles fällt mir an unserer ersten Begegnung auf: Michael war ein unglaublich einfühlsamer und sozial bewusster Mensch, nicht nur in seinem gewählten Thema (Zeichnungen und Drucke von leidenden Patienten in einer psychiatrischen Klinik und Tieren hinter Gittern im Zoo), sondern auch in unseren persönlichen Gesprächen über das Leben. Er lehrte mich durch sein Beispiel, großzügig zu sein, um die Selbstbezogenheit des Ateliers auszugleichen. Es gab nichts an seiner Technik oder der Verfolgung einer Künstlerkarriere, das Michael nicht teilen würde. Michael verbrachte Ende der 80er Jahre Zeit in China, und durch seine Liebe zur asiatischen Landschaft lernte ich, meine Gesten zu vereinfachen, mit einer Ökonomie des Ausdrucks zu malen, etwas, das mir sehr am Herzen liegt. Ich werde seinen Humor nie vergessen, wenn er zu mir sagte: „Tracey, das ist ungepatchke!“, ein jiddisches Wort, das zu beschäftigt und überladen bedeutet.

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, Graphit und Tinte auf Rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee nennt ihre erste Inspiration ein Aquarell von Paul Cezanne, das sie mit 11 Jahren sah und das „einen unvergesslichen Eindruck“ hinterließ. Sie fährt fort:

"Mein Professor, Klaus Stümpel, war derart naturverbunden, dass er fast den Spitznamen ‚ein Bauer‘ bekam. Er empfahl mir, Frantisek Kupka zu studieren. Ich studierte seinen Prozess der Abstraktion und seine kosmische und mystische Perspektive. Vor allem lernte ich mehr als alles andere über seine Lebensliebe und seinen Willen, seine Gedanken zu bewahren. Als ich nach Korea zurückkehrte, dachte ich wieder an Kandinsky. Ich denke, sein Wunsch, objektive, universelle Wahrheit in der Kunst zu finden, ist eine unmögliche Herausforderung. Ich glaube, dass Kunst subjektiv und persönlich ist, und nichts anderes. Wenn ich meine tiefste innere Seite suche, kann ich mit dem Inneren anderer kommunizieren. Ich denke, Kunst kann ein Medium sein, das den Mikrokosmos (Mensch) und den Makrokosmos (Welt) verbindet. Besonders die Farbe ist Gegenstand meiner Forschung. Ich suche die Farbe als Adjektiv. Ich mag Richters Einstellung zur Arbeit, seine Leidenschaft fürs Malen und den Geist des Experimentierens. Vielleicht On Kawara? Ich mag seine Arbeit, mit der er beweisen wollte, dass er lebt, und ich möchte mir selbst beweisen, dass ich durch tägliche Arbeit emotional und sensibel noch lebe. Meine Gedanken zu Wassily Kandinsky und vielen anderen Minimalisten unterscheiden sich stark von der allgemeinen Perspektive. Ich stimme ihrer künstlerischen Sichtweise nicht zu."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Acryl auf Leinwand, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nennt Einflüsse, die Künstler (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman und Andy Warhol), Designer (Saul Bass und Roy Kuhlman) und Architekten (Le Corbusier) umfassen. Aber sie spricht auch über die persönlichen Wege, auf denen die Kultur ihre Kunst beeinflusst hat, wie in der folgenden Anekdote:

"Das Geschäft meines Vaters war Beschilderung. Wie die meisten städtischen Kinder in Amerika bin ich aufgewachsen auf dem Rücksitz eines Autos, hochsensibel für Werbetafeln und Neonlichter. Auffällige, direkte visuelle Reize waren Teil meiner Psyche. Vor Kurzem besuchte ich das MoMA in New York und wurde erneut von Barnett Newmans Gemälde „Vir Heroicus Sublimis“ (Mann, heroisch und erhaben) (1950-51) beeindruckt. Meine unmittelbare Reaktion auf seine Kraft, Unmittelbarkeit und Einfachheit war überwältigend und bestätigte meine eigene visuelle Vergangenheit und Identität."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache auf handgeschöpftem Khadi-Papier. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Für mich war es Mondrian. Die abstrakten Künstler jener Zeit arbeiteten konzeptioneller mit Abstraktion, das heißt, sie mochten die Idee davon, während Mondrian rückwärts durch die Mechanik arbeitete und am anderen Ende die Bildebene neu erfand. Nicht viele haben das seitdem getan. Dann dachte ich darüber nach, dass es mehr Wege geben muss, in diesen seltsamen Raum einzutreten, den Mondrian so klar im Griff hatte. [Ellsworth] Kelly und [Robert] Mangold zeigten andere Wege, diesen ‚anderen‘ Raum auszudrücken. Die Erfahrung dieser Künstler gab mir Raum, die Bemühungen meiner Kollegen wirklich zu schätzen und danach zu streben, die nächste Grenze zu überschreiten."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Acryl auf Papier. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"Ich habe die Arbeit von Vija Celmins geliebt und oft daran gedacht. Ihre intensive Beobachtung und ruhige Ausführung sind für mich sehr inspirierend. Louise Bourgeois hat mich immer mit ihrer Entschlossenheit inspiriert, sich im besten Medium für ihre Ideen auszudrücken. Eine offensichtliche Inspiration wäre Agnes Martin, ich liebe ihre selbstbewusste Zurückhaltung, und Mark Rothko für die emotionale Wirkung, die seine Arbeit erzielen kann."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Faden, Tinte und Graphit auf Papier. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville erwähnt die deutschen Bunker aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs, die die französische Atlantikküste säumen. Er sagt: „Die meisten Menschen betrachten sie als hässliche Narben. In meinen Augen war ihre Substanz Teil der Landschaft, die Zeit verschmolz sie mit dem Sand, den Dünen und dem Meer oder mit den Gemälden, die Straßenkünstler auf ihnen hinterließen.“ Außerdem wurde Auville von dieser Erfahrung aus seiner Jugend beeinflusst:

"Im Alter von sechs oder sieben Jahren hatte ich das Privileg, die Lascaux-Höhle im Südwesten Frankreichs zu besuchen. Es war ein Schock für mich. Meine Eltern kauften einige Faksimiles als Souvenirs, und ich verbrachte Stunden damit, sie im Keller unseres Hauses anzuschauen und mich zu fragen, was den Unterschied zwischen den Bildern und dem echten Kunstwerk ausmachte. Der Unterschied war offensichtlich, aber ich kämpfte damit, seine Substanz zu verstehen. Ich schaltete das Licht an und aus, klebte Sand auf die Bilder, um die Substanz der Lascaux-Malereien zu replizieren, erreichte aber nie das, was ich für ihre Seele hielt."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmentierter Zement auf Schaumstoffplatten. Struktureller und hängender Rahmen auf der Rückseite. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan erwähnt Einflüsse, die von Künstlern (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) über Albumgestalter (Hipgnosis, Peter Saville) bis hin zu Musikern (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno) reichen. Er sagt:

"In den Jahren vor meiner Pubertät erhielt Piet Mondriaans visuelle Sprache in den Niederlanden viel Aufmerksamkeit. Ich war zu jung, um in Kunstbegriffen zu denken, aber Mondriaan war einfach da, und es war faszinierend. Und ist es immer noch! Kurz darauf lernte ich die Suprematisten kennen, die wie ich geometrische Formen als Ausgangspunkt nahmen. Da meine Schwestern etwa fünf Jahre älter sind als ich, entdeckte ich (über ihre Freunde) früh in meiner Jugend ‚progressive‘ Musik und das dazugehörige Coverdesign. Nicht überraschend wollte ich Cover-Art-Designer werden. Wenn ich einen bildenden Künstler wählen müsste, der meine Sichtweise verändert hat, wäre es Ellsworth Kelly. Mitte der 80er Jahre kaufte das Stedelijk Museum in Amsterdam „Blue Curve VI“ (1982). Ich ging regelmäßig hin, um es anzuschauen und die visuelle Sprache zu studieren. Aber jetzt, vielleicht noch wichtiger, lasse ich mich auch von meiner eigenen Reaktion auf Kunst leiten... Ich begann über Kunst nachzudenken... den Zweck, die Bedeutung, oh je."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD Tinte auf Hannemuhle Papier. 29,7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Die Lehren von Josef Albers beeinflussen, wie ich darüber nachdenke, Farben in verschiedenen Kontexten zu platzieren. Und James Turrells Skyspaces beeinflussten, wie ich atmosphärische Farbe in verschiedenen Kontexten einsetze. Im Allgemeinen sind die Gesamtästhetik meiner Paper Skies und Moving Pictures Serien stark beeinflusst von modernen amerikanischen Malern wie Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella usw."

Brenda Biondo - Paper Sky Nr. 21 (Groß), 2015. Sublimationsdruck auf Aluminium (matter/glänzender Finish). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"Ich entdeckte vor mehr als 20 Jahren die Kapelle von Ronchamp, ein Spätwerk des Architekten Charles Edouard Jeanneret, bekannt als Le Corbusier. Ich empfand weder davor noch danach eine solche Wahrnehmung der Korrektheit der Möglichkeiten zwischen Massivität und Erhebung. Dann begann für mich diese lange Suche, die mich bis heute nährt, mit dem Ziel, die angemessenste Beziehung zwischen Fülle und Leere zu finden."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum und Kaltnadel auf Kupfer. Druck auf bfk rives Papier 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Ich möchte über den Künstler sprechen, der mich seit Jahrzehnten mehr inspiriert hat als jeder andere Künstler: Matisse, ein Künstler, den man ein Leben lang studieren könnte. Seine Arbeit nahm so viele Wege, weil er experimentierte und neue Möglichkeiten der Malerei erforschte. Sie sind schön, erhebend, komplex, manchmal lieblich und ruhig, manchmal schwierig und herausfordernd – spiegeln wider, wie das Leben ist."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Aquarell auf Papier. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

Anstatt ihre Einflüsse aufzulisten, nennt Cantrick die Künstler, deren Werke sie am meisten interessieren, unabhängig davon, ob es eine direkte Verbindung zu ihrer eigenen Arbeit gibt. Ihre kurze Liste für moderne und zeitgenössische Kunst:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé und Per Kirkeby. Das ist eine eklektische und nicht abschließende Liste, aber was sie gemeinsam haben, ist Klarheit, Komplexität und Vitalität – das sind auch meine eigenen Anliegen – ausgedrückt durch starke Farbe und Struktur, deutliche Formen und einen flachen Malraum. Für die Vormoderne stehen Vermeer, Degas und Manet ganz oben auf meiner Liste, wiederum wegen dieses Trios von Eigenschaften: Klarheit, Komplexität, Vitalität. Außerdem: Die Straffheit in Vermeers solider Darstellung vermittelt eine unglaublich greifbare Stille – das Aussetzen der Zeit. Degas’ besondere Art, seinen Raum mit „stillen“, unbelebten Bereichen und/oder einem starken vertikalen Element zu betonen, fördert ein langanhaltendes, rhythmisches Betrachten. Und es gibt eine Unmittelbarkeit und Frische bei Manet, die, abgesehen von all der übrigen Meisterschaft, im besten Fall fesselnd ist."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acryl auf Leinen. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"In meinem Fall wurde ich nicht von einem einzelnen Künstler beeinflusst, sondern vielmehr von der künstlerischen Gemeinschaft, in der ich in Chicago aufgewachsen bin. In meiner Nachbarschaft, dem Lincoln Park Gebiet oder Old Town genannt, gab es überall Künstler, und als ich als Vor-Teenager Interesse am Zeichnen zeigte, wurde ich ermutigt, die Schule zu besuchen, die mit dem wunderbaren Art Institute of Chicago für Aktzeichnen verbunden ist. Dort durfte ich direkt durch das Museum mit seiner berühmten impressionistischen Sammlung gehen, um zur Schule zu gelangen. Ich denke, das hat im Grunde mein Interesse an Linie, Gestik und Farbe geprägt."

Anne Russinof - Look See, 2014. Öl auf Leinwand. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Meine künstlerische Herkunft liegt bei Künstlern, die einen „reduktiven“ Ansatz zur Bild-/Objektherstellung mit einer Aufmerksamkeit für Oberfläche und subtile Details verbinden. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros und Sol Lewitt kommen mir in den Sinn. Außerdem inspiriert mich die skulpturale Arbeit von Richard Serra, Carl Andre und Fred Sandback mit ihrer besonderen Nutzung des dreidimensionalen Raums weiterhin in meinem Malansatz."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acryl auf Leinwand. 122 x 96,9 cm