18 zeitgenössische abstrakte Künstler sprechen über ihre Herkunft

Es ist gefährlich und unmöglich, Kunst zu lehren. Doch es ist auch unerlässlich. Damit Kunst existiert, müssen Künstler lernen, wie sie das werden, was sie werden wollen, und wie sie das schaffen, was sie schaffen wollen. Einige werden in der Schule lernen, von anderen fehlerhaften Menschen wie sich selbst, die aus welchen Gründen auch immer die gefährliche, unmögliche, unerlässliche Aufgabe übernommen haben, anderen zu vermitteln, was sie gelernt haben. Andere Künstler werden Lehrer außerhalb des Klassenzimmers finden. Sie könnten lernen, was es bedeutet, ein Künstler zu sein, indem sie mit anderen Künstlern bei Eröffnungen oder in Bars abhängen. Sie könnten lernen, was es bedeutet, Kunst zu machen, indem sie Videos online ansehen oder die Kunst, die sie in Museen oder in Büchern sehen, dekonstruieren. Einige Künstler könnten sich selbst beibringen, was sie sind, indem sie der Inspiration folgen, die sie von Architektur und Design erhalten, indem sie einfach auf die Gedanken und Gefühle reagieren, die sie beim Umgang mit der alltäglichen gebauten Umgebung und ihren unzähligen Produkten und Räumen erleben. Wieder andere könnten lernen, wie man Künstler wird, indem sie einfach ihren inneren Drang zu schaffen annehmen – und dann pflegen. Der Prozess des Schaffens kann uns lehren, wie man macht. Der Prozess des Seins kann uns lehren, was wir sein wollen. Am Ende wird jeder, der den Lernprozess durchläuft bis zu dem Moment, in dem er den Satz sagen kann: „Ich bin ein Künstler“, ohne zu fühlen, dass es eine Lüge ist, eine Geschichte über seine Lehrer zu erzählen haben. Heute bringen wir Ihnen eine Sammlung solcher Geschichten von Künstlern, die mutig genug sind, ihre Lernlinien zu teilen. Sie sind mutig, denn die Ankündigung ihres ästhetischen oder konzeptionellen Erbes setzt sie einer schrecklichen Bedrohung aus. Sie, der Leser, könnten erkennen, dass ein Künstler ein Schüler eines anderen Künstlers war oder von diesem oder jenem inspiriert wurde, und das für eine Abkürzung halten. Sie könnten sagen: „Aha! Jetzt sehe ich, wen sie kopieren“, oder: „Jetzt verstehe ich ihre Kunst!“ Stattdessen, während Sie diese Anekdoten darüber lesen, wie diese 18 Künstler geworden sind, was sie sind, lassen Sie die Informationen Ihre Wahrnehmung erweitern. Folgen Sie jedem Faden und graben Sie tiefer. Sie könnten einen Blick auf die gefährliche, unmögliche, unerlässliche Schönheit dessen erhaschen, was es wirklich bedeutet, Kunst zu lehren und zu lernen.

Anya Spielman

Spielman war eine Schülerin von Wayne Thiebauld an der University of California in Davis. Über ihre anderen Lehrer sagt sie:

"Ein großer Einfluss auf mich war, als ich als Teenager das Triptychon "Der Garten der Lüste" von Hieronymus Bosch im Prado sah. Ich war überwältigt von der Ikonographie sowie den üppigen Farben und den komplexen Kompositionen seiner Werke. Ich reagierte sofort auf die Dualität in Boschs Arbeiten: seine markante und leuchtende Farbpalette: Töne von tiefschwarz, Umbra, blassem Rosa, Knochen, Zinnoberrot und Azurit; die Kurven seiner durchsichtigen Lustkapseln im Eden, die im Kontrast zu dem durchdringenden psychologischen und physischen Abstieg in eine halluzinatorische Hölle stehen. Boschs visionäres Genie stellte die menschliche Natur in all ihren Formen dar, mit einer direkten Intimität und Kraft, die ich selbst heute als unglaublich selten empfinde."

Anya Spielman - Ultraviolett, 2015. Öl auf Holzplatte. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studierte bei Louis Finkelstein, während sie Graduiertenstudentin am Queens College, City University of New York, war. An derselben Schule studierte sie bei Benny Andrews, der in den 1950er Jahren als Abstract Expressionist am School of the Art Institute of Chicago ausgebildet wurde; Clinton Hill, der ein Studioassistent von Mark Rothko war; Kunstkritiker und Associate Editor von Artforum Robert Pincus-Witten, der, wie sie sagt, „meinen kritischen Blick geschärft hat;“ und Charles Cajori, der ein Schüler von Hans Hoffman war. Sagt Sirlin:

"[Lineage] ist in der Tat eine komplizierte Frage. Die Verbindungen zu Künstlern verlaufen ebenfalls seitwärts. Anne Truitt war wichtig für mich, als ich ein junger Künstler bei Yaddo war. Melissa Meyer war auch diesen Sommer [1983] dort. Erin Lawlor war meine Studio-Kollegin im Rothko-Zentrum in Lettland. Jose Heerkins war zur gleichen Zeit mit uns im Rothko-Zentrum [2016]. Kara Walker war eine Studentin, als ich am Atlanta College of Art unterrichtete, und Kara und ich zeigten 1992 in der gleichen Atlanta Biennale. Dann gibt es die anderen Künstler – Schriftsteller und Dramatiker. Hayden Herrera [Biograf von Frieda Kahlo und Arshile Gorky] war mein Mentor als Kunstschriftsteller. Chris Kraus [I Love Dick] und ich waren zusammen bei Yaddo... Ich war ein enger Freund des Dramatikers Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Er war Drehbuchautor für Warhol... Ich hoffe, ich habe die Dinge in dieser zusätzlichen Antwort nicht für Sie verwirrt."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Mischtechnik auf Leinwand. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitell

"Als ich anfing zu malen, wurde ich am stärksten von Picasso beeinflusst. Ich war von seinem Einsatz von Farbe und Strichführung angezogen, insbesondere in „Girl Before A Mirror“ (1932). Später, als ich anfing, mehr im abstrakten Expressionismus zu malen, fühlte ich mich mehr zu Joan Mitchell und Willem De Kooning hingezogen. Allerdings begann ich wirklich, ihre Arbeiten zu betrachten, nachdem ich auf diese Weise malte, nicht davor."

Brenda Zappitell - Im Moment, 2017. Flashe und Acryl mit Kaltwachs auf Platte. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

In einem Interview von 2006 für Minus Space NY fragte der Maler Chris Ashley Göttin, wo er als Künstler anfängt. Göttin antwortete:

"Die Kunstgeschichte tut manchmal so, als wäre eine bestimmte Kunstbewegung ein vollständiges Wesen. Der Begriff „konkret“ stimmt nicht unbedingt mit dem ideologischen Hintergrund der Konkreten Kunst überein, die ebenfalls auf Ideen über Gesellschaft und Politik basierte. Mein Anliegen ist ein Wesen, das auch Widersprüche einschließen kann – ein Ja und ein Nein, und sogar ein Vielleicht. Mein Ausgangspunkt ist eine Synthese verschiedener Ansichten oder Positionen zur gleichen Zeit, die für mich eine räumliche Sichtweise darstellt. Sie kann offensichtlich oder subtil, symmetrisch oder asymmetrisch oder beides zusammen sein, mit oder ohne Widerspruch. Sie kann Regel und Abweichung zusammen sein. Einige der früheren Arbeiten, die ich gemacht habe, waren Collagen, die mit Kurt Schwitters' Werk (Merz) in Verbindung standen, jedes gefundene Material grob auf ein Stück Pappe geklebt – physisch, direkt, improvisiert, zufällig, farbenfroh, sogar dadaistisch. Später interessierte ich mich für Minimal Art, bei der das Kunstwerk oft präzise geplant und perfekt und klar mit einem definierten Materialeinsatz und Aufmerksamkeit für Details konstruiert ist. Beide Bewegungen sind mir wichtig, und manchmal sehe ich, dass meine Arbeit Teile von beiden trägt, die zwischen diesen beiden kunsthistorischen Positionen korrespondieren."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Acryl auf Pavatex. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Paller

"Es ist ziemlich schwierig, die eigenen Einflüsse zu verstehen, zumindest für mich, da ich größtenteils aus Intuition und nicht so sehr aus Bewusstsein arbeite. Ich denke, dass meine prägenden Jahre als Kunststudent an der UCLA (BA 74, MFA 77) einen großen Teil dessen ausmachten, wer ich bin. In diesen Tagen war die UCLA eine sehr malerische Schule mit einem europäischen/modernistischen Einschlag. Für meinen ersten Malkurs war ich angemeldet, um den Einführungskurs Malerei bei Richard Diebenkorn zu besuchen (ich hatte keine Ahnung, wer er war), aber er und die Fakultätsleitung hatten einige Probleme, und seine Position wurde vor Beginn des Kurses beendet. Also studierte ich bei Richard Joseph, einem neuen Realisten, der mir eine solide Grundlage gab. Erst sechs Monate später, als ich in einem fortgeschritteneren Malkurs bei Charles Garabedian arbeitete, begann ich mit Abstraktion zu experimentieren. Im Laufe der Jahre war der Professor, der wahrscheinlich den größten Einfluss auf mich hatte, William Brice. Bill war ein sehr artikulierter, würdevoller, großzügiger, nachdenklicher, lustiger Lehrer und Freund. Als hart arbeitender, produktiver Künstler sprach er oft über die Notwendigkeit, Zeit im Atelier zu verbringen, um Dinge auszuarbeiten, und alles andere ist weniger wichtig. Ich denke oft an ihn und fühle mich so glücklich, ihn lange gekannt zu haben. Es hat einige Jahre gedauert, mich von der Idee, ein Student zu sein, zu trennen und von den Stimmen meiner alten Professoren in meinem Kopf, wann immer ich malte, aber im Laufe der Zeit habe ich ein klares Gefühl dafür entwickelt, wer ich bin und die Verantwortung, die ich habe, um Arbeiten zu schaffen, die meine Vision erfüllen. Oft sehe ich Aspekte anderer Künstler in meiner Arbeit, manchmal habe ich das Gefühl, dass es wirklich eine Verbindung über dieselben Ideen gibt, und manchmal scheint es einfach, dass jede Ähnlichkeit nur oberflächlich ist. Am Ende sollen die Kunstschriftsteller über die Einflüsse sprechen."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tinte auf Papier. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) war vor 25 Jahren mein Druckgrafiklehrer. Wir trafen uns zum ersten Mal, als ich im Fine Arts Work Center in Provincetown war, wo Michael einen einwöchigen Workshop über Druckgrafik anbot. So viele Dinge stechen in unserer ersten Verbindung hervor: Michael war eine unglaublich einfühlsame und sozial bewusste Person, nicht nur in seinem gewählten Thema (Zeichnungen und Drucke von leidenden Patienten in einer psychiatrischen Klinik und Tieren hinter Gittern im Zoo), sondern auch in unseren persönlichen Gesprächen über das Leben. Er lehrte mich, durch sein Beispiel großzügig zu sein, um die Selbstbezogenheit des Ateliers auszugleichen. Es gab nichts über seine Technik oder die Verfolgung einer Kunstkarriere, das Michael nicht teilen würde. Michael verbrachte Zeit in China in den späten 80er Jahren, und durch seine Liebe zur asiatischen Landschaft lernte ich, meine Gesten zu vereinfachen, mit einer Ökonomie des Ausdrucks zu malen, etwas, das mir sehr am Herzen liegt. Ich werde nie seinen Sinn für Humor vergessen, als er zu mir sagte: „Tracey, das ist ungepatchke!“, ein jiddisches Wort, das zu beschäftigt und dekoriert bedeutet."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, Graphit und Tinte auf Rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee nennt ihre erste Inspiration ein Aquarell von Paul Cezanne, das sie mit 11 Jahren sah und das "einen unvergesslichen Eindruck" hinterließ. Sie fährt fort zu sagen:

"Mein Professor, Klaus Stümpel, war der Natur so nahe, dass er fast den Spitznamen ‚Bauer‘ erhielt. Er empfahl mir, Frantisek Kupka zu studieren. Ich studierte seinen Prozess der Abstraktion und seine kosmische und mystische Perspektive. Vor allem lernte ich mehr als alles andere über seine Liebe zum Leben und seinen Willen, seine Gedanken festzuhalten. Als ich nach Korea zurückkam, dachte ich wieder an Kandinsky. Ich denke, sein Wunsch, objektive, universelle Wahrheit in der Kunst zu finden, ist eine unmögliche Herausforderung. Ich denke, dass Kunst subjektiv und persönlich ist, mehr als alles andere. Wenn ich nach meinem tiefsten Inneren suche, kann ich mit dem Inneren anderer kommunizieren. Ich denke, dass Kunst ein Medium sein kann, das den Mikrokosmos (den Menschen) und den Makrokosmos (die Welt) verbindet. Besonders die Farbe ist das Thema meiner Forschung. Ich suche die Farbe als Adjektiv. Ich mag Richters Einstellung zur Arbeit, seine Leidenschaft für die Malerei und den Geist des Experimentierens. Vielleicht On Kawara? Ich mag seine Arbeit, mit der er beweisen wollte, dass er lebt, und ich möchte mir selbst beweisen, indem ich jeden Tag arbeite, dass ich emotional und sensibel noch am Leben bin. Meine Gedanken zu Wassily Kandinsky und vielen anderen Minimalisten sind sehr unterschiedlich von der allgemeinen Perspektive. Ich stimme ihrem künstlerischen Standpunkt nicht zu."

Kyong Lee - Bild mit Weiß, 2008. Acryl auf Leinwand, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nennt Einflüsse, zu denen Künstler (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman und Andy Warhol), Designer (Saul Bass und Roy Kuhlman) und Architekten (Le Corbusier) gehören. Aber sie spricht auch über die persönlichen Wege, auf denen die Kultur ihre Kunst beeinflusst hat, wie in der folgenden Anekdote:

"Das Geschäft meines Vaters war Beschilderung. Wie die meisten Stadt-Kinder in Amerika wuchs ich auf dem Rücksitz eines Autos auf, hyperbewusst von Plakatwänden und Neon. Aufmerksamkeitsstarke, direkte visuelle Reize waren Teil meiner Psyche. Vor kurzem besuchte ich das MoMA in New York und wurde erneut von Barnett Newmans Gemälde „Vir Heroicus Sublimis“ (Mann, Heroisch und Erhaben) (1950-51) beeindruckt. Meine unmittelbare Reaktion auf seine Kraft, Unmittelbarkeit und Einfachheit war überwältigend und bestätigte meine eigene visuelle Vergangenheit und Identität."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache auf handgemachtem Khadi-Papier. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Für mich war es Mondrian. Die abstrakten Künstler dieser Zeit arbeiteten konzeptioneller mit Abstraktion, was bedeutete, dass sie die Idee davon mochten, während Mondrian rückwärts durch die Mechanik arbeitete und am anderen Ende die Bildfläche neu erfand. Seitdem haben das nicht viele getan. Dann dachte ich, dass es noch mehr Wege geben muss, in diesen seltsamen Raum zu gelangen, den Mondrian so klar im Griff hatte. [Ellsworth] Kelly und [Robert] Mangold zeigten andere Wege, diesen ‚anderen‘ Raum auszudrücken. Die Erfahrungen dieser Künstler gaben mir Raum, die Bemühungen meiner Kollegen wirklich zu schätzen und danach zu streben, durch das nächste Kuvert zu gelangen."

Brent Hallard - Wolken, 2013. Acryl auf Papier. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"Ich habe die Arbeiten von Vija Celmins geliebt und häufig darüber nachgedacht. Ihre intensive Beobachtung und ruhige Ausführung sind für mich sehr inspirierend. Louise Bourgeois hat mich immer mit ihrem Willen inspiriert, sich im besten Medium für ihre Ideen auszudrücken. Eine offensichtlichere Inspiration wäre Agnes Martin, ich liebe ihre selbstbewusste Zurückhaltung, und Mark Rothko für die emotionale Wucht, die seine Arbeiten entfalten können."

Audrey Stone -Nr. 61, 2011. Faden, Tinte und Graphit auf Papier. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville erwähnt die deutschen Blockhäuser aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs, die die französische Atlantikküste säumen. Er sagt: „Die meisten Menschen betrachten sie als hässliche Narben. In meinen Augen war ihr Wesen Teil der Landschaft, die Zeit verschmolz sie mit dem Sand, den Dünen und dem Meer oder mit den Gemälden, die Straßenkünstler auf ihnen hinterließen.“ Darüber hinaus wurde Auville von dieser Erfahrung aus seiner Jugend beeinflusst:

"Im Alter von sechs oder sieben Jahren hatte ich das Privileg, die Höhle von Lascaux im Südwesten Frankreichs zu besuchen. Es war ein Schock für mich. Meine Eltern kauften einige Faksimiles als Souvenirs und ich verbrachte Stunden damit, sie im Keller unseres Hauses anzuschauen und mich zu fragen, was den Unterschied zwischen den Bildern und dem echten Kunstwerk ausmachte. Der Unterschied war offensichtlich, aber ich hatte Schwierigkeiten, dessen Substanz zu erfassen. Ich schaltete das Licht ein und aus, klebte Sand auf die Bilder, um die Substanz der Lascaux-Malereien nachzuahmen, erreichte aber nie das, was ich als ihre Seele betrachtete."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmentierter Zement auf Schaumstoffplatten. Struktureller und hängender Rahmen auf der Rückseite. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan erwähnt Einflüsse, die von Künstlern (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) über Albumdesigner (Hipgnosis, Peter Saville) bis hin zu Musikern (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno) reichen. Er sagt:

"In den Jahren vor meiner Pubertät erhielt Piet Mondriaans visuelle Sprache viel Aufmerksamkeit in den Niederlanden. Ich war zu jung, um in Begriffen von Kunst zu denken, aber Mondriaan war einfach da, und es war faszinierend. Und es ist es immer noch! Etwas später lernte ich die Suprematisten kennen, die, wie ich, geometrische Formen als Ausgangspunkt nahmen. Da meine Schwestern etwa fünf Jahre älter sind als ich, entdeckte ich (über ihre Freunde) früh in meinen Teenagerjahren 'progressive' Musik und das dazugehörige Coverdesign. Es ist nicht überraschend, dass ich Cover-Art-Designer werden wollte. Wenn ich einen visuellen Künstler wählen müsste, der meine Sichtweise verändert hat, wäre es Ellsworth Kelly. Mitte der 80er Jahre kaufte das Stedelijk Museum in Amsterdam "Blue Curve VI" (1982). Ich ging regelmäßig hin, um es mir anzusehen und studierte die visuelle Sprache. Aber jetzt, vielleicht wichtiger, werde ich auch von meiner eigenen Reaktion auf Kunst geleitet... Ich begann über Kunst nachzudenken... den Zweck, die Bedeutung, oh mein."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD-Tinte auf Hannemühle-Papier. 29,7 x 21 cm

Brenda Blonde

"Die Lehren von Josef Albers beeinflussen, wie ich darüber nachdenke, Farben in unterschiedlichen Kontexten zu setzen. Und James Turrells Skyspaces beeinflussten, wie ich darüber nachdenke, atmosphärische Farben in unterschiedlichen Kontexten zu setzen. Im Allgemeinen sind die Gesamtästhetik meiner Serien Paper Skies und Moving Pictures stark von modernen amerikanischen Malern wie Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella usw. beeinflusst."

Brenda Biondo -Paper Sky Nr. 21 (Groß), 2015. Farbsublimationsdruck auf Aluminium (matt/glänzend). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"Ich entdeckte vor mehr als 20 Jahren die Kapelle von Ronchamp, ein Spätwerk des Architekten Charles Edouard Jeanneret, bekannt als Le Corbusier. Weder davor noch danach fühlte ich eine solche Wahrnehmung der Richtigkeit der Möglichkeiten zwischen Massivität und Erhebung. Dann begann für mich diese lange Suche, die mich bis heute nährt, mit dem Ziel, das angemessenste Verhältnis zwischen Voll und Leer zu finden."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum und Trockenstich auf Kupfer. Druck auf BFK Rives Papier 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Ich möchte über den Künstler sprechen, der mich seit Jahrzehnten inspiriert, mehr als jeder andere Künstler: Matisse, ein Künstler, den man ein Leben lang studieren könnte. Sein Werk nahm so viele Wege, weil er mit Malerei experimentierte und neue Möglichkeiten erkundete. Sie sind schön, erhebend, komplex, manchmal lieblich und friedlich, manchmal schwierig und herausfordernd – spiegeln wider, wie das Leben ist."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Aquarell auf Papier. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

Statt ihre Einflüsse aufzulisten, Cantrick nennt die Künstler, deren Arbeiten sie am meisten interessieren, unabhängig davon, ob es eine direkte Verbindung zu ihrer eigenen Arbeit gibt. Ihre kurze Liste für moderne und zeitgenössische:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé und Per Kirkeby. Das ist eine eklektische und nicht erschöpfende Liste, aber was sie gemeinsam haben, ist Klarheit, Komplexität und Vitalität – das sind meine eigenen Anliegen – ausgedrückt durch starke Farben und Strukturen, ausgeprägte Formen und einen flachen Malraum. Für die Vormoderne stehen Vermeer, Degas und Manet ganz oben auf meiner Liste, denn wieder einmal diese drei Attribute: Klarheit, Komplexität, Vitalität. Darüber hinaus: Die Spannkraft in Vermeers solider Darstellung vermittelt eine unglaublich spürbare Stille – die Aufhebung der Zeit. Degas’ besondere Art, seinen Raum mit „stillen“, unbelebt Bereichen und/oder einem starken vertikalen Element zu akzentuieren, fördert ein verlängertes, rhythmisches Betrachten. Und es gibt eine Unmittelbarkeit und Frische in Manet, die, abgesehen von all dem restlichen Meisterschaft, in ihrem besten Moment fesselnd ist."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acryl auf Leinen. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"In meinem Fall wurde ich nicht von einem bestimmten Künstler beeinflusst, sondern vielmehr von der künstlerischen Gemeinschaft, in der ich in Chicago aufgewachsen bin. In meiner Nachbarschaft, die Lincoln Park oder Old Town genannt wird, gab es überall Künstler, und als ich als Vorteenager Interesse am Zeichnen zeigte, wurde ich ermutigt, die Schule zu besuchen, die mit dem wunderbaren Art Institute of Chicago für Aktzeichnen verbunden ist. Dort musste ich direkt durch das Museum mit seiner berühmten Impressionisten-Sammlung gehen, um zur Schule zu gelangen. Ich denke, das hat im Grunde mein Interesse an Linie, Gestik und Farbe geprägt."

Anne Russinof - Look See, 2014. Öl auf Leinwand. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Meine künstlerische Abstammung finde ich bei Künstlern, die einen "reduktionistischen" Ansatz bei der Bild-/Objekterstellung mit einer Aufmerksamkeit für Oberfläche und subtile Details kombinieren. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros und Sol Lewitt fallen mir ein. Darüber hinaus inspiriert mich die skulpturale Arbeit von Richard Serra, Carl Andre und Fred Sandback, mit ihrem besonderen Umgang mit dreidimensionalem Raum, weiterhin in meinem Ansatz zur Malerei."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acryl auf Leinwand. 122 x 96,9 cm