Hirshhorn verlängert die von der Kritik gefeierte Ausstellung von Charline von Heyl

Zwei Monate nach der Eröffnung im Hirshhorn Museum und Sculpture Garden in Washington, DC, wurde Snake Eyes, eine Retrospektive der Arbeiten von Charline von Heyl, für die Öffentlichkeit geschlossen – ein Opfer der verlängerten Schließung der amerikanischen Regierung aufgrund von Haushaltsstreitigkeiten zwischen dem Präsidenten und dem Kongress. (Das Hirshhorn ist Teil des Smithsonian Museum-Komplexes, der während der Krise vollständig geschlossen war.) Glücklicherweise hat das Museum jedoch die Laufzeit von Snake Eyes verlängert. Wenn Sie noch nicht die Gelegenheit hatten, es zu sehen, haben Sie noch ein paar Wochen Zeit – es schließt am 21. April. Es lohnt sich auf jeden Fall, die Reise zu machen. Dies wird wahrscheinlich die einzige Präsentation der Ausstellung in den Vereinigten Staaten sein, und von Heyl schafft Werke, die wahrhaftig, unbestreitbar einzigartig sind. Sie gehört zu einer Handvoll von Malern, die heute arbeiten und deren Gemälde als gleichzeitig modern und postmodern beschrieben werden können. Der postmoderne Einfluss ist in ihren kompositorischen Strategien und Inhaltsentscheidungen offensichtlich, die unzählige historische Referenzen mit einer breiten Palette von Quellenmaterialien und Techniken kombinieren. Was an den Arbeiten modern ist, ist die außergewöhnliche Fähigkeit von Heyl, ihre Gemälde neu erscheinen zu lassen. Der erdrückende Zynismus, der normalerweise mit dem Postmodernismus einhergeht, geht davon aus, dass alles schon einmal gemacht wurde, sodass es wenig Sinn macht, erfinderisch zu sein. Von Heyl weist solches pessimistische Denken dreist zurück und konstruiert fantastischerweise komplexe Werke, die selbstbewusst ihre Neuheit verkünden. Laut von Heyl ist es ihre Absicht mit jedem neuen Gemälde, das sie schafft, "ein neues Bild zu machen, das für sich selbst als Tatsache steht." Sie ist keiner bestimmten Stilrichtung oder Methode verpflichtet, und die meisten ihrer Bilder ähneln sich kaum. Dennoch gibt es etwas Viszerales an ihren Werken, das die Hand ihres Schöpfers vermittelt. Vielleicht ist es ihr Witz, oder ihre kompositorische Struktur, oder die Eigenschaften ihrer Oberfläche. Oder vielleicht ist es etwas weniger Offensichtliches und mehr Metaphysisches, dass von Heyl es schafft, in ihren Gemälden etwas zu beschwören, das verkündet, dass sie unbestreitbar ihre eigenen sind.

Von Inspiration zu Intellekt

In einem kürzlichen Interview mit Jason Farago für das Even-Magazin beschrieb von Heyl, was sie inspiriert, jeden Tag im Studio zu arbeiten. Sie sagte: „Ich denke, es kommt davon, ein Fetischist zu sein. Das begann, als ich ein Kind war. Jeden Tag, wenn ich etwas Glänzendes auf der Straße sah, hob ich es auf und verband sofort irgendeine Bedeutung damit, auf die eine oder andere Weise.“ Ihr Studio beherbergt eine Vielzahl von Objekten, die aus einem bestimmten Grund ihre Aufmerksamkeit erregt haben, entweder wegen ihrer handgefertigten Qualitäten oder wegen der Geschichte, die sie in sich trägt. Obwohl ihre Gemälde nicht direkt von diesen Objekten inspiriert sind, fließen die Ideen, die die Arbeit leiten, eher aus ihrer materiellen Präsenz oder den Geschichten, die sie zu erzählen scheinen. Ihre Methode mag zufällig sein und auf unerwarteten Verbindungen und Sprüngen der Vorstellungskraft basieren. Aber wenn man sich die Gemälde ansieht, die sie in den letzten 30 Jahren geschaffen hat, ergibt es vollkommen Sinn. Jedes von ihnen enthält die Geschichte seiner eigenen Entstehung – eine ästhetische Erkundung eines intellektuellen Fadens, in sich geschlossen, selbstreferenziell und voller Subjektivität.

Charline von Heyl - Bluntschli, 2005. Acryl und Öl auf Leinwand. 82 x 78 Zoll. ©Charline von Heyl. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Petzel, New York. Sammlung Ira G. Wool und Barbara Mirecki.

Doch so idiosynkratisch ihre Gemälde auch sind, sie teilen eine definitive Energie; wie die Kraft der Anziehung. Von Heyl verbringt Monate mit jeder Komposition, intellektualisiert das Werk und findet Wege, das Auge in das Bild zu locken. Sie setzt formale Elemente wie Farbe, Linie und grafische Formen ein, weil sie die emotionale Wirkung kennt, die sie auf den Betrachter haben werden. Diese Elemente sind jedoch nur Tricks. Sie sind nicht der Punkt des Werkes – sie sind Werkzeuge, die die Künstlerin einsetzt, um uns näher zu ziehen, damit wir uns mit unserem eigenen Prozess der Kontemplation beschäftigen können. Wenn sie erfolgreich ist, werden wir eine emotionale Reaktion auf das Werk haben, obwohl sich die Emotion, die von Heyl in uns inspirieren möchte, im Laufe der Jahre verändert hat. "Als ich anfing," sagte sie zu Farago und lachte, "wollte ich, dass die Gemälde die Menschen im Grunde quälen. Was ich jetzt will, ist etwas, das mehr verführt als wütend macht."

Charline von Heyl- Idolores, 2011. Acryl und Öl auf Leinen. 62 x 60 Zoll. ©Charline von Heyl. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Petzel, New York. High Museum of Art, Atlanta, Geschenk der Alex Katz Foundation, 2011.

Bleib eine Weile und schau

"Snake Eyes" besteht aus mehr als 30 großformatigen Gemälden, die einen Rückblick auf die gesamte Laufbahn ihrer 30-jährigen Karriere bieten. Scharfsinnige Betrachter werden in den Gemälden leicht Dutzende von kunsthistorischen Referenzen entdecken – von Heyl passt ihre visuelle Sprache aus Quellen an, die so vielfältig sind wie Pop Art, Op Art, Minimalismus, Suprematismus, Color Field Painting, Dada, Abstrakter Expressionismus und die Pattern and Decoration Movement, um nur einige zu nennen. Gemischt mit all diesen abstrakten Tendenzen sind gesunde Dosen von Figuration. In dem Gemälde "Yellow Guitar" (2019) wird das Auge unweigerlich auf das Bild eines Messers oben und eine Weinflasche in der oberen rechten Ecke gezogen. Diese erkennbaren Bilder zusammen mit dem lebhaften gelben Schachbrettmuster könnten den Verstand auf eine törichte Suche nach der Gitarre schicken. Der Versuch wäre fruchtlos, denn die Bedeutung ist nicht in dem enthalten, was erkennbar ist.

Charline von Heyl - Nunez, 2017. Acryl, Öl und Kohle auf Leinen. 82 x 78 Zoll. ©Charline von Heyl. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Petzel, New York. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Galerie Gisela Capitain, Köln und Petzel, New York.

Stattdessen wartet für von Heyl die Bedeutung in dem, was wir noch nicht sehen. Sie bezeichnet diesen Teil ihrer Methode als die Suche danach, "ein Gemälde lebendiger zu machen." Diese geheimnisvolle Qualität – Lebendigkeit – wimmelt in den endlosen Tiefen des Gemäldes „Mana Hatta“ (2017). Während gestanzte, gepunktete Kaninchen über die Oberfläche tanzen, zuckt eine geisterhafte, totemartige Kopf-Form mit spiralförmigen Kreisen und lyrischen Wellen. Unzählige Ebenen tauchen auf und ziehen sich zurück, während die Farben vor unseren Augen zu evolvieren scheinen. Wie bei den Interferenzfarben, die sie verwendet hat, um dieses Gemälde zu schaffen, die die erwarteten Farbwerte der anderen Medien, mit denen sie in Kontakt kommen, untergraben, strebt von Heyl immer nach unerwarteten Ergebnissen. Ihr Punkt ist einfach, uns zu überzeugen, eine Weile zu bleiben und zu schauen, in der Hoffnung, dass etwas Unsichtbares auftaucht. Charline von Heyl: Snake Eyes ist bis zum 21. April 2019 im Hirshhorn Museum in Washington, DC, zu sehen.

Vorschaubild: Charline von Heyl - Catch Mad Wreck, 2011. Acryl auf Leinen. 60 x 50 Zoll. Privatsammlung, New York. ©Charline von Heyl. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Petzel, New York.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio