Hirshhorn verlängert die von der Kritik gefeierte Ausstellung von Charline von Heyl

Zwei Monate nach der Eröffnung im Hirshhorn Museum und Skulpturengarten in Washington, DC, wurde „Snake Eyes“, eine Retrospektive der Werke von Charline von Heyl, für die Öffentlichkeit geschlossen – ein Opfer der langanhaltenden Stilllegung der amerikanischen Regierung aufgrund von Haushaltsstreitigkeiten zwischen dem Präsidenten und dem Kongress. (Das Hirshhorn ist Teil des Smithsonian-Museumsverbunds, der während der Krise vollständig geschlossen war.) Glücklicherweise hat das Museum die Laufzeit von „Snake Eyes“ verlängert. Wenn Sie die Ausstellung noch nicht gesehen haben, bleiben Ihnen noch einige Wochen – sie endet am 21. April. Es lohnt sich sehr, die Reise auf sich zu nehmen. Dies wird wahrscheinlich die einzige Gelegenheit sein, die Ausstellung in den Vereinigten Staaten zu sehen, und von Heyl schafft Werke, die wirklich, unbestreitbar einzigartig sind. Sie ist eine von wenigen Malerinnen, deren Gemälde heute gleichzeitig als modern und postmodern beschrieben werden können. Der postmoderne Einfluss zeigt sich in ihren Kompositionsstrategien und Inhaltswahlen, die unzählige historische Bezüge mit einer breiten Palette von Quellenmaterialien und Techniken verbinden. Modern an ihren Werken ist die außergewöhnliche Fähigkeit von Heyls, ihre Gemälde neu erscheinen zu lassen. Der bedrückende Zynismus, der gewöhnlich mit dem Postmodernismus einhergeht, geht davon aus, dass alles schon einmal gemacht wurde, sodass es wenig Sinn macht, erfinderisch zu sein. Von Heyl widerspricht dieser pessimistischen Denkweise kühn und erschafft fantastisch komplexe Werke, die selbstbewusst ihre Neuartigkeit verkünden. Laut von Heyl ist ihre Absicht bei jedem neuen Gemälde, das sie schafft, „ein neues Bild zu machen, das für sich selbst als Tatsache steht.“ Sie ist keinem bestimmten Stil oder Verfahren verpflichtet, und die meisten ihrer Bilder ähneln einander kaum. Doch es gibt etwas Unmittelbares an ihren Werken, das die Hand ihrer Schöpferin vermittelt. Vielleicht ist es ihr Witz, ihre Kompositionsstruktur oder die Eigenschaften ihrer Oberfläche. Oder vielleicht ist es etwas weniger Offensichtliches und mehr Metaphysisches, das von Heyl gelingt, etwas in ihren Gemälden heraufzubeschwören, das verkündet, dass sie unbestreitbar ihr Eigenes sind.

Von der Inspiration zum Verstand

In einem kürzlichen Interview mit Jason Farago für das Even-Magazin beschrieb von Heyl, was sie täglich im Atelier zum Arbeiten inspiriert. Sie sagte: „Ich denke, es kommt daher, dass ich eine Fetischistin bin. Das begann, als ich ein Kind war. Jeden Tag, wenn ich etwas Glänzendes auf der Straße sah, hob ich es auf und verband sofort irgendeine Bedeutung damit, auf die eine oder andere Weise.“ Ihr Atelier beherbergt eine Vielzahl von Gegenständen, die aus einem oder anderem Grund ihr Interesse weckten, entweder wegen ihrer handwerklichen Eigenschaften oder wegen der Geschichte, die sie in ihnen zu spüren glaubt. Obwohl ihre Gemälde nicht direkt von diesen Gegenständen inspiriert sind, fließen die Ideen, die die Arbeit leiten, aus ihrer materiellen Präsenz oder den Geschichten, die sie zu erzählen scheinen. Ihre Methode mag zufällig sein und auf unerwarteten Verbindungen und Sprüngen der Vorstellungskraft beruhen. Doch betrachtet man die Gemälde, die sie in den letzten 30 Jahren geschaffen hat, ergibt das vollkommen Sinn. Jedes enthält die Geschichte seiner eigenen Entstehung – eine ästhetische Erforschung eines geistigen Fadens, in sich geschlossen, selbstbezüglich und voller Subjektivität.

Charline von Heyl – Bluntschli, 2005. Acryl und Öl auf Leinwand. 208 x 198 cm. ©Charline von Heyl. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Petzel, New York. Sammlung Ira G. Wool und Barbara Mirecki.

So eigenwillig ihre Gemälde auch sind, sie teilen eine bestimmte Energie; wie eine Anziehungskraft. Von Heyl verbringt Monate mit jeder Komposition, intellektualisiert die Arbeit und findet Wege, das Auge ins Bild zu locken. Sie setzt formale Elemente wie Farbe, Linie und grafische Formen ein, weil sie weiß, welche emotionale Wirkung sie auf den Betrachter haben werden. Diese Elemente sind jedoch nur Tricks. Sie sind nicht der Zweck der Arbeit – sie sind Werkzeuge, die die Künstlerin benutzt, um uns näher zu ziehen, damit wir uns auf unseren eigenen Prozess des Nachdenkens einlassen können. Wenn sie Erfolg hat, werden wir eine emotionale Reaktion auf das Werk haben, obwohl sich die Emotion, die von Heyl in uns hervorrufen möchte, im Laufe der Jahre verändert hat. „Als ich anfing“, erzählte sie Farago lachend, „wollte ich, dass die Gemälde die Menschen im Grunde quälen. Was ich jetzt will, ist etwas, das mehr verführt als erzürnt.“

Charline von Heyl – Idolores, 2011. Acryl und Öl auf Leinen. 157 x 152 cm. ©Charline von Heyl. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Petzel, New York. High Museum of Art, Atlanta, Schenkung der Alex Katz Stiftung, 2011.

Bleiben Sie eine Weile und schauen Sie

„Snake Eyes“ besteht aus mehr als 30 großformatigen Gemälden und bietet einen Rückblick auf den gesamten Verlauf ihrer 30-jährigen Laufbahn. Scharfsinnige Betrachter werden leicht Dutzende kunsthistorischer Bezüge in den Gemälden erkennen – von Heyl passt ihre Bildsprache an Quellen an, die so vielfältig sind wie Pop Art, Op Art, Minimalismus, Suprematismus, Farbflächenmalerei, Dada, Abstrakter Expressionismus und die Bewegung Muster und Dekoration, um nur einige zu nennen. Vermischt mit all diesen abstrakten Tendenzen sind gesunde Dosen Figuration. Im Gemälde „Yellow Guitar“ (2019) wird das Auge unweigerlich auf das Bild eines Messers oben und einer Weinflasche in der oberen rechten Ecke gezogen. Diese erkennbaren Bilder zusammen mit dem lebhaften gelben Schachbrettmuster könnten den Geist auf eine vergebliche Suche schicken, um die Gitarre zu finden. Die Mühe wäre vergeblich, denn die Bedeutung liegt nicht im Erkennbaren.

Charline von Heyl – Nunez, 2017. Acryl, Öl und Kohle auf Leinen. 208 x 198 cm. ©Charline von Heyl. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Petzel, New York. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Galerie Gisela Capitain, Köln und Petzel, New York.

Stattdessen wartet für von Heyl die Bedeutung in dem, was wir noch nicht sehen. Sie bezeichnet diesen Teil ihrer Methode als die Suche danach, „ein Gemälde lebendiger zu machen.“ Diese geheimnisvolle Eigenschaft – Lebendigkeit – zeigt sich in den endlosen Tiefen des Gemäldes „Mana Hatta“ (2017). Während Schablonen-Polka-Dot-Kaninchen über die Oberfläche tanzen, zittert eine geisterhafte, totemartige Kopfgestalt mit wirbelnden Kreisen und lyrischen Wellen. Zahlreiche Ebenen treten hervor und ziehen sich zurück, während die Farben vor unseren Augen zu entstehen scheinen. Wie bei den Interferenzfarben, die sie für dieses Gemälde verwendete und die die erwarteten Farbwerte der anderen Medien, mit denen sie in Berührung kommen, unterlaufen, strebt von Heyl stets nach unerwarteten Ergebnissen. Ihr Ziel ist es einfach, uns zu überzeugen, eine Weile zu verweilen und zu schauen, in der Hoffnung, dass etwas Unsichtbares auftaucht. Charline von Heyl: Snake Eyes ist bis zum 21. April 2019 im Hirshhorn Museum in Washington, DC, zu sehen.

Titelbild: Charline von Heyl – Catch Mad Wreck, 2011. Acryl auf Leinen. 152 x 127 cm. Privatsammlung, New York. ©Charline von Heyl. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Petzel, New York.
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio