Wie der analytische Kubismus die reine Abstraktion vorwegnahm

Was wie gegensätzliche Kräfte in der Welt erscheint, ergänzt sich tatsächlich gegenseitig. So war es auch zu Beginn des 20. Jahrhunderts zwischen zwei großen, gleichzeitig auftretenden Strömungen in der Kunstwelt: dem analytischen Kubismus und der reinen Abstraktion. Auf der einen Seite standen die Künstler, die mit analytischem Kubismus verbunden sind, berühmte Namen wie Pablo Picasso und Georges Braque, Genies, die sich der Entdeckung einer konzeptionell hyperrealistischen Art der Kunst widmeten. Auf der anderen Seite standen die Künstler, die mit reiner Abstraktion assoziiert werden; Personen wie Wassily Kandinsky, die sich der Entdeckung einer völlig gegenstandslosen Kunst verschrieben hatten. Obwohl scheinbar diametral entgegengesetzt, waren diese beiden unterschiedlichen Ansätze der Kunstschaffung untrennbar miteinander verbunden. Indem sie die objektive Wirklichkeit zerlegten, um sie umfassender darzustellen, halfen die analytischen Kubisten der reinen Abstraktion, ihre Stimme zu finden.

Was war analytischer Kubismus?

Wenn Kunstkritiker und Kunsthistoriker vom analytischen Kubismus sprechen, beziehen sie sich auf eine Strömung in der Malerei, die zwischen 1908 und 1912 entstand. Vor dieser Zeit wurden Gemälde entweder als zweidimensional (wenn sie keine Tiefe hatten) oder dreidimensional (wenn sie durch Techniken wie Schattierung einen Tiefeneindruck vermittelten) betrachtet. In dieser Zeit führte eine kleine Gruppe von Künstlern unter der Leitung von Pablo Picasso und Georges Braque revolutionäre ästhetische Experimente durch, die die Malerei in die vierte Dimension führen sollten.

Die alten Malweisen beruhten darauf, dass ein Künstler aus einer einzigen Perspektive arbeitete. Während dies geeignet war, ein momentanes Bild eines Motivs zu zeigen, erreichte es nicht das, was Picasso als Wirklichkeit ansah, nämlich die Wahrnehmung aus mehreren Perspektiven gleichzeitig. Um ein Gefühl von Bewegung und Zeitverlauf (die 4. Dimension) zu erreichen, verzichteten Picasso und sein Kollege Braque auf die Verwendung der Einzelperspektive. Ihr Argument war, dass wir in der Wirklichkeit Objekte aus einer Vielzahl unterschiedlicher Blickwinkel wahrnehmen. Wir sehen etwas zu verschiedenen Tageszeiten aus unterschiedlichen Blickwinkeln bei unterschiedlichem Licht, manchmal in Bewegung und manchmal stillstehend. Ihre Experimente versuchten, ihr Motiv auf diese realistischere Weise darzustellen, aus vielen verschiedenen Blickwinkeln gleichzeitig.

Pablo Picasso - Porträt von Ambroise Vollard, 1910, Öl auf Leinwand. 93 x 66 cm, Staatliches Museum der Schönen Künste Puschkin, Moskau, © 2017 Nachlass von Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Simultanität

Ihr Begriff für diese Art der Mehrfachperspektivenmalerei war Simultanität. Sie malten Teile ihres Motivs aus verschiedenen Blickwinkeln, bei unterschiedlichem Licht und zu verschiedenen Tageszeiten und kombinierten diese Teile dann auf einer einzigen Ebene, wobei alle unterschiedlichen Blickpunkte gleichzeitig gezeigt wurden, ohne einem davon besondere Vorzugsbehandlung zu geben. Um diesen Effekt zu verstärken, hielten sie ihre Farbpalette einfach und vermieden Schattierungen oder andere Techniken, die dem Bild Tiefe verleihen würden. Das Ergebnis war ein abgeflachtes, vielansichtiges Bild, das scheinbar aus vereinfachten geometrischen Formen zusammengesetzt war.

Für einen flüchtigen Betrachter könnte ein analytisches kubistisches Gemälde abstrakt erscheinen. Doch wahrer analytischer Kubismus war keine Abstraktion; vielmehr handelte es sich um eine Form gesteigerter Wirklichkeit. Das Ergebnis der Experimente von Picasso und Braque war in ihren Augen eine realistischere Darstellung ihres Motivs, zumindest aus konzeptioneller Sicht, wenn nicht wörtlich. Eines der frühesten Beispiele dessen, was wir heute analytischen Kubismus nennen, ist Picassos Porträt von Ambroise Vollard, gemalt 1909. Darin ist klar zu erkennen, dass das Motiv gegenständlich sein soll, während die verschiedenen Blickwinkel, das unterschiedliche Licht und die verschiedenen Ebenen uns ein Gefühl von Bewegung und Simultanität vermitteln, das unser Verständnis der Präsenz des Motivs vertieft.

Wassily Kandinsky - Die Kuh, 1910, Öl auf Leinwand, 95,5 cm x 105 cm

Unterdessen in München

Im selben Jahr, in dem Picasso sein Porträt von Ambroise Vollard in Paris malte, führte Wassily Kandinsky, der Künstler, dem bald die Erfindung der reinen Abstraktion zugeschrieben werden sollte, in Deutschland seine eigenen ästhetischen Experimente durch. Kandinsky arbeitete ebenfalls mit der Idee der Flächigkeit und Vereinfachung des ästhetischen Vokabulars, jedoch aus anderen Gründen als Picasso und Braque. Kandinsky hatte die Mission, völlig abstrakte Gemälde zu schaffen. Er glaubte, dass visuelle Kunst, ähnlich wie Instrumentalmusik, die Fähigkeit besitzen könnte, tiefere Gefühle und vielleicht ein Gefühl von Spiritualität zu vermitteln, indem sie auf rein abstrakter Ebene kommuniziert.

Kandinskys Experimente waren eine Erweiterung und ein Höhepunkt vieler verschiedener Strömungen, die seit Mitte des 19. Jahrhunderts in der Kunst stattfanden. Er zerlegte die Malerei in ihre wesentlichen Elemente wie Farbe, Linie und Form und erforschte, was jedes dieser Elemente für sich allein ausdrücken könnte. Er glaubte, dass diese Elemente mit verschiedenen musikalischen Noten, Tonarten oder Tempi vergleichbar seien, im Sinne der Wirkung, die sie auf die menschliche Psyche haben könnten. Ein Beispiel für Kandinskys Arbeit aus dieser Zeit ist sein Gemälde Die Kuh, das, obwohl klar gegenständlich, eine Abflachung des Raums und eine radikale Zerlegung der ästhetischen Elemente des Bildes erreicht.

Wassily Kandinsky - Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell), 1910, Aquarell, Tusche und Bleistift auf Papier, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Paris, Frankreich

Welten verbinden sich

In Frankreich flachten Picasso und Braque ihre Bilder ab und reduzierten ihr ästhetisches Vokabular, um ihr Motiv aus mehreren verschiedenen Blickwinkeln vereinfacht darzustellen. Und in Deutschland strebte Kandinsky ebenfalls nach Flächigkeit und Zweidimensionalität und vereinfachte seine Bildsprache, jedoch aus einem anderen Grund. Anstatt geometrische Formen zu verwenden, um das Verständnis eines Betrachters für das Motiv eines Gemäldes zu vertiefen, erforschten Kandinsky und Gleichgesinnte, welche Bedeutungen sich aus geometrischen Formen gewinnen lassen, wenn sie unabhängig von gegenständlichem Motiv eingesetzt werden.

Jemand, der den Zweck der unterschiedlichen Experimente der Künstler nicht kannte, könnte eines ihrer Gemälde sehen und mit einem ganz anderen Verständnis davon weggehen, als es tatsächlich beabsichtigt war. Doch diese beiden unterschiedlichen Denkrichtungen waren dennoch in ihrer Absicht ziemlich gegensätzlich. Im selben Jahr, in dem er Die Kuh malte, hatte Kandinsky einen Durchbruch. Er verband seine eigenen Theorien über Instinkt, Spiritualität und Farbe mit den Theorien der analytischen Kubisten über Flächigkeit und geometrische Vereinfachung und schuf das, was die meisten Kunsthistoriker heute als das erste rein abstrakte Gemälde ansehen: Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell).

Jean Metzinger - Teestunde, 1911, Öl auf Pappe, 75,9 x 70,2 cm, Philadelphia Museum of Art, The Louise and Walter Arensberg Collection, 1950, Philadelphia

Mehrfache gleichzeitige Simultanitäten

Es ist heute amüsant, sich die Aufregung vorzustellen, die Kandinskys Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell) und die analytisch-kubistischen Gemälde von Picasso und Braque ausgelöst haben müssen, und das Gefühl, das viele Maler gehabt haben müssen, sich entscheiden zu müssen. In den folgenden Jahren griffen viele andere Maler den analytischen Kubismus auf und erforschten zusammen mit Picasso und Braque weiterhin die vierte Dimension in ihren Werken. In manchen Fällen wurden ihre Gemälde immer weiter vereinfacht und zeigten eine klare Vorstellung davon, worum es beim analytischen Kubismus ging. Zum Beispiel gilt Jean Metzingers Teestunde als besonders direktes, vielleicht recht offensichtliches Beispiel für die Absicht des analytischen Kubismus. Es zeigt Simultanität wirkungsvoll, während es sich auf eine begrenzte Anzahl verschiedener Perspektiven stützt.

Andere analytische Kubisten schufen Werke, die in die entgegengesetzte Richtung gingen, dichter und komplexer wurden und es zunehmend erschwerten, das Motiv zu erkennen. Ein Beispiel ist Pablo Picassos Akkordeonspieler, gemalt 1911. Obwohl Picasso nicht beabsichtigte, dass dies ein abstraktes Gemälde sein sollte, missverstehen viele Betrachter dieses Werk bis heute und halten es für abstrakt, einfach weil es schwer ist zu erkennen, was dargestellt wird – besonders angesichts der vielen anderen Maler, die zur gleichen Zeit absichtlich abstrakte Werke schufen.

Pablo Picasso Akkordeonspieler, 1911, Öl auf Leinwand, 130,2 x 89,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Nachlass von Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Spielt die Absicht wirklich eine Rolle?

Es wurde oft bemerkt, dass sich die Wirkung eines Gedichts ändert, wenn man den Dichter persönlich kennt. Dasselbe lässt sich leicht über ein Gemälde, ein Musikstück oder vielleicht jedes Kunstwerk sagen. Obwohl die analytischen Kubisten nicht beabsichtigten, zur Entstehung der reinen Abstraktion beizutragen, hatte der beiläufige Betrachter, der sie nicht persönlich kannte und nichts von der Theorie hinter ihrer Arbeit wusste, zweifellos Reaktionen auf die Werke, die mit den Absichten der Künstler nichts zu tun hatten.

Ob es ihre Absicht war oder nicht, halfen die analytischen Kubisten den reinen Abstraktionisten, indem sie das Publikum, einschließlich Kritiker und Historiker, darauf vorbereiteten, Experimente mit Struktur und Perspektive zu akzeptieren. Ihre Werke schienen gegenstandslos, enthielten jedoch dennoch Motive, sodass die Betrachter neben dem, was die analytischen Kubisten beabsichtigten, auch andere Empfindungen auf einer unbewussten Ebene empfanden. Dieser Beitrag, den Betrachtern zu helfen, unbewusste emotionale Reaktionen auf scheinbar gegenstandslose Bilder einzuordnen, war der wichtigste Beitrag des analytischen Kubismus zur Entwicklung der reinen Abstraktion.

Ja, analytischer Kubismus und reine Abstraktion waren gegensätzliche Kräfte in Bezug auf die Absicht. Doch indem der bildliche Raum herausgefordert und das öffentliche Verständnis von gegenständlicher Wirklichkeit verzerrt wurde, ergänzte der analytische Kubismus die reine Abstraktion und half ihr, in der Öffentlichkeit Anerkennung zu finden. Obwohl scheinbar entgegengesetzt, trugen diese beiden radikal unterschiedlichen Herangehensweisen an die Kunst viel zum Erfolg des jeweils anderen bei.

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio