Mary Corse: Eine Umfrage im Licht im Whitney

Eine große Retrospektive der Karriere von Mary Corse ist diesen Sommer im Whitney Museum of American Art in New York zu sehen. Betitelt Mary Corse: A Survey in Light, berührt die Ausstellung viele der wichtigen Entdeckungen, die Corse in ihrem Atelier in den letzten 50 Jahren gemacht hat. Fast im Rückblick quantifiziert die aktuelle Forschung Corse als Mitglied der Light and Space Movement, die in den 1950er und 60er Jahren in Kalifornien entstand. In der Tat scheint dies auf den ersten Blick, sozusagen, eine treffende Aussage über diese Künstlerin zu sein, da Licht und Raum für viele ihrer Werke integraler Bestandteil sind. Doch wie diese Ausstellung zeigt, ist ihr Werk tatsächlich viel schwieriger zu klassifizieren, als es dieses praktische Etikett vermuten lässt. Neben Licht und Raum hat Corse im Laufe ihrer Karriere mit vielen anderen Ideen gerungen, einschließlich der Geheimnisse der Flachheit, Wahrnehmung, Subjektivität und der Idee, dass weniger mehr ist. In gewissem Sinne ist sie ebenso an Wissenschaft und Philosophie interessiert wie an Kunst. Eine ihrer größten Sorgen ist die Idee, dass kein Kunstwerk ohne einen menschlichen Geist existieren kann, der in der Lage ist, es wahrzunehmen.

Kein Baum, kein Wald

Es gibt ein altes Rätsel, das Sie wahrscheinlich schon einmal gehört haben, das fragt: „Wenn ein Baum im Wald fällt, aber niemand da ist, um ihn zu hören, macht er dann ein Geräusch?“ Mary Corse gab 2015 in einem Interview mit Alex Bacon für die Brooklyn Rail ihre Sicht auf diese Frage. Sie sagte: „Es gibt keine äußere Realität ohne Wahrnehmung. Mit anderen Worten, der Baum fällt nicht, wenn niemand hinschaut.“ Alles an diesem Rätsel hängt von der Menschheit ab. Wenn niemand im Wald mit kognitiver Wahrnehmungsfähigkeit ausgestattet ist, macht der Baum nicht nur kein Geräusch, sondern es gibt keinen Baum, denn das Wort Baum, die Vorstellung eines Waldes, das Konzept von Geräusch – das sind alles menschliche Konstrukte. Sie existieren unabhängig von konkreten Realitäten nur in unseren Köpfen. Die Idee des Daseins erfordert Wahrnehmung.

Mary Corse - Untitled (Black Earth Series), 1978. Keramik, zwei Fliesen, 96 x 48 Zoll (243,8 x 121,9 cm). Mit freundlicher Genehmigung von Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York; und Lisson Gallery, London. Foto © Mary Corse

Kunst ist daher die Reformierung der Existenz, wie sie durch den Körper manifestiert und durch den Geist übersetzt wird. Corse ist nicht so sehr eine Licht- und Raumkünstlerin, sondern einfach eine Künstlerin, deren Erfahrung der Realität von den Qualitäten von Licht und Raum beeinflusst wurde. Ihre Affektion begann eines Nachts in den 1960er Jahren beim Fahren, als sie die reflektierende Natur der weißen Linien auf der Straße bemerkte. Sie spürte die Existenz von Licht und Raum durch ihre Erfahrung damit. Als sie in ihr Studio zurückkehrte und versuchte, diese Erfahrung zu übersetzen, sie in ein physisches Objekt zu reformieren, führten ihre Bemühungen sie dazu, die gleichen Glasorbs zu suchen, die in bemalten Straßenlinien zu finden sind, damit sie sie in ihre Farbe mischen konnte. Dieser Durchbruch eröffnete die Möglichkeit, dass die Betrachter das gleiche Gefühl teilen könnten, das sie in ihrem Auto hatte, wenn sie auf ihr Werk stoßen.

Mary Corse - Untitled (Black Earth Series), 1978. Keramik, zwei Fliesen, 96 x 48 Zoll (243,8 x 121,9 cm). Mit freundlicher Genehmigung von Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York; und Lisson Gallery, London. Foto © Mary Corse

Licht, Raum, Farbe, Erde und Geist

Neben ihren Glasorb-Gemälden untersucht die Whitney-Retrospektive auch viele andere Werkgruppen, die Corse entwickelt hat. Ein Beispiel sind ihre Lichtkästen, die sie zuerst machte, indem sie Kästen mit Glühbirnen an die Wand hängte, mit Drähten, die von ihnen herunterhingen. Dann entfernte sie die Wand und hängte die Lichtkästen an Drähte, die an der Decke befestigt waren. Dann entschied sie, dass sie die Drähte ganz loswerden wollte, also belegte sie einen Physikkurs und lernte, ihren eigenen Generator mit Tesla-Spulen zu bauen. Corse versuchte, die Erfahrung so zu isolieren, dass das Werk keine Spur ihrer Hand zeigte. Sie wollte eine Erfahrung schaffen, die völlig objektiv war.

Mary Corse - Untitled (White Multiple Inner Band), 2003. Glas-Mikrosphären und Acryl auf Leinwand, 96 x 240 in. (243,8 x 609,6 cm). Mit freundlicher Genehmigung von Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York; und Lisson Gallery, London. Foto © Mary Corse

Ihre Physikstudien führten sie jedoch zur Quantenphysik, die ihr die Lektion des Baumes und des Waldes lehrte: dass es keine Objektivität gibt; alles ist subjektiv. Als sie die Subjektivität der Wahrnehmung wieder annahm, wandte sich Corse von Plastik und Licht ab und schuf ein Werk, das sie Black Earth paintings nannte – schwarze keramische Platten, die nach Abdrücken des Erdbodens rund um ihr ländliches Zuhause in Kalifornien modelliert wurden. Wie in der Whitney-Ausstellung deutlich wird, reflektieren die keramischen Oberflächen dieser Black Earth paintings immer noch Licht, aber das Licht ist nicht ihre einzige Sorge. Ihre Präsenz verändert sich, während der Betrachter um sie herumgeht, was die Werke kinetisch macht. Das bedeutet, dass sie tatsächlich mehr über Energie sprechen, das zugrunde liegende Prinzip sowohl von Bewegung als auch von Licht.

Mary Corse - Untitled (White Diamond, Negative Stripe), 1965. Acryl auf Leinwand, 84 x 84 Zoll (213,36 x 213,36 cm). Sammlung von Michael Straus. Foto © Mary Corse

Kunst ist eine Geisteshaltung

Neben ihren Light Boxes, White Light Gemälden und Black Earth Gemälden umfasst die Whitney-Ausstellung auch Beispiele der freistehenden, mehrteiligen Skulpturen, die Corse schafft. Diese Werke nutzen Licht, indem sie es von ihren weißen, bemalten Oberflächen reflektieren, und sie nutzen auch die dünnen Bänder des leeren Raums, die zwischen den Paneelen existieren. Diese Teilung, die aus Leere besteht, ist eine Idee, zu der Corse oft zurückgekehrt ist. In ihren frühesten Werken teilte sie ihre Gemälde mit einem vertikalen Streifen. In einigen neueren Arbeiten existiert auch eine Mittellinie, die jedoch nur von vorne sichtbar ist – sie verschwindet, wenn man sie von der Seite betrachtet. Ebenso würde die Teilung verschwinden, wenn man eine ihrer freistehenden Skulpturen von der Seite betrachtet. Dies wirft erneut Fragen über die Beziehung zwischen Existenz und Wahrnehmung auf.

Mary Corse - Untitled (Zwei Dreieckssäulen), 1965. Acryl auf Holz und Plexiglas, zwei Teile, 92 x 18 1/8 x 18 1/8 Zoll (233,7 x 46 x 46 cm) und 92 x 18 1/16 x 18 Zoll (233,7 x 45,9 x 45,7 cm). Whitney Museum of American Art, New York; Geschenk von Michael Straus in liebevoller Erinnerung an Howard und Helaine Straus 2016.6a-b

Interessanterweise stehen solche Fragen auch im Mittelpunkt ihrer beruflichen Laufbahn, da das Interesse an Corces Arbeit in den letzten Jahren immens gewachsen ist. Sie hat immer still gearbeitet, selten ausgestellt und sich kaum mit ihren Zeitgenossen verbunden. Jetzt, da so viele Menschen und Institutionen wahrnehmen, was sie erreicht hat, wird ihre Karriere greifbarer. Deshalb ist eine Umfrage wie diese im Whitney jetzt wichtiger denn je. Sie wirkt wie ein Desinfektionsmittel, das die Krankheit der Unbeständigkeit in der Kunstwelt bekämpft, indem sie zeigt, dass Corse zeitlos und nicht klassifizierbar ist, und ihre Definition als Light and Space-Künstlerin widerlegt, indem sie zeigt, dass ihre Arbeit so komplex ist, wie der Verstand es wahrnehmen kann.

Vorschaubild: Mary Corse - Untitled (Space + Electric Light), 1968. Argonlicht, Plexiglas und Hochfrequenzgenerator, 45 1/4 x 45 1/4 x 4 3/4 Zoll (114,9 x 114,9 x 12,1 cm). Museum of Contemporary Art San Diego; Museumsankauf mit Mitteln der Annenberg Foundation. Foto von Philipp Scholz Rittermann

Von Phillip Barcio