Die Mnuchin Gallery denkt, es ist an der Zeit, dass Sie von Mary Lovelace O'Neal hören.

Die Mnuchin Gallery in New York hat kürzlich angekündigt, dass sie Anfang 2020 die Einzelausstellung "Chasing Down the Image" präsentieren wird, die die gesamte Karriere von Mary Lovelace O’Neal nachzeichnet. Dies ist großartige Nachrichten für Fans, die die bemerkenswerte Arbeit von O’Neal seit einem halben Jahrhundert verfolgen. Aber dieselben Fans könnten auch verwirrt sein über die Sprache, die die Galerie zur Förderung der Ausstellung verwendet. In einem kürzlichen Interview mit artnet news stellte die Partnerin der Mnuchin Gallery, Sukanya Rajaratnam, die Ausstellung als eine Gelegenheit dar, eine Künstlerin wiederzuentdecken, die von der Geschichte übersehen wurde. Das scheint eine seltsame Bemerkung über eine Künstlerin zu sein, die seit ihrer ersten Einschreibung im Kunstbereich an der Howard University im Jahr 1960 kontinuierlich Kunst schafft und ausstellt. O’Neal erhielt 1963 ein prestigeträchtiges Stipendium an der Skowhegan School of Painting and Sculpture und erwarb ihren MFA an der Columbia University in New York, wo sie eine unverwechselbare visuelle Stimme entwickelte, die ihr 1979, als sie erst 37 Jahre alt war, eine Einzelausstellung im Museum of Modern Art in San Francisco einbrachte. Anschließend unterrichtete sie in einigen der renommiertesten Kunstprogramme in den USA, darunter der University of Texas at Austin, dem San Francisco Art Institute und der University of California, Berkeley, wo sie die erste schwarze Frau wurde, die eine Tenure erhielt. Währenddessen hat O'Neal ihre Arbeiten umfassend ausgestellt, fast jedes Jahr, einschließlich mehrerer zusätzlicher Einzelausstellungen in Museen. Sie hat auch die Vereinigten Staaten in etwa einem halben Dutzend internationaler Kunstbiennalen vertreten. Ich wurde 2009, während ich in San Francisco lebte, erstmals auf ihre Arbeit aufmerksam. Ich wurde getadelt, weil ich noch nichts von ihr wusste – sie ist für viele Kalifornier eine Legende. Während ich also absolut denke, dass es wunderbar ist, dass Mnuchin O’Neal zeigt, was bedeutet es für eine Künstlerin, die schon immer hier war, wiederentdeckt zu werden?

Ein Meister der figurativen Abstraktion

O’Neal hat auf zwei wesentliche Einflüsse in ihrer Kunstproduktion hingewiesen: Abstrakter Expressionismus und Minimalismus. Sie schätzt die gestische, texturale Kakophonie, die von Abstrakten Expressionisten wie Willem de Kooning und Franz Kline hervorgerufen wird, und bemerkt, wie ihre Methoden es ermöglichen, die "immateriellen" Aspekte des menschlichen Lebens auszudrücken. Sie bewundert auch die Stille des Minimalismus, die einen kontrastierenden Ausgleich zu ihrer Arbeit bietet. Während ihres Aufenthalts in Skowhegan in den 60er Jahren kam O’Neal erstmals mit einem Medium namens Lampenschwarz in Kontakt – einer Art Kohlenrückstand, der manchmal als Malpigment verwendet wird. Jahre später erkannte sie, dass sie durch das direkte Reiben des rohen Pigments auf die Oberfläche einer Leinwand emotive physische Gestik – ein Ideal des Abstrakten Expressionismus – nutzen konnte, um totale Flachheit zu schaffen – ein Ideal des Minimalismus. Ihre "Lampenschwarz"-Gemälde waren die ersten, die ihr breite öffentliche Aufmerksamkeit einbrachten.

Mary Lovelace O’Neal - Schwarze Glitzer-Nächte, 1970er Jahre. © Mary Lovelace O’Neal. Mit freundlicher Genehmigung der Mnuchin Gallery, New York

Gleichwertig zu ihrer Beherrschung der Mediumspezifität ist die Tiefe ihrer kompositorischen Instinkte. Perfekt platzierte gestische Striche und Farben spielen mit dem Lampenschwarz, um traumähnliche innere Welten hervorzurufen, in denen gespenstische figurative Eindrücke im abstrakten Dunst lauern. Sparsam platzierte Linien schaffen unzählige Wahrnehmungszonen in „Black Glitter Nights“ (1970er Jahre); Leichtigkeit und Gewicht drücken gegeneinander in „Last Lay up“ (1979); schleichende Angst schleicht sich in Offenheit und Laune in „She thought she could fool the zebra with powder and paint“ (2007). In „See, so heaven can hear you“ (2007), einem ihrer meisterhaftesten Ausdrucksformen dessen, was lose als Figurative Abstraktion beschrieben werden könnte, scheinen tanzende Figuren inmitten eines Schocks von feurigem Rot zu vibrieren, das aus der Schwärze hervorbricht. Was jede dieser Malereien davon abhält, rein figurativ zu sein, ist das Geheimnis, das sie bewahren. Dieses Geheimnis war auch immer wesentlich für O’Neal selbst, die sagt: „Wenn ich nicht überrascht sein könnte von dem, was ich mache, würde ich es wahrscheinlich nicht tun.“

Mary Lovelace O’Neal - City Lights, 1988. Offsetlithografie und Siebdruck; Blatt (unregelmäßig): 28 1/8 × 32 1/8 Zoll. Saint Louis Art Museum, Die Thelma und Bert Ollie Memorial Collection, Geschenk von Ronald und Monique Ollie. © Mary Lovelace O’Neal

Der Fall für die Wiederentdeckung

Trotz der Tatsache, dass O’Neal ihre Arbeit über ihre gesamte Karriere hinweg stetig weiterentwickelt hat und nie wirklich aufgehört hat, auszustellen, dreht sich das Argument von Rajaratnam, dass O’Neal vernachlässigt wurde, um zwei Punkte. Erstens hatte O’Neal seit 25 Jahren keine Einzelausstellung in New York. Rajaratnam sagte gegenüber artnet news: „Vielleicht hat sie, da sie an der Westküste lebt, eine Tenure-Professur hat und schließlich Vorsitzende der Kunstabteilung an der UC Berkeley ist, sie von der größeren Kunstwelt isoliert.“ In diesem gleichen Zeitraum von 25 Jahren hatte O’Neal jedoch Einzelausstellungen in San Francisco, Oakland, New Orleans, Jackson, Mississippi und Santiago, Chile. Was ist also mit der „größeren Kunstwelt“ gemeint? Es scheint mir, dass Rajaratnam von der kleineren Kunstwelt spricht: derjenigen, die die veraltete Einstellung vertritt, dass jede Stadt außerhalb von New York provinziell ist und dass eine Ausstellung in diesen anderen Städten dem Übersehen gleichkommt.

Mary Lovelace O’Neal - Laufen mit schwarzen Panthern und weißen Tauben (Mitte der 1980er/Jahre Anfang der 1990er). © Mary Lovelace O’Neal Courtesy Mnuchin Gallery, New York

Das zweite Argument, das Rajaratnam dafür anführt, dass O’Neal übersehen wird, bezieht sich darauf, dass sie nicht in den Dialog rund um die Wanderausstellung Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power einbezogen wurde, die der Arbeit vieler anderer schwarzer amerikanischer Künstler aus der Bürgerrechtsära neue Aufmerksamkeit geschenkt hat. "Es ist ein Versäumnis, das korrigiert werden muss", sagt Rajaratnam. Dieser Punkt könnte berechtigt sein. Allerdings ist diese Ausstellung die Vision eines kuratorischen Teams, nicht die offizielle Geschichte. Und während diese Ausstellung tourte, war O’Neal in so bemerkenswerten Ausstellungen wie der Thelma and Bert Ollie Memorial Collection Show im Saint Louis Art Museum und Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today, einer Ausstellung, die vollständig um die Arbeiten schwarzer weiblicher abstrakter Künstlerinnen aufgebaut ist, die im National Museum of Women in the Arts in Washington, D.C. debütierte und dann zum Kemper Museum of Contemporary Art in Kansas City, Missouri, und zum Museum of Fine Arts St. Petersburg reiste, enthalten. Rajaratnam gibt zu, dass sie 2019 zum ersten Mal von O’Neal erfuhr, als das Baltimore Museum of Art eines ihrer Gemälde kaufte. Allerdings ist es nicht richtig zu sagen, dass ein Künstler übersehen wurde, nur weil man persönlich noch nie von ihm gehört hat; das ignoriert die Tatsache, dass Zehntausende von Fans O’Neal seit Jahrzehnten kennen und bewundern. Es gibt viele Künstler, die heute arbeiten. Die meisten ihrer Werke werden für die meisten Zuschauer neu sein. Niemand kennt jeden. Können wir Wege finden, die Errungenschaften älterer Künstler, die uns neu sind, zu feiern, ohne so zu tun, als hätte sonst niemand jemals von ihren Arbeiten gehört?

Vorschaubild: Mary Lovelace O’Neal - Hammem, 1984. © Mary Lovelace O’Neal. Mit freundlicher Genehmigung der Mnuchin Gallery, New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio