Auf einer Reise mit Antoni Tàpies

Als Antoni Tàpies 2012 verstarb, hinterließ er eine gewaltige Lücke in der spanischen Kultur. Er war ohne Zweifel der einflussreichste spanische bildende Künstler seiner Generation, und in vielerlei Hinsicht ist es schwer, sich die spanische Avantgarde der Nachkriegszeit ohne ihn vorzustellen. Tatsächlich kann man mit Sicherheit sagen, dass die Kunst des 20. Jahrhunderts ohne Tàpies weltweit ganz anders verlaufen wäre. In einer entscheidenden Phase der Geschichte seines Landes wandte sich Tàpies von seinem bequemen bürgerlichen Schicksal ab und widmete sich stattdessen dem unsicheren Leben als Künstler. Er war einer der sechs Gründer von Dau al Set, einem äußerst einflussreichen avantgardistischen Künstlerkollektiv, das von 1948 bis 1956 aktiv war. Nach seinem Austritt aus der Gruppe im Jahr 1952 entwickelte Tàpies eine Bildsprache, die die radikalsten Elemente des Surrealismus und Dada mit den Grundlagen der formalen Abstraktion und den aufkommenden weltweiten Strömungen des Informel verband. Aus den Wurzeln von Mystik und Metaphysik formte er eine universelle ästhetische Philosophie, die auf der Wertschätzung natürlicher Materialien und einer Verbindung zur Erde und ihren Elementen basierte. Sein Werk gipfelte in den sogenannten „Materiebildern“ – Kunstwerken, die aus alltäglichen Fundstücken bestehen, diese feiern und aus ihnen geformt sind. Neben einem umfangreichen Nachlass an Essays und Vorträgen wurde er schließlich ebenso sehr für seine philosophische Sicht auf die Kunst bekannt wie für seine Werke selbst. Er fasste seine grundlegende Haltung zu Kunst und Leben mit den Worten zusammen: „Perfektion kann nicht allein aus edlen Ideen entstehen, sondern muss mit einer Beziehung zur Erde einhergehen.“

Die siebte Seite

Als der Spanische Bürgerkrieg 1939 endete, fiel das Land fest in die Hände eines faschistischen, nationalistischen Regimes. Unter der Führung von General Francisco Franco predigte das Regime, dass alle Elemente der spanischen Kultur darauf ausgerichtet sein sollten, die politische Macht der Regierung zu verbreiten und zu erhalten. Unter anderem setzte sich Franco dafür ein, dass alle Kunst im Stil des faschistischen Realismus geschaffen werden sollte. Außerdem verbot er die Verwendung der katalanischen Sprache. Dies war für die Generation junger Künstler, die mit der Verehrung spanischer Avantgarde-Größen wie Pablo Picasso, Joan Miró und Salvador Dalí aufgewachsen waren, qualvoll. Unter jungen Künstlern breitete sich schnell die Angst aus, die moderne spanische Kultur sei dem Untergang geweiht. Doch mindestens sechs kulturelle Revolutionäre hatten andere Pläne. Der katalanische Dichter Joan Brossa organisierte 1948 gemeinsam mit Tàpies, Joan Ponç, Modest Cuixart, dem Philosophen Arnau Puig und dem unabhängigen Verleger Joan-Josep Tharrats eine Gruppe, die darauf abzielte, die nationalistische Agenda zu unterwandern. Sie hofften, die Saat für eine neue, antifaschistische Avantgardekultur zu legen. Zu Ehren ihrer Helden, der Surrealisten und Dadaisten, nannten sie sich Dau al Set – ein Begriff für die nicht existierende siebte Seite eines sechsseitigen Würfels.

Antoni Tàpies - Chaises (Stühle), 1981. Carborundum. Maße: 92 x 139 cm; Blatt: 93 x 139 cm. Herausgeber: Galerie Lelong, Paris. Drucker: Joan Barbarà, Barcelona. Auflage 30. MoMA Sammlung. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.

Da die Worte katalanisch waren, war der Name Dau al Set von vornherein umstritten, und seine quasi-mystischen Anklänge signalisierten die Annahme der Vorstellung, dass elitäre Logik die Welt nur in Kriege geführt habe. Dau al Set verbreitete seine Ideen und seine einzigartige Bildsprache über eine gleichnamige Zeitschrift, die auf der persönlichen Druckerpresse von Tharrats erschien. Die Artikel wurden ebenfalls in der verbotenen katalanischen Sprache verfasst, und die Bilder zeigten eine Mischung aus Mystik, Fantasie und reiner Abstraktion – alles in direktem Gegensatz zur faschistischen Herrschaft Francos. Von den drei Künstlern der Gruppe war Tàpies der abstrakteste. Er war Autodidakt, seine Bilder waren von Philosophie inspiriert, und seine Methoden gründeten sich auf der reinen Freude an Materialien und Techniken. Er experimentierte damit, ungewöhnliche Zusätze in seine Ölfarben zu mischen, und begann bald, Fundstücke und Gegenstände in seine Farben einzubinden. Bis 1952 war er so sehr auf der Suche nach seinem eigenen künstlerischen Weg, dass er Dau al Set verließ. Von da an widmete sich Tàpies ganz der informellen Abstraktion und der Erforschung von Mischtechniken als eigenständiger ästhetischer Position.

Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 Aquatinta-Drucke (einschließlich Umschlag) mit Carborundum, Collagraphie und/oder Aquatinta sowie 1 Radierung mit Carborundum; und ergänzende Suite. Unregelmäßige Seite 52 x 41 cm. Drucke: verschiedene Maße. Herausgeber: Maeght Éditeur, Paris. Druckerei: Atelier Morsang, Paris. Auflage 195+. Mrs. Gilbert W. Chapman Fund und Geschenk der Galerie Maeght. MoMA Sammlung. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.

Die Materie der Malerei

Neben seiner Autodidaktik als Künstler war Tàpies auch ein autodidaktischer Kunsttheoretiker. Gerade in seinen Schriften finden wir viele Einsichten in das Wesen seiner Kunst. Zwei seiner aufschlussreichsten Zitate lauten: „Wenn ich die Welt nicht verändern kann, will ich zumindest die Art und Weise verändern, wie die Menschen sie sehen“ und „Tiefe liegt nicht an einem entfernten, unerreichbaren Ort. Sie wurzelt im Alltag.“ Beide Aussagen finden wir in Werken wie „Großes Gemälde“ (1958) wieder, einer Karton-Collage in der Farbe von Erde. Die Oberfläche des Werks wirkt verkohlt, verletzt und befleckt. Es ist aus den einfachsten Materialien mit den rohesten Techniken von der Hand eines Künstlers ohne formale ästhetische Ausbildung geschaffen. Doch innerhalb der Komposition begegnen wir perfekter Balance, chromatischer Harmonie und einer Vielzahl von Texturen und Farbtönen. Diese Materialien würden wir auf der Straße einfach übersehen, doch hier können unsere Augen sich in einer exotischen Schatzkarte von unendlicher Tiefe und mystischem Gekritzel verlieren.

Antoni Tàpies - Saint Gall, 1962. Lithographie. Geschenk von Paul F. Walter. MoMA Sammlung. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.

Tàpies erweiterte sein Denken auch auf den Bereich der Bildhauerei. Eines seiner bekanntesten Werke, „Schreibtisch mit Stroh“ (1970), ist so schlicht, wie der Titel es sagt – eine Zusammenstellung eines echten Holztisches, der mit Stroh bedeckt ist. Die Materialkombination wirkt zunächst unsinnig, doch die vollkommene Schönheit ihrer Gegenüberstellung verleiht dem Werk eine Aura des Unvermeidlichen, macht es vollkommen vernünftig, nicht als Möbelstück, sondern als Kunst. Dagegen verfolgt „Offenes Bett“ (1986) einen gegenteiligen Ansatz. Ein vollgroßes Bett aus feuerfestem Ton, mit Emailfarbe bemalt, steht in direktem Gegensatz zu seiner Form. Doch es dauert nicht lange, bis der Betrachter erkennt, dass die Absurdität, auf Ton zu schlafen, schmilzt, wenn wir die Erde als unser Bett betrachten. Wie bei allen Werken von Tàpies liegt die Tiefe im Alltäglichen; es kommt ganz darauf an, wie man es betrachtet.

Titelbild: Antoni Tàpies - Großes Gemälde, 1958. Öl mit Sand auf Leinwand. 199,3 x 261,6 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Artists Rights Society (ARS), New York/VEGAP, Madrid.
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio