Auf einer Reise mit Antoni Tàpies

Als Antoni Tàpies 2012 starb, hinterließ er ein riesiges Loch in der spanischen Kultur. Er war zweifellos der einflussreichste spanische bildende Künstler seiner Generation, und in vielerlei Hinsicht ist es schwer vorstellbar, die spanische Avantgarde nach dem Zweiten Weltkrieg ohne ihn zu denken. Tatsächlich kann man sogar sagen, dass die Kunst des 20. Jahrhunderts ohne Tàpies weltweit ganz anders gewesen wäre. In einer entscheidenden Zeit in der Geschichte seiner Nation wandte sich Tàpies von seinem komfortablen bürgerlichen Schicksal ab und widmete sich stattdessen dem ungewissen Leben als Künstler. Er war einer der sechs Gründer von Dau al Set, einem äußerst einflussreichen avantgardistischen Kunstkollektiv, das zwischen 1948 und 1956 aktiv war. Nachdem er 1952 die Gruppe verlassen hatte, entwickelte Tàpies eine visuelle Sprache, die die radikalsten Elemente des Surrealismus und Dada mit den Grundlagen der formalen Abstraktion und aufkommenden globalen Trends im Informalismus verband. Aus den Wurzeln des Mystizismus und der Metaphysik formte er eine universelle ästhetische Philosophie, die auf einer Wertschätzung für natürliche Materialien und einer Verbindung zur Erde und ihren Elementen basierte. Sein Werk kulminierte in dem, was als seine „Materie-Malereien“ bekannt wurde – Kunstwerke, die aus alltäglichen, gefundenen Materialien bestehen, mit denen er sich umgeben sah, und die diese Materialien feiern. Er hinterließ eine große Sammlung von Essays und Vorträgen und wurde schließlich ebenso für seine philosophische Sicht auf die Kunst bekannt wie für sein Werk selbst. Er fasste seine grundlegende Sicht auf Kunst und Leben in der Aussage zusammen: „Vollkommenheit kann nicht einfach aus edlen Ideen kommen, sondern sollte mit einer Beziehung zur Erde einhergehen.“

Die siebte Seite

Als der Spanische Bürgerkrieg 1939 endete, kam das Land fest in die Hände eines faschistischen, nationalistischen Regimes. Unter der Führung von General Francisco Franco predigte das Regime, dass alle Elemente der spanischen Kultur darauf ausgerichtet sein sollten, die politische Macht der Regierung zu verbreiten und aufrechtzuerhalten. Unter anderem forderte Franco, dass alle Kunst im Stil des faschistischen Realismus geschaffen werden sollte. Er verbot auch die Verwendung der katalanischen Sprache. Dies war qualvoll für die Generation junger Künstler, die mit dem Idol der spanischen Avantgarde-Riesen wie Pablo Picasso, Joan Miró und Salvador Dali aufgewachsen war. Die Angst verbreitete sich schnell unter den jungen Künstlern, dass die moderne spanische Kultur zum Scheitern verurteilt sei. Aber mindestens sechs kulturelle Revolutionäre hatten andere Pläne. Der katalanische Dichter Joan Brossa organisierte 1948 mit Tàpies, Joan Ponç, Modest Cuixart, dem Philosophen Arnau Puig und einem unabhängigen Verleger namens Joan-Josep Tharrats eine Gruppe, die darauf abzielte, die nationalistische Agenda zu untergraben. Sie hofften, die Samen für eine neue, gegenfaschistische Avantgarde-Kultur zu pflanzen. In Hommage an ihre Helden, die Surrealisten und Dadaisten, nannten sie sich Dau al Set – ein Begriff für die nicht existierende siebenseitige Seite eines sechsseitigen Würfels.

Antoni Tàpies - Chaises (Stühle), 1981. Carborundum. Komposition: 36 1/4 x 54 3/4" (92 x 139 cm); Blatt: 36 5/8 x 54 3/4" (93 x 139 cm). Verlag: Galerie Lelong, Paris. Drucker: Joan Barbarà, Barcelona. Auflage 30. MoMA Sammlung. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.

Da die Worte Katalanisch waren, war der Name Dau al Set automatisch umstritten, und seine quasi-mystischen Konnotationen signalisierten eine Annahme der Vorstellung, dass elitistische Logik die Welt nur in den Krieg geführt hatte. Dau al Set verbreitete seine Ideen und seine einzigartige visuelle Sprache durch eine gleichnamige Zeitschrift, die auf der persönlichen Druckerpresse von Tharrats veröffentlicht wurde. Seine Artikel waren ebenfalls in der verbotenen katalanischen Sprache verfasst, und die Bilder zeigten eine Mischung aus Mystik, Fantasie und reiner Abstraktion – alles in direkter Opposition zur faschistischen Herrschaft Francos. Von den drei Künstlern in der Gruppe war Tàpies der abstrakteste. Er war Autodidakt, seine Bilder waren von Philosophie inspiriert, und seine Methoden basierten auf der reinen Freude an Medien und Materialien. Er experimentierte, indem er ungewöhnliche Zusatzstoffe in seine Ölfarben mischte, und begann bald, gefundene Materialien und Objekte in seine Farben einzufügen. Bis 1952 war er so in eine Suche nach seinem eigenen künstlerischen Weg vertieft, dass er Dau al Set verließ. Von diesem Zeitpunkt an widmete sich Tàpies vollständig der informellen Abstraktion und der Erforschung von Mixed Media als ästhetischer Position an sich.

Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 Aquatinten (einschließlich Umschlag) mit Karborundum, Collagraph und/oder Aquatint, und 1 Radierung und Karborundum; sowie ergänzende Suite. Irreg. Seite 20 1/2 x 16 1/8" (52 x 41 cm). Drucke: verschiedene Maße. Verlag: Maeght Éditeur, Paris. Drucker: Atelier Morsang, Paris. Auflage 195+. Mrs. Gilbert W. Chapman Fund und Geschenk der Galerie Maeght. MoMA Sammlung. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.

Die Angelegenheit der Malerei

Neben seiner Selbstbildung als Künstler war Tàpies auch ein autodidaktischer Kunsttheoretiker. In seinen Schriften finden wir tatsächlich viel Einsicht in die Substanz seiner Kunst. Zwei seiner aufschlussreichsten Zitate sind: „Wenn ich die Welt nicht verändern kann, möchte ich zumindest die Art und Weise verändern, wie die Menschen sie betrachten;“ und „Profundität befindet sich nicht an einem fernen, unzugänglichen Ort. Sie ist im Alltag verwurzelt.“ Wir sehen beide Aussagen in Werken wie „Großes Gemälde“ (1958), einer Collage aus Pappe in der Farbe von Erde. Die Oberfläche des Werkes sieht verkohlt, verletzt und befleckt aus. Es besteht aus den einfachsten Materialien, mit den rohesten Techniken, von der Hand eines Künstlers ohne formale ästhetische Ausbildung. Doch innerhalb der Komposition begegnen wir perfektem Gleichgewicht, chromatischer Harmonie und einer Vielzahl von Texturen und Farbtönen. Wir würden diese Materialien auf der Straße einfach ignorieren, aber hier können unsere Augen in einer exotischen Schatzkarte von endloser Tiefe und mystischem Geschreibsel verloren gehen.

Antoni Tàpies- St. Gallen, 1962. Lithografie. Geschenk von Paul F. Walter. MoMA Sammlung. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.

Tàpies dehnte sein Denken auch in den Bereich der Skulptur aus. Eines seiner bekanntesten Werke, „Schreibtisch mit Stroh“ (1970), ist so einfach, wie es der Titel vermuten lässt – es handelt sich um eine Zusammenstellung eines echten Holztisches, der mit Stroh bedeckt ist. Die Kombination der Materialien erscheint zunächst unsinnig, und doch verleiht die perfekte Schönheit ihrer Gegenüberstellung dem Stück eine Aura des Unvermeidlichen, wodurch es vollkommen rational wird, nicht als Möbelstück, sondern als Kunst. In der Zwischenzeit verfolgt „Offenes Bett“ (1986) den entgegengesetzten Ansatz. Ein vollwertiges Bett aus Feuerstein, das mit Emaillefarbe gefärbt ist, steht die Bedeutung der Form in direktem Gegensatz zu den Materialien. Aber es dauert nicht lange, bis ein Betrachter erkennt, dass die Absurdität, auf Ton zu schlafen, schmilzt, wenn wir die Erde als unser Bett betrachten. Wie bei all den Arbeiten, die Tàpies geschaffen hat, liegt die Tiefe direkt in der Alltäglichkeit des täglichen Denkens; es kommt ganz darauf an, wie man es betrachtet.

Vorschaubild: Antoni Tàpies - Großes Gemälde, 1958. Öl mit Sand auf Leinwand. 78 1/2 x 103 Zoll (199,3 x 261,6 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Artists Rights Society (ARS), New York/VEGAP, Madrid.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio